Judith che uccide Oloferne, Artemisia Gentileschi. Creative Commons
La storia dell’arte può sembrare una festa della salsiccia. Dove sono tutte le donne? Sono nei dipinti, naturalmente, sia come una versione idealizzata di se stesse (nei ritratti formali), come oggetti di desiderio (nudi), come oggetti di venerazione (la Vergine Maria), come oggetti di interesse sado-masochistico, religioso (martiri di sante donne), come dee di un tempo (Venere o Diana), o come obiettivi sessuali di dei di un tempo (illustrazioni dalle Metamorfosi di Ovidio). Ma che dire dell’altro lato della tela? Fermate chiunque per strada e chiedetegli di nominare una grande artista donna, ed è probabile che vi diano un nome moderno, Marina Abramovic o Tracey Emin, forse. Ma potrebbero nominare qualcuno che è vissuto prima della prima guerra mondiale?
Ho chiesto ad alcuni colleghi storici dell’arte, e anche loro hanno difficoltà a trovare più di una manciata di nomi (e hanno anche ammesso di ricordare i nomi, ma non aver visto le opere degli artisti). Per fortuna, ci sono alcune grandi mostre che hanno portato alla ribalta le artiste premoderne negli ultimi tempi.
I newyorkesi avranno avuto la fortuna di assistere l’anno scorso a Vigée Le Brun: Woman Artist in Revolutionary France al Metropolitan Museum of Art. Ma il nome più grande, e forse l’unica artista femminile del Rinascimento di cui potreste aver sentito parlare, è attualmente presente in una mostra di successo a Roma: Artemisia Gentileschi e il suo tempo al Museo di Roma a Palazzo Braschi.
Artemisia Gentileschi (1593-1656) è famosa, ma soprattutto per le ragioni sbagliate. Il suo è un racconto lirico di sesso e violenza – una vera e propria tragedia di vendetta giacobina, che troppo spesso mette in ombra i suoi dipinti. Figlia maggiore di un famoso pittore, Orazio Gentileschi, brillò immediatamente come il talento principale della famiglia, lavorando nello studio del padre insieme ai suoi fratelli. Poiché suo padre, come molti artisti di Roma all’inizio del 1600, era affascinato dall’opera di Caravaggio – le sue tele drammatiche, realistiche, violente, dinamiche, illuminate, erano sulla bocca di tutti a Roma e non assomigliavano a nessuna opera precedente – anche lei adottò questo stile e può essere considerata una seconda generazione di “caravaggisti”.”
Lo stile di Caravaggio era così nuovo e popolare che gli artisti accorrevano per imitarlo – anche quelli formati nello stile accademico rivale e più affermato promosso dall’Accademia dei Carracci a Bologna – cosa che lui non poteva tollerare. Fece causa, o minacciò e mise in atto la violenza contro le persone che scimmiottavano il suo stile (o che cuocessero troppo i suoi carciofi, come scoprì uno sfortunato cameriere). Eppure di tutti gli imitatori, solo due (almeno nella mia mente) si distinguono per aver eguagliato o superato Caravaggio stesso. Sebbene sia un’opinione soggettiva (ma condivisa da molti), penso che Artemisia fosse al livello di Caravaggio, forse una A contro la sua A+ (preferisco la sua Giuditta che decapita Oloferne alla sua, poiché sembra più una fantasia di vendetta di castrazione, che è ovviamente ciò di cui parla la storia biblica). E l’unico artista che lo ha superato è stato probabilmente l’enormemente sottovalutato Ribera.
Mentre la storia della vita di Caravaggio è una storia di omicidio e caos, quella di Artemisia è altrettanto oscura. Sua madre morì quando lei aveva dodici anni, e fu vittima della gelosia per la sua notevole abilità, spesso accusata di essere stata aiutata dal padre o dai fratelli. Ma il momento decisivo della sua carriera fu, ahimè, terribile. Un pittore di nome Agostino Tassi, assunto dal padre per farle da precettore, la violentò, insieme a un altro aggressore, Cosimo Quorlis. Un amico di Artemisia, un inquilino di famiglia di nome Tuzi, sentì le sue grida di aiuto, ma le ignorò.
Ma la storia si complicò. Se Tassi, già sposato, sposasse Artemisia, allora la faccia potrebbe essere salvata (tenete presente che questo era il 17° secolo). Continuarono i loro rapporti sessuali, Tassi che incastrava Artemisia con l’aspettativa del matrimonio. Il padre di lei, Orazio, sapeva di questo ma tenne la bocca chiusa, al fine di preservare l’onore della famiglia. Questo fino a quando non fu chiaro che non ci sarebbe stato alcun matrimonio. A quel punto Orazio citò in giudizio Tassi, e un processo che attirò un intenso interesse sarebbe durato sette mesi.
Il processo fu uno spettacolo dell’orrore, sia letteralmente che per le storie che portò in superficie. Tassi, si scoprì, aveva fatto piani per uccidere la moglie e aveva avuto altre amanti mentre si portava avanti con Artemisia. In una pratica estremamente perversa, Artemisia fu torturata per verificare la sua testimonianza – il presupposto era che avrebbe resistito alla tortura in nome della verità, o ammesso di mentire per sfuggirle. A causa delle leggi del tempo, i Gentileschi non avevano alcun caso a meno che non potessero provare che Tassi aveva preso la verginità di Artemisia, il che era come rovinare finanziariamente la famiglia Gentileschi, rendendo la potenziale figlia portatrice di dote immarcescibile.
Il processo finì in modo insoddisfacente, per non dire altro. Tassi fu condannato a un anno di prigione, ma non scontò nemmeno un giorno. Ma la storia di Artemisia migliorò da quel punto oscuro in poi. Appena un mese dopo il processo, Orazio organizzò per sua figlia un matrimonio combinato che si sarebbe rivelato fruttuoso. Si trasferì a Firenze con il suo nuovo marito, Pierantonio Stiattesi, un artista di poca fama, ma una figura di sostegno. Ebbero una figlia e la carriera di Artemisia fiorì, ora fuori dall’ombra di Roma e della sua famiglia. Ottenne commissioni dai Medici a Firenze e da Carlo I d’Inghilterra. Fece amicizia con Galileo e fu la prima donna ammessa all’Accademia delle Arti del Disegno di Firenze, che era stata fondata nel 1563 su iniziativa dell’artista, architetto e storico rinascimentale Giorgio Vasari.
Se non fosse stato per Vasari, avremmo potuto perdere le tracce delle pochissime donne artiste del Rinascimento. Vasari è noto soprattutto per aver scritto una biografia collettiva di artisti, con edizioni nel 1550 e 1568, chiamata Vite dei più eminenti pittori, scultori e architetti. Questa è considerata la prima vera opera di storia dell’arte, e le sue opinioni sull’arte colorano in gran parte il modo in cui consideriamo l’arte fino ad oggi. Anche se Vasari visse una generazione prima di Artemisia, è grazie a lui che sappiamo di alcune meravigliose artiste del Rinascimento.
Sofonisba Anguissola, e le sue tre sorelle, Lucia, Minerva, ed Europa, vissero e lavorarono a Cremona. Di Sofonisba, il Vasari scrisse: “Vidi in casa di suo padre un quadro di sua mano fatto con grande diligenza che mostra le sue tre sorelle che giocano a scacchi, e con loro una vecchia domestica, con tanta diligenza e attenzione che sembrano veramente vive e non manca loro che la facoltà della parola”. Ha continuato a scrivere che lei “ha mostrato maggiore applicazione e migliore grazia di qualsiasi altra donna della nostra epoca nei suoi sforzi nel disegno; così è riuscita non solo a disegnare, colorare e dipingere dalla natura, a copiare in modo eccellente da altri, ma da sola ha creato dipinti rari e molto belli”. L’elogio del Vasari alle artiste è tinto da un livello di misoginia, certo (sembra quasi sorpreso che lei, come donna, possa creare i suoi propri “rari e molto belli” dipinti). Ma ha riconosciuto il suo talento.
La famiglia Anguissola era dell’aristocrazia cremonese, il che può essere dedotto dal fatto che avevano tempo per studiare pittura e giocare a scacchi. Il loro padre, Amilcare Anguissola, non era un artista, come la maggior parte degli artisti premoderni. Era piuttosto un padre ricco e amorevole che dava alle sue figlie un’educazione brillante e incoraggiava le loro abilità nelle arti senza preoccuparsi della loro sposabilità – un lusso che la loro ricchezza e nobiltà permettevano. Sofonisba avrebbe viaggiato a Roma per incontrare Michelangelo, e più tardi divenne una pittrice di corte del re Filippo II di Spagna. Visse una vita lunga e ricca, compreso il fatto di abbandonare il suo primo marito per sposare un capitano di mare, con il quale rimase per 40 anni. All’età di 92 anni, posò per un ritratto del giovane Antony Van Dyck durante il suo soggiorno a Genova.
Sofonisba è menzionata nel resoconto del Vasari di un’altra donna artista, Properzia de’ Rossi di Bologna (perdonate al Vasari la sua misoginia, se volete – fu abbastanza femminista da parte sua includere artisti femminili nella sua storia): “Né si sono vergognate di mettere le loro tenere mani bianche alle cose meccaniche, e in mezzo alla ruvidezza del marmo e alla rozzezza del ferro di seguire i loro desideri e portare fama a se stesse, come fece la nostra Properzia de’ Rossi, una giovane donna talentuosa non solo nelle faccende domestiche, ma in infinite forme di conoscenza che sono l’invidia degli uomini come delle donne.”
Properzia aveva una specialità francamente strana, ma notevole: poteva scolpire piccole figure nei noccioli delle pesche. Uno dei lavori più intricati di Properzia consisteva nell’intagliare “l’intera Passione di Cristo, lavorata nel più bell’intaglio, con un gran numero di figure oltre agli Apostoli e ai ministri della Crocifissione”. La Fossa della Passione di Properzia sarebbe un ottimo nome per un night club femminile.
Ma perché, esattamente, c’erano così poche donne artiste prima del XX secolo? C’è una ragione ovvia e una un po’ meno ovvia. La prima è che le donne si sono impegnate solo in un numero limitato di professioni fino alla rivoluzione industriale, e davvero nel XX secolo. I mestieri, come la pittura e la scultura, erano quasi esclusivamente un lavoro da uomo, per nessuna ragione particolarmente buona se non l’abitudine. Le donne del Rinascimento erano di solito suore, mogli e madri, prostitute, o avevano altre posizioni molto occasionali (infermiere, cameriere, dame di compagnia, lavandaie, sarte, ecc.)
La ragione meno ovvia ha a che fare con il sistema dello studio, che era in vigore e prevalente tra gli artisti fino alla rivoluzione industriale, e in alcuni casi oltre. La maggior parte degli artisti nel corso della storia si formano come apprendisti, spesso iniziando già all’età di 8 anni, vivendo e lavorando con un maestro. All’età di 16 o 18 anni, gli veniva data la possibilità di rimanere come assistente retribuito, o di mettersi in proprio, per formare il proprio studio. Per iniziare il proprio studio, un giovane aspirante doveva presentare un “capolavoro” al ramo locale della gilda dei pittori, una sorta di proto-sindacato che controllava la qualità e la quantità di artisti al lavoro nella loro regione (di solito chiamato la Gilda di San Luca, che era patrono dei pittori). Questa è la definizione corretta di “capolavoro”: l’unica opera in base alla quale un artista viene giudicato, al fine di determinare se è abbastanza bravo da diventare un “maestro” e aprire il proprio studio.
Apprendisti e assistenti, vivendo e lavorando insieme 24 ore al giorno, potrebbe essere imbarazzante e non favorevole al lavoro se la situazione fosse mista, considerando gli ormoni scatenati dei 12-16 anni. Così, a meno che una giovane donna non fosse abbastanza ricca da avere un tutore d’arte assunto, o a meno che non fosse nella famiglia di un artista in attività, non avrebbe avuto la possibilità di praticare l’arte. Fino al XIX secolo, quando i materiali dell’artista cominciarono ad essere prodotti in fabbrica, pigmenti, tele e pannelli erano costosi, spesso proibitivi, a meno che non fossero acquistati come parte di una commissione pagata. Così non c’era la tradizione di fare arte solo per divertimento, a causa del costo che comportava. Quindi non è sorprendente che ci siano state relativamente poche artiste rinomate prima dell’era moderna, quando il campo dell’arte, come la maggior parte delle professioni, si è aperto con un livello sempre maggiore di uguaglianza.
Gli studi esistono ancora (considerate Damien Hirst e Jeff Koons oggi, i due artisti più venduti della storia, che progettano e supervisionano la creazione delle loro opere d’arte, ma non le realizzano in prima persona, il loro team di assistenti fa la maggior parte del lavoro manuale). Ma il vecchio sistema delle corporazioni si è dissolto con la rivoluzione industriale, e l’arte non è più legata a un genere o all’altro.
È forse ironico, ma giusto, che la grande maggioranza degli storici dell’arte siano donne. Anche se le donne artiste delle epoche passate erano poche e preziose, le donne guidano lo studio dell’arte con un enorme margine, ora, e superano gli uomini nelle principali case d’asta (anche se non sempre ai vertici). Quindi, forse in futuro, impareremo ancora di più sulle donne artiste del passato.
Questo è l’ultimo della nuova serie Secrets and Symbols di Observer Arts, dell’autore e storico dell’arte Noah Charney. Il suo prossimo libro è su Giorgio Vasari e la sua influenza, e sarà pubblicato da Norton il prossimo autunno.