Judit megöli Holofernest, Artemisia Gentileschi. Creative Commons
A művészettörténet úgy hangozhat, mint egy kolbászparti. Hol vannak a hölgyek? Természetesen ott vannak a festményeken, akár önmaguk idealizált változataként (formális portrékon), akár a vágy tárgyaként (aktok), akár a tisztelet tárgyaként (Szűz Mária), akár a szado-mazochista, vallásos érdeklődés tárgyaként (női szentek mártírjai), akár régi istennőkként (Vénusz vagy Diana), akár régi istenek szexuális célpontjaiként (Ovidius Metamorfózisának illusztrációi). De mi a helyzet a vászon másik oldalán? Állítson meg bárkit az utcán, és kérdezze meg, hogy nevezzen meg egy nagy női művészt, és jó eséllyel egy modern nevet fog mondani, talán Marina Abramovicot vagy Tracey Emint. De tudnának-e mondani valakit, aki az első világháború előtt élt?
Megkérdeztem néhány művészettörténész kollégát, és még ők is nehezen tudtak egy maroknyi névnél többet mondani (és azt is bevallották, hogy a nevekre emlékeznek, de nem látták a művészek munkáit). Szerencsére van néhány nagyszabású kiállítás, amely az utóbbi időben előtérbe helyezte a premodern női művészeket.
A New York-iaknak bizonyára szerencséjük volt a tavalyi Vigée Le Brun: Vig Bruné Leune Bruné Bruné Bruné Bruné Leune Bruné a forradalmi Franciaországban című kiállításon a Metropolitan Museum of Artban. De a legnagyobb név, és talán az egyetlen női reneszánsz művész, akiről hallottál, jelenleg egy nagyszabású kiállításon szerepel Rómában: Artemisia Gentileschi e il suo tempo a Museo di Roma Palazzo Braschiban.
Artemisia Gentileschi (1593-1656) híres, de többnyire rossz okokból. Az övé a szex és az erőszak operai története – egy valóságos jakobinus bosszútragédia, amely túl gyakran beárnyékolja festményeit. A híres festő, Orazio Gentileschi legidősebb gyermekeként azonnal a család vezető tehetségeként tündökölt, és testvérei mellett apja műtermében dolgozott. Mivel apját, mint oly sok római művészt az 1600-as évek elején, lenyűgözte Caravaggio munkássága – drámai, realista, erőszakos, dinamikus, dinamikus, reflektorfényes vásznairól beszéltek Rómában, és semmiben sem hasonlítottak az előttük készült művekre -, ő is átvette ezt a stílust, és a “caravaggisták” második generációjának tekinthető.”
Caravaggio stílusa annyira új és népszerű volt, hogy a művészek özönlöttek, hogy utánozzák őt – még azok is, akik a rivális, a bolognai Carracci Akadémia által támogatott, bevett akadémikus stílusban képezték magukat -, amit ő nem tudott elviselni. Beperelte azokat, vagy erőszakkal fenyegette és erőszakot alkalmazott azokkal szemben, akik utánozták a stílusát (vagy túlfőzték az articsókáját, ahogy egy szerencsétlen pincér megtudta). Az összes utánzó közül azonban (legalábbis az én szememben) csak kettő emelkedik ki úgy, mint aki felért vagy felülmúlta magát Caravaggiót. Bár ez szubjektív vélemény (de sokan osztják), úgy gondolom, hogy Artemisia Caravaggio szintjén volt, talán egy ötös az ő ötöséhez képest (az ő Holofernészt lefejező Juditja jobban tetszik, mint az övé, mivel inkább kasztrációs bosszúfantáziának tűnik, amiről persze ez a bibliai történet szól). És az egyetlen művész, aki felülmúlta őt, vitathatatlanul a hatalmasan alábecsült Ribera volt.
Míg Caravaggio élettörténete gyilkosságról és vérengzésről szól, addig Artemisiaé hasonlóan sötét. Édesanyja tizenkét éves korában meghalt, és figyelemre méltó képességei miatt féltékenység áldozata lett, gyakran vádolták azzal, hogy apja vagy testvérei segítettek neki. Pályafutásának meghatározó pillanata azonban sajnos szörnyű volt. Egy Agostino Tassi nevű festő, akit az apja bérelt fel, hogy tanítsa, megerőszakolta őt, egy másik támadóval, Cosimo Quorlisszal együtt. Artemisia egyik barátja, a család Tuzi nevű bérlője meghallotta a lány segélykiáltásait, de figyelmen kívül hagyta őket.
A történet azonban egyre bonyolultabbá vált. Ha Tassi, aki már nős volt, feleségül venné Artemisiát, akkor talán megmenekülne az arca (ne feledjük, ez a 17. század volt). Folytatták szexuális kapcsolatukat, Tassi a házasság reményével fűzte Artemisia-t. A lány apja, Orazio tudott erről, de a család becsületének megőrzése érdekében hallgatott. Egészen addig, amíg világossá nem vált, hogy nem lesz házasság. Ekkor Orazio beperelte Tassit, és a heves érdeklődést kiváltó per hét hónapon át tartott.
A per a szó szoros értelmében és az általa felszínre hozott történetek szempontjából is horrorisztikus volt. Tassi, mint kiderült, terveket szőtt a felesége meggyilkolására, és más szeretői is voltak, miközben Artemisiával folytatott viszonyt. Egy rendkívül perverz gyakorlat szerint Artemisiát megkínozták, hogy igazolják a vallomását – azzal a feltételezéssel, hogy az igazság nevében ellenáll a kínzásnak, vagy bevallja, hogy hazudik, hogy megmeneküljön tőle. A korabeli törvények miatt a Gentileschiknek nem volt perük, hacsak nem tudták bizonyítani, hogy Tassi elvette Artemisia szüzességét, ami a Gentileschi család anyagi tönkretételével volt egyenértékű, mivel a potenciális hozományt hozó lányt házasíthatatlanná tette.
A per enyhén szólva nem végződött kielégítően. Tassit egy év börtönre ítélték, de egy napot sem ült le. Artemisia története azonban ettől a sötét ponttól kezdve javult. Alig egy hónappal a tárgyalás után Orazio elrendezett egy házasságot a lánya számára, amely gyümölcsözőnek bizonyult. A lány Firenzébe költözött új férjével, Pierantonio Stiattesivel, egy kevéssé ismert, de támogató művészrel. Lányuk született, és Artemisia karrierje felvirágzott, immár kikerülve Róma és családja árnyékából. Megbízásokat kapott a firenzei Medicitől és az angol I. Károlytól. Összebarátkozott Galileivel, és ő volt az első nő, akit felvettek a firenzei Accademia delle Arte del Disegnóba, amelyet 1563-ban alapítottak Giorgio Vasari reneszánsz művész, építész és történész kezdeményezésére.
Ha Vasari nem lett volna, talán elvesztettük volna a reneszánsz nagyon kevés női művészét. Vasari leginkább arról ismert, hogy megírta a művészek csoportos életrajzát, amelynek 1550-es és 1568-as kiadása a legkiválóbb festők, szobrászok és építészek élete címet viseli. Ezt tartják az első igazi művészettörténeti műnek, és a művészetről alkotott nézetei nagymértékben befolyásolják a mai napig a művészetről alkotott nézeteinket. Bár Vasari egy generációval Artemisia előtt élt, neki köszönhetjük, hogy ismerjük a reneszánsz néhány csodálatos női művészét.
Sofonisba Anguissola és három nővére, Lucia, Minerva és Europa Cremonában élt és alkotott. Sofonisbáról Vasari ezt írta: “Láttam apja házában egy festményt, amelyet az ő keze készített nagy szorgalommal, és amelyen három nővére sakkozik, és velük együtt egy öreg házvezetőnő, olyan szorgalommal és figyelemmel, hogy valóban úgy tűnik, mintha élnének, és semmi más nem hiányzik, csak a beszéd ereje”. A továbbiakban azt írta, hogy “korunk minden más asszonyánál nagyobb szorgalmat és jobb kegyelmet tanúsított rajzolási törekvéseiben; így nemcsak a természetről rajzolni, színezni és festeni, másokról kitűnően másolni sikerült neki, hanem saját maga is ritka és igen szép festményeket alkotott”. Vasari dicséretét a női művészekről némi nőgyűlölet árnyalja, az biztos (szinte meglepőnek hangzik, hogy ő, mint nő, képes volt saját maga “ritka és nagyon szép” festményeket alkotni). De elismerte a tehetségét.”
Az Anguissola család krémai arisztokrácia volt, amire abból lehet következtetni, hogy egyáltalán volt idejük festészetet tanulni és sakkozni. Apjuk, Amilcare Anguissola nem volt művész, ellentétben a legtöbb premodern művész esetében. Inkább gazdag, szerető apa volt, aki ragyogó oktatásban részesítette lányait, és ösztönözte a művészetekben való jártasságukat anélkül, hogy aggódott volna a házassági alkalmasságuk miatt – egy olyan luxus, amelyet vagyona és nemesi származása lehetővé tett. Sofonisba Rómába utazott, hogy találkozzon Michelangelóval, később pedig II. Fülöp spanyol király udvari festője lett. Hosszú, gazdag életet élt, beleértve azt is, hogy első férjét kirúgta, hogy feleségül menjen egy tengeri kapitányhoz, akivel 40 évig maradt együtt. 92 éves korában ült egy portréhoz, amelyet a fiatal Antonius Van Dyck készített róla genovai tartózkodása alatt.
Sofonisba szerepel Vasari beszámolójában egy másik női művészről, a bolognai Properzia de’ Rossiról (bocsássuk meg Vasarinak a nőgyűlöletét, ha úgy tetszik – elég feminista volt tőle, hogy egyáltalán női művészeket is bevett a történetébe): “Nem szégyellték gyöngéd, fehér kezüket mechanikus dolgokra fogni, és a márvány durvasága és a vas érdessége közepette követni vágyaikat, és hírnevet szerezni maguknak, mint a mi Properzia de’ Rossink, egy fiatal nő, aki nemcsak a háztartási dolgokban volt tehetséges, hanem a tudás végtelen formáiban is, amit férfiak és nők egyaránt irigyelnek.”
Properziának volt egy őszintén szólva furcsa, de figyelemre méltó specialitása: apró figurákat tudott barackmagokba faragni. Properzia egyik legbonyolultabb munkája “Krisztus egész passióját faragta, a legszebb faragással megmunkálva, az apostolokon és a keresztre feszítés szolgálattevőin kívül rengeteg figurával”. Properzia Passiógödre remek név lenne egy női művészek éjszakai klubjának.
De pontosan miért is volt olyan kevés női művész a 20. század előtt? Van egy nyilvánvaló ok, és egy valamivel kevésbé nyilvánvaló ok. Az első az, hogy a nők az ipari forradalomig, és valóban a 20. századig csak korlátozott számú szakmát űztek. A kézművesség, mint például a festészet és a szobrászat, szinte kizárólag a férfiak munkája volt, a szokásokon kívül semmilyen különösebb okból. A reneszánsz nők általában apácák, feleségek és anyák, prostituáltak voltak, vagy nagyon alkalmi egyéb pozíciókat töltöttek be (ápolónők, szobalányok, udvarhölgyek, mosónők, varrónők stb.)
A kevésbé nyilvánvaló ok a műteremrendszerhez kapcsolódik, amely a művészek körében egészen az ipari forradalomig, és néhány esetben azon túl is elterjedt volt. A legtöbb művész a történelem során tanoncként képezte magát, gyakran már 8 éves korától kezdve, egy mesterrel élve és dolgozva. 16 vagy 18 éves korukban lehetőségük nyílt arra, hogy fizetett asszisztensként maradjanak, vagy saját műtermet alapítsanak. Ahhoz, hogy saját műtermet alapíthasson, a fiatal pályakezdőnek be kellett nyújtania egy “remekművet” a festőcéh helyi fiókjának, egyfajta proto-egyesületnek, amely ellenőrizte a régiójában dolgozó művészek minőségét és mennyiségét (általában Szent Lukács céhének nevezték, aki a festők védőszentje volt). Ez a “remekmű” megfelelő meghatározása: az az egyetlen mű, amely alapján egy művészt megítélnek, hogy eldöntsék, elég jó-e ahhoz, hogy “mesterré” váljon és saját műtermet nyisson.
A tanoncok és asszisztensek, akik együtt élnek és dolgoznak a nap 24 órájában, kínos lehet, és nem kedvez a munkának, ha a helyzet koedukált, figyelembe véve a 12-16 évesek tomboló hormonjait. Tehát hacsak egy fiatal nő nem volt elég tehetős ahhoz, hogy legyen egy felbérelt művészeti oktatója, vagy hacsak nem egy dolgozó művész családjában élt, nem volt lehetősége a művészet gyakorlására. A 19. századig, amikor a művészi anyagokat gyárilag kezdték gyártani, a pigmentek, vásznak és panelek drágák voltak, gyakran megfizethetetlenül drágák, hacsak nem egy fizetett megbízás részeként vásárolták meg őket. Így a költségek miatt nem volt hagyománya annak, hogy csak szórakozásból foglalkozzanak művészettel. Így nem meglepő, hogy viszonylag kevés neves női művész volt a modern kor előtt, amikor a művészet területe, mint a legtöbb szakma, egyre nagyobb egyenlőséggel nyílt meg.
A stúdiók még mindig léteznek (gondoljunk csak Damien Hirstre és Jeff Koonsra, a történelem két legkelendőbb művészére, akik ma is tervezik és felügyelik a műveik létrehozását, de valójában nem maguk készítik azokat, asszisztenseik csapata végzi a gyakorlati munka nagy részét). De a régi céhrendszer az ipari forradalommal felbomlott, és a művészet többé nem kötődik egyik vagy másik nemhez sem.”
Ez talán ironikus, de igazságos, hogy a művészettörténészek túlnyomó többsége nő. Bár az elmúlt korszakok női művészei igen kevesen voltak, ma már a nők óriási fölénnyel vezetik a művészettudományt, és a nagy aukciósházakban is többen vannak, mint a férfiak (bár nem mindig a csúcson). Így talán a jövőben még többet fogunk megtudni a múlt női művészeiről.
Az Observer Arts új sorozatának legújabb darabja, a Titkok és szimbólumok, amelyet Noah Charney író és művészettörténész vezet. Következő könyve Giorgio Vasariról és annak hatásáról szól, és jövő ősszel jelenik meg a Norton kiadónál.