Judith Slaying Holofernes, Artemisia Gentileschi. Creative Commons
A história da arte pode soar como uma festa de salsichas. Onde estão todas as senhoras? Estão nas pinturas, claro, seja como uma versão idealizada de si mesmas (em retratos formais), como objetos de desejo (nus), como objetos de veneração (a Virgem Maria), como objetos de interesse sado-masoquista, religioso (martírios de santos femininos), como deusas de antigamente (Vênus ou Diana), ou como alvos sexuais de deuses de antigamente (ilustrações da Metamorfose de Ovid). Mas e do outro lado da tela? Pare praticamente qualquer pessoa na rua e peça-lhes para nomear uma grande artista feminina, e as chances são que eles lhe dêem um nome moderno, Marina Abramovic ou Tracey Emin, talvez. Mas será que eles poderiam nomear alguém que viveu antes da Primeira Guerra Mundial?
Pedi a alguns colegas historiadores de arte, e até mesmo eles têm dificuldade em encontrar mais do que um punhado de nomes (e eles também admitiram ter lembrado os nomes, mas não terem visto obras dos artistas). Felizmente, há algumas grandes exposições que trouxeram artistas pré-modernas à tona nos últimos tempos.
Os nova-iorquinos terão tido a boa sorte de assistir ao Vigée Le Brun do ano passado: Mulher Artista na França Revolucionária no Museu Metropolitano de Arte. Mas o maior nome, e talvez a única artista renascentista feminina de que você possa ter ouvido falar, está atualmente em uma exposição blockbuster em Roma: Artemisia Gentileschi e il suo tempo no Museo di Roma no Palazzo Braschi.
Artemisia Gentileschi (1593-1656) é famosa, mas principalmente pelas razões erradas. A sua é um conto lírico sobre sexo e violência – uma tragédia de vingança jacobeia da vida real, que muitas vezes ofusca as suas pinturas. A filha mais velha de um famoso pintor, Orazio Gentileschi, brilhou imediatamente como o principal talento da família, trabalhando no estúdio do seu pai ao lado dos irmãos. Porque seu pai, como tantos artistas romanos no início dos anos 1600, ficou impressionado com a obra de Caravaggio – suas telas dramáticas, realistas, violentas, dinâmicas, iluminadas por manchas – não se pareciam nada com qualquer obra que tivesse vindo antes deles – ela também assumiu esse estilo e pode ser considerada uma segunda geração dos “Caravaggisti”.”
O estilo de Caravaggio era tão novo e popular que os artistas afluíram para imitá-lo – mesmo aqueles treinados no estilo acadêmico rival, mais estabelecido, promovido pela Academia Carracci em Bolonha – algo que ele não podia tolerar. Ele processou, ou ameaçou e decretou violência contra, pessoas que apedrejaram seu estilo (ou cozinharam demais suas alcachofras, como um infeliz garçom descobriu). Contudo, de todos os imitadores, apenas dois (pelo menos na minha mente) se destacam como tendo igualado ou superado o próprio Caravaggio. Embora seja uma opinião subjectiva (mas partilhada por muitos), penso que Artemisia estava ao nível de Caravaggio, talvez um A ao seu A+ (prefiro a sua Judith Beheading Holofernes à dele, uma vez que parece mais uma fantasia de vingança de castração, que é, naturalmente, a história bíblica). E o único artista que o ultrapassou foi, sem dúvida, a muito subestimada Ribera.
Enquanto a história de vida de Caravaggio é uma história de assassinato e caos, a de Artemisia é igualmente sombria. Sua mãe morreu quando ela tinha doze anos, e ela foi vítima de ciúmes por sua habilidade notável, muitas vezes acusada de ter sido ajudada por seu pai ou irmãos. Mas o momento decisivo de sua carreira foi, infelizmente, um momento terrível. Um pintor chamado Agostino Tassi, contratado pelo seu pai para lhe dar explicações, violou-a, juntamente com outro agressor, Cosimo Quorlis. Uma amiga de Artemisia, uma inquilina da família chamada Tuzi, ouviu seus gritos de ajuda, mas os ignorou.
Mas a história ficou mais complicada. Se Tassi, já casada, fosse casar com Artemisia, então o rosto poderia ser salvo (tenha em mente que este era o século XVII). Eles continuaram suas relações sexuais, Tassi amarrando Artemisia junto com a expectativa de casamento. Seu pai, Orazio, sabia disso, mas manteve a mãe, a fim de preservar a honra da família. Ou seja, até se tornar claro que não haveria casamento. Nesse momento Orazio processou Tassi, e um julgamento que despertou um interesse intenso iria durar sete meses.
O julgamento foi um show de horror, tanto literalmente como em termos das histórias que despertou à superfície. Tassi, saiu, tinha feito planos para assassinar sua esposa e tinha tido outros amantes enquanto continuava com Artemisia. Numa prática extremamente perversa, Artemisia foi torturada para verificar o seu testemunho – supondo-se que ela suportaria a tortura em nome da verdade, ou que admitiria mentir para escapar dela. Devido às leis da época, os Gentileschis não tinham nenhum caso a menos que pudessem provar que Tassi tinha tomado a virgindade de Artemisia, o que era semelhante a arruinar financeiramente a família Gentileschi, tornando a filha potencialmente portadora do dote incontornável.
O julgamento terminou insatisfatoriamente, para dizer o mínimo. Tassi foi condenada a um ano de prisão, mas não cumpriu um dia. Mas a história de Artemisia melhorou a partir desse ponto negro. Apenas um mês após o julgamento, Orazio resolveu um casamento arranjado para a sua filha que se revelaria frutífero. Ela se mudou para Florença com seu novo marido, Pierantonio Stiattesi, um artista de pouca fama, mas uma figura de apoio. Eles tiveram uma filha, e a carreira de Artemisia floresceu, agora fora da sombra de Roma e de sua família. Ela recebeu comissões dos Médicis em Florença e Carlos I de Inglaterra. Ela fez amizade com Galileu, e foi a primeira mulher a ingressar na Accademia delle Arte del Disegno de Florença, fundada em 1563 por iniciativa do artista, arquiteto e historiador renascentista Giorgio Vasari.
Se não fosse por Vasari, poderíamos ter perdido o rastro das poucas artistas femininas da Renascença. Vasari é mais conhecido por ter escrito uma biografia de grupo de artistas, com edições em 1550 e 1568, chamada Lives of the Most Eminent Painters, Sculptors and Architects. Esta é considerada a primeira verdadeira obra da história da arte, e as suas opiniões sobre a arte em grande parte colorem a forma como consideramos a arte até aos dias de hoje. Embora Vasari tenha vivido uma geração antes de Artemisia, é graças a ele que conhecemos algumas maravilhosas artistas femininas do Renascimento.
Sofonisba Anguissola, e suas três irmãs, Lúcia, Minerva e Europa, viveram e trabalharam em Cremona. De Sofonisba, Vasari escreveu: “Eu vi na casa de seu pai um quadro feito pela mão dela com grande diligência mostrando suas três irmãs jogando xadrez, e com elas uma velha empregada doméstica, com tanta diligência e atenção que elas realmente parecem estar vivas e sem nada a não ser o poder da fala”. Escreveu ainda que ela “mostrou maior aplicação e melhor graça do que qualquer outra mulher da nossa idade nos seus esforços para desenhar; assim ela conseguiu não só desenhar, colorir e pintar a partir da natureza, copiar excelentemente dos outros, mas por si mesma criou pinturas raras e muito bonitas”. O elogio de Vasari às artistas femininas é tingido com um nível de misoginia, claro (parece quase surpreso que ela, como mulher, pudesse criar suas próprias pinturas “raras e muito belas”). Mas ele reconheceu o talento dela.
A família Anguissola era aristocracia cremona, o que pode ser inferido pelo fato de que eles tinham tempo para estudar pintura e jogar xadrez. Seu pai, Amilcare Anguissola, não era um artista, ao contrário da maioria dos artistas pré-modernos. Era antes um pai rico e amoroso que dava às suas filhas uma educação brilhante e encorajava as suas capacidades nas artes sem se preocupar com a sua capacidade matrimonial – um luxo que a sua riqueza e nobreza permitiam. Sofonisba viajava para Roma para conhecer Miguel Ângelo, e mais tarde tornou-se pintor da corte do Rei Filipe II de Espanha. Ela viveu uma vida longa e rica, incluindo o booting de seu primeiro marido para casar com um capitão do mar, com quem ela permaneceu por 40 anos. Aos 92 anos de idade, ela sentou-se para um retrato do jovem Antony Van Dyck durante a sua estadia em Génova.
Sofonisba é mencionado no relato de Vasari sobre uma outra mulher artista, Properzia de’ Rossi de Bolonha (perdoe a misoginia de Vasari, se quiser – foi bastante feminista da sua parte para incluir artistas femininas na sua história): “Nem se envergonharam de colocar as suas ternas mãos brancas em coisas mecânicas, e entre a rudeza do mármore e a aspereza do ferro para seguir os seus desejos e trazer fama a si mesmas, como fez a nossa Properzia de’ Rossi, uma jovem mulher talentosa não só em assuntos domésticos, mas em infinitas formas de conhecimento que são a inveja tanto de homens como de mulheres.”
Properzia tinha uma especialidade francamente estranha, mas notável: ela podia esculpir pequenas figuras em pêssegos. Uma das obras mais intrincadas de Properzia envolvia esculpir “toda a Paixão de Cristo, trabalhada na mais bela escultura, com um vasto número de figuras, além dos Apóstolos e dos ministros da Crucificação”. Properzia’s Passion Pit daria um grande nome a um clube nocturno de artistas femininos.
Mas porquê, exactamente, existiam tão poucas artistas femininas antes do século XX? Há uma razão óbvia, e uma razão um pouco menos. A primeira é que as mulheres se dedicavam apenas a um número limitado de profissões até a Revolução Industrial, e realmente até o século 20. O artesanato, como a pintura e a escultura, era quase exclusivamente um trabalho de homem, por nenhuma razão particularmente boa, a não ser o costume. As mulheres do Renascimento eram geralmente freiras, esposas e mães, prostitutas, ou tinham outros cargos muito ocasionais (enfermeiras, empregadas domésticas, damas de companhia, lavadeiras, costureiras, etc.)
A razão menos óbvia tem a ver com o sistema de ateliê, que estava no lugar e prevaleceu entre os artistas até a Revolução Industrial, e em alguns casos além. A maioria dos artistas ao longo da história treina como aprendizes, muitas vezes a partir dos 8 anos de idade, vivendo e trabalhando com um mestre. Com 16 ou 18 anos, foi-lhes dada a opção de permanecer como assistente pago, ou de se destacarem por conta própria, para formar o seu próprio estúdio. Para começar o seu próprio estúdio, um jovem aspirante tinha de submeter uma “obra-prima” ao ramo local do grémio de pintores, uma espécie de proto-união que controlava a qualidade e a quantidade de artistas em actividade na sua região (normalmente chamada de Grémio de São Lucas, que era padroeiro dos pintores). Esta é a definição própria de “obra-prima”: a obra pela qual um artista é julgado, a fim de determinar se ele é suficientemente bom para se tornar um “mestre” e abrir seu próprio estúdio.
Aprendizes e assistentes, vivendo e trabalhando juntos 24 horas por dia, podem ser embaraçosos e não propícios ao trabalho se a situação que nós co-organizamos, considerando os hormônios raivosos de jovens de 12-16-anos. Portanto, a menos que uma jovem mulher fosse suficientemente rica para ter um tutor de arte contratado, ou a menos que estivesse na família de um artista trabalhador, ela não teria a oportunidade de praticar arte. Até o século XIX, quando os materiais dos artistas começaram a ser produzidos em fábrica, os pigmentos, telas e painéis eram caros, muitas vezes proibitivamente, a menos que fossem comprados como parte de uma comissão paga. Assim, não havia tradição de fazer arte apenas por diversão, devido ao custo envolvido. Portanto, não é surpreendente que houvesse relativamente poucas artistas de renome antes da era moderna, quando o campo da arte, como a maioria das profissões, se abriu com um nível de igualdade sempre crescente.
Studios ainda existem (considere Damien Hirst e Jeff Koons hoje, os dois artistas mais vendidos da história, que projetam e supervisionam a criação de suas obras de arte, mas na verdade não as fazem eles mesmos, sua equipe de assistentes fazendo a maior parte do trabalho prático). Mas o velho sistema corporativo dissolveu-se com a Revolução Industrial, e a arte não está mais presa a um ou outro gênero.
É talvez irônico, mas justo, que a grande maioria dos historiadores de arte sejam mulheres. Embora as mulheres artistas de épocas passadas fossem poucas, as mulheres lideram o estudo da arte por uma enorme margem, agora, e superam em número os homens nas grandes casas de leilões (embora nem sempre no topo). Assim, talvez no futuro, vamos aprender ainda mais sobre as mulheres artistas do passado.
Esta é a última novidade da nova série Secretos e Símbolos da Observer Arts, do autor e historiador de arte Noah Charney. O seu próximo livro é sobre Giorgio Vasari e a sua influência, e será publicado por Norton no próximo Outono.