Femeile artiste uitate ale Renașterii și bărbatul care le-a susținut

Istoria artei poate suna ca o petrecere cu cârnați. Unde sunt toate doamnele? Sunt în picturi, bineînțeles, fie ca o versiune idealizată a lor (în portrete formale), ca obiecte de dorință (nuduri), ca obiecte de venerație (Fecioara Maria), ca obiecte de interes sado-masochist, religios (martirajele sfintelor), ca zeițe din vechime (Venus sau Diana), sau ca ținte sexuale ale zeilor din vechime (ilustrații din Metamorfozele lui Ovidiu). Dar ce se întâmplă de cealaltă parte a pânzei? Opriți aproape pe oricine pe stradă și rugați-l să numească o mare artistă, și sunt șanse să vă dea un nume modern, Marina Abramovic sau Tracey Emin, poate. Dar ar putea numi pe cineva care a trăit înainte de Primul Război Mondial?

Am întrebat câțiva colegi istorici de artă, și chiar și ei au dificultăți în a veni cu mai mult de o mână de nume (și au recunoscut, de asemenea, că își amintesc numele, dar nu au văzut lucrări ale artiștilor). Din fericire, există câteva expoziții majore care au adus în prim-plan, în ultima vreme, femei artiste premoderne.

Newyorkezii vor fi avut norocul de a participa la expoziția Vigée Le Brun de anul trecut: Femeia artistă în Franța revoluționară la Metropolitan Museum of Art. Dar cel mai mare nume, și poate singura femeie artistă renascentistă de care ați auzit, este prezentă în prezent într-o expoziție de succes la Roma: Artemisia Gentileschi e il suo tempo la Museo di Roma la Palazzo Braschi.

Artemisia Gentileschi (1593-1656) este faimoasă, dar mai ales din motive greșite. A ei este o poveste lirică de sex și violență – o tragedie de răzbunare bacoviană din viața reală, care prea adesea îi umbrește picturile. Copilul cel mare al unui pictor celebru, Orazio Gentileschi, a strălucit imediat ca principalul talent al familiei, lucrând în atelierul tatălui său alături de frații săi. Deoarece tatăl ei, la fel ca mulți artiști stabiliți la Roma la începutul anilor 1600, a fost impresionat de opera lui Caravaggio – pânzele sale dramatice, realiste, violente, dinamice, luminate de pete, despre care se vorbea la Roma și care nu semănau cu nicio lucrare de dinaintea lor – și ea a preluat acest stil și poate fi considerată a doua generație de „Caravaggisti”.”

Stilul lui Caravaggio era atât de nou și de popular încât artiștii s-au înghesuit să-l imite – chiar și cei formați în stilul academic rival, mai bine stabilit, promovat de Academia Carracci din Bologna – lucru pe care el nu-l putea tolera. I-a dat în judecată sau a amenințat și a recurs la violență împotriva celor care îi imitau stilul (sau care îi găteau prea mult anghinarele, așa cum a descoperit un chelner nefericit). Cu toate acestea, dintre toți imitatorii, doar doi (cel puțin în mintea mea) se disting ca fiind cei care l-au egalat sau depășit pe Caravaggio însuși. Deși este o opinie subiectivă (dar împărtășită de mulți), cred că Artemisia a fost la nivelul lui Caravaggio, poate un A față de A+ al lui (prefer Judith decapitându-l pe Holofernes al ei față de al lui, deoarece pare mai mult o fantezie de răzbunare prin castrare, ceea ce este, desigur, ceea ce este vorba în această poveste biblică). Și singurul artist care l-a depășit a fost, fără îndoială, mult subestimatul Ribera.

În timp ce povestea vieții lui Caravaggio este una de crimă și haos, cea a Artemisei este la fel de întunecată. Mama ei a murit când avea 12 ani, iar ea a fost victima geloziei pentru abilitățile sale remarcabile, fiind adesea acuzată că a fost ajutată de tatăl sau de frații ei. Dar momentul definitoriu al carierei sale a fost, din păcate, unul teribil. Un pictor pe nume Agostino Tassi, angajat de tatăl ei pentru a o medita, a violat-o, împreună cu un alt agresor, Cosimo Quorlis. Un prieten al Artemisei, un chiriaș al familiei pe nume Tuzi, i-a auzit strigătele de ajutor, dar le-a ignorat.

Dar povestea s-a complicat și mai mult. Dacă Tassi, care era deja căsătorit, s-ar fi căsătorit cu Artemisia, atunci fata ar fi putut fi salvată (nu uitați că eram în secolul al XVII-lea). Și-au continuat relațiile sexuale, Tassi înșirând-o pe Artemisia cu așteptarea căsătoriei. Tatăl ei, Orazio, știa despre acest lucru, dar a păstrat tăcerea, pentru a păstra onoarea familiei. Asta până când a devenit clar că nu va avea loc nicio căsătorie. În acel moment, Orazio l-a dat în judecată pe Tassi, iar un proces care a stârnit un interes intens avea să se întindă pe parcursul a șapte luni.

Procesul a fost un spectacol de groază, atât la propriu, cât și în ceea ce privește poveștile pe care le-a stârnit la suprafață. Tassi, s-a aflat, făcuse planuri de a-și ucide soția și avusese și alți amanți în timp ce își continua relația cu Artemisia. Într-o practică extrem de perversă, Artemisia a fost torturată pentru a-și verifica mărturia – presupunându-se că va rezista torturii în numele adevărului sau va recunoaște că a mințit pentru a scăpa de ea. Din cauza legilor vremii, familia Gentileschi nu avea nici un caz dacă nu puteau dovedi că Tassi îi luase virginitatea Artemisei, ceea ce echivala cu ruinarea financiară a familiei Gentileschi, prin faptul că o făcea pe fiica potențială purtătoare de zestre nemăritată.

Procesul s-a încheiat cel puțin nesatisfăcător. Tassi a fost condamnat la un an de închisoare, dar nu a executat nici măcar o zi. Dar povestea Artemisei s-a îmbunătățit din acel punct întunecat încolo. La doar o lună după proces, Orazio a aranjat o căsătorie aranjată pentru fiica sa, care avea să se dovedească a fi una fructuoasă. Aceasta s-a mutat la Florența împreună cu noul ei soț, Pierantonio Stiattesi, un artist de puțin renume, dar o figură de susținere. Au avut o fiică, iar cariera Artemisei a înflorit, ieșită din umbra Romei și a familiei sale. A primit comenzi de la familia Medici din Florența și de la Carol I al Angliei. S-a împrietenit cu Galileo și a fost prima femeie admisă în Accademia delle Arte del Disegno din Florența, care fusese fondată în 1563 la instigarea artistului, arhitectului și istoricului renascentist Giorgio Vasari.

Dacă nu ar fi fost Vasari, am fi putut pierde urma celor foarte puține femei artiste ale Renașterii. Vasari este cunoscut mai ales pentru că a scris o biografie de grup a artiștilor, cu ediții în 1550 și 1568, intitulată Viețile celor mai eminenți pictori, sculptori și arhitecți. Aceasta este considerată prima adevărată lucrare de istorie a artei, iar opiniile sale despre artă influențează în mare măsură modul în care considerăm arta până în prezent. Deși Vasari a trăit cu o generație înainte de Artemisia, datorită lui cunoaștem câteva femei artiste minunate ale Renașterii.

Sofonisba Anguissola, și cele trei surori ale sale, Lucia, Minerva și Europa, au trăit și au lucrat în Cremona. Despre Sofonisba, Vasari a scris: „Am văzut în casa tatălui ei un tablou realizat de mâna ei cu mare sârguință, care arată pe cele trei surori ale ei jucând șah și, împreună cu ele, o bătrână menajeră, cu atâta sârguință și atenție, încât par cu adevărat vii și nu le lipsește decât puterea de a vorbi”. El a continuat să scrie că ea „a dat dovadă de o mai mare aplicație și de o mai bună grație decât orice altă femeie din epoca noastră în încercările ei de a desena; astfel, ea a reușit nu numai să deseneze, să coloreze și să picteze după natură, să copieze excelent de la alții, dar prin ea însăși a creat tablouri rare și foarte frumoase.” Elogiul lui Vasari la adresa femeilor artiste este nuanțat de un nivel de misoginism, sigur (el pare aproape surprins că ea, ca femeie, ar putea crea propriile picturi „rare și foarte frumoase”). Dar el i-a recunoscut talentul.

Familia Anguissola făcea parte din aristocrația cremoneză, ceea ce se poate deduce din faptul că aveau timp să studieze pictura și să joace șah deloc. Tatăl lor, Amilcare Anguissola, nu era un artist, spre deosebire de cazul majorității artiștilor premoderni. A fost mai degrabă un tată bogat și iubitor, care le-a oferit fiicelor sale o educație strălucită și le-a încurajat abilitățile în domeniul artelor, fără să se preocupe de posibilitatea lor de a se căsători – un lux pe care i-l permiteau bogăția și nobilimea. Sofonisba avea să călătorească la Roma pentru a-l întâlni pe Michelangelo, iar mai târziu a devenit pictor la curtea regelui Filip al II-lea al Spaniei. A trăit o viață lungă și bogată, inclusiv renunțând la primul ei soț pentru a se căsători cu un căpitan de vas, cu care a rămas timp de 40 de ani. La vârsta de 92 de ani, a stat pentru un portret realizat de tânărul Antony Van Dyck în timpul șederii acestuia la Genova.

Sofonisba este menționată în relatarea lui Vasari despre o altă femeie artistă, Properzia de’ Rossi din Bologna (iertați-i lui Vasari misoginismul său, dacă vreți – a fost destul de feminist din partea lui să includă femei artiste în istoria sa deloc): „Nici nu le-a fost rușine să-și pună mâinile lor albe și fragede pe lucruri mecanice și, printre grosolăniile marmurei și asperitățile fierului, să-și urmeze dorințele și să-și aducă faima, așa cum a făcut-o Properzia noastră de’ Rossi, o tânără talentată nu numai în chestiuni casnice, ci și în infinite forme de cunoaștere care sunt invidiate atât de bărbați, cât și de femei.”

Properzia avea o specialitate sincer ciudată, dar remarcabilă: putea sculpta figuri mici în sâmburi de piersici. Una dintre cele mai complicate lucrări ale Properziei a constat în sculptarea „întregii Patimile lui Hristos, lucrată în cea mai frumoasă sculptură, cu un număr mare de figuri în afară de apostoli și slujitorii Răstignirii”. Groapa Patimilor a lui Properzia ar fi un nume grozav pentru un club de noapte al unei femei artist.

Dar de ce, mai exact, au existat atât de puține femei artiste înainte de secolul XX? Există un motiv evident și un motiv ceva mai puțin evident. Primul este că femeile s-au angajat doar într-un număr limitat de profesii până la Revoluția Industrială, și chiar până în secolul XX. Meșteșugurile, cum ar fi pictura și sculptura, erau o meserie aproape exclusiv bărbătească, fără un motiv deosebit de bun, în afară de obiceiuri. Femeile din Renaștere erau de obicei călugărițe, soții și mame, prostituate sau aveau foarte ocazional alte poziții (infirmiere, cameriste, doamne de onoare, spălătorese, croitorese etc.)

Motivul mai puțin evident are legătură cu sistemul de atelier, care a fost în vigoare și prevalent în rândul artiștilor până la Revoluția Industrială și, în unele cazuri, dincolo de aceasta. Majoritatea artiștilor de-a lungul istoriei se formează ca ucenici, adesea începând încă de la vârsta de 8 ani, trăind și lucrând cu un maestru. La vârsta de 16 sau 18 ani, li se oferea opțiunea de a rămâne ca asistent plătit sau de a porni pe cont propriu, pentru a-și forma propriul atelier. Pentru a-și deschide propriul atelier, tânărul aspirant trebuia să prezinte o „capodoperă” filialei locale a breslei pictorilor, un fel de proto-sindicat care controla calitatea și cantitatea de artiști care lucrau în regiunea lor (numită de obicei breasla Sfântului Luca, care era patronul pictorilor). Aceasta este definiția corectă a „capodoperei”: singura lucrare după care un artist este judecat, pentru a determina dacă este suficient de bun pentru a deveni „maestru” și a-și deschide propriul atelier.

Agenții și asistenții, care locuiesc și lucrează împreună 24 de ore pe zi, ar putea fi incomod și nu ar favoriza munca dacă situația ar fi mixtă, având în vedere hormonii furioși ai copiilor de 12-16 ani. Așadar, dacă o tânără nu era suficient de bogată pentru a avea un tutore de artă angajat sau dacă nu făcea parte din familia unui artist în activitate, nu ar fi avut șansa de a practica arta. Până în secolul al XIX-lea, când materialele pentru artiști au început să fie produse în fabrică, pigmenții, pânzele și panourile erau scumpe, adesea prohibitive, cu excepția cazului în care erau achiziționate ca parte a unei comenzi plătite. Astfel, nu a existat o tradiție de a face artă doar pentru distracție, din cauza costurilor implicate. Prin urmare, nu este surprinzător faptul că ar trebui să existe relativ puține artiste de renume înainte de epoca modernă, când domeniul artei, la fel ca majoritatea profesiilor, s-a deschis cu un nivel de egalitate din ce în ce mai mare.

Studiourile încă mai există (gândiți-vă la Damien Hirst și Jeff Koons în prezent, cei doi artiști cu cele mai mari vânzări din istorie, care proiectează și supraveghează crearea operelor lor de artă, dar nu le realizează ei înșiși, echipa lor de asistenți făcând cea mai mare parte a muncii practice). Dar vechiul sistem de breaslă s-a dizolvat odată cu Revoluția Industrială, iar arta nu mai este blocată la un gen sau altul.

Este poate ironic, dar corect, că marea majoritate a istoricilor de artă sunt femei. Deși femeile artiste din epocile trecute erau foarte puține, femeile conduc studiul artei cu o marjă uriașă, acum, și sunt mai numeroase decât bărbații în marile case de licitații (deși nu întotdeauna la vârf). Așadar, poate că, în viitor, vom afla și mai multe despre femeile artiste din trecut.

Aceasta este cea mai recentă apariție din noua serie Observer Arts, Secretele și simbolurile, realizată de autorul și istoricul de artă Noah Charney. Următoarea sa carte este despre Giorgio Vasari și influența sa, și va fi publicată de Norton în toamna anului viitor.

>.