Die vergessenen Künstlerinnen der Renaissance und der Mann, der sie gefördert hat

Die Geschichte der Kunst kann wie eine Wurstparty klingen. Wo sind all die Frauen? Natürlich sind sie auf den Gemälden zu sehen, sei es als idealisierte Version ihrer selbst (in formellen Porträts), als Objekte der Begierde (Akte), als Objekte der Verehrung (die Jungfrau Maria), als Objekte des sadomasochistischen, religiösen Interesses (Martyrien weiblicher Heiliger), als Göttinnen der Antike (Venus oder Diana) oder als sexuelle Ziele der Götter der Antike (Illustrationen aus Ovids Metamorphosen). Aber wie sieht es auf der anderen Seite der Leinwand aus? Wenn man jemanden auf der Straße nach einer großen Künstlerin fragt, wird er wahrscheinlich einen modernen Namen nennen, vielleicht Marina Abramovic oder Tracey Emin. Aber können sie jemanden nennen, der vor dem Ersten Weltkrieg gelebt hat?

Ich habe einige Kunsthistoriker-Kollegen gefragt, und selbst sie haben Schwierigkeiten, mehr als eine Handvoll Namen zu nennen (und sie gaben auch zu, dass sie sich an die Namen erinnern, aber die Werke der Künstler nicht gesehen haben). Zum Glück gibt es einige große Ausstellungen, die in letzter Zeit Künstlerinnen der Vormoderne in den Vordergrund gerückt haben.

New Yorker werden das Glück gehabt haben, im letzten Jahr die Ausstellung Vigée Le Brun: Woman Artist in Revolutionary France im Metropolitan Museum of Art. Aber der größte Name und vielleicht die einzige weibliche Künstlerin der Renaissance, von der Sie vielleicht schon gehört haben, ist derzeit in einer großen Ausstellung in Rom zu sehen: Artemisia Gentileschi e il suo tempo im Museo di Roma im Palazzo Braschi.

Artemisia Gentileschi (1593-1656) ist berühmt, aber meist aus den falschen Gründen. Ihre Geschichte ist eine Operngeschichte voller Sex und Gewalt – eine jakobinische Rachetragödie aus dem wirklichen Leben, die allzu oft ihre Gemälde überschattet. Als ältestes Kind eines berühmten Malers, Orazio Gentileschi, glänzte sie sofort als das führende Talent der Familie und arbeitete im Atelier ihres Vaters neben ihren Brüdern. Da ihr Vater, wie so viele Künstler in Rom zu Beginn des 16. Jahrhunderts, von den Werken Caravaggios begeistert war – seine dramatischen, realistischen, gewalttätigen, dynamischen, von Scheinwerfern beleuchteten Gemälde waren das Gesprächsthema in Rom und glichen keinem Werk, das vor ihnen entstanden war -, nahm auch sie diesen Stil auf und kann als zweite Generation der „Caravaggisti“ betrachtet werden.“

Caravaggios Stil war so neu und populär, dass Künstler in Scharen kamen, um ihn zu imitieren – sogar solche, die im rivalisierenden, etablierteren akademischen Stil ausgebildet waren, der von der Carracci-Akademie in Bologna gefördert wurde – was er nicht dulden konnte. Er verklagte oder drohte und verübte Gewalt gegen Leute, die seinen Stil nachahmten (oder seine Artischocken verkochten, wie ein unglücklicher Kellner herausfand). Doch von allen Nachahmern gibt es nur zwei, die (zumindest meiner Meinung nach) Caravaggio gleichkommen oder ihn übertreffen. Obwohl es eine subjektive Meinung ist (die aber von vielen geteilt wird), denke ich, dass Artemisia auf Caravaggios Niveau war, vielleicht ein A zu seinem A+ (ich bevorzuge ihre Judith, die Holofernes enthauptet, gegenüber seiner, da es sich eher wie eine Kastrations-Rache-Fantasie anfühlt, worum es in dieser biblischen Geschichte ja geht). Und der einzige Künstler, der ihn übertraf, war wohl der weit unterschätzte Ribera.

Während Caravaggios Lebensgeschichte von Mord und Chaos geprägt ist, ist die von Artemisia ähnlich dunkel. Ihre Mutter starb, als sie zwölf Jahre alt war, und sie war das Opfer von Eifersucht wegen ihrer bemerkenswerten Fähigkeiten, wobei sie oft beschuldigt wurde, von ihrem Vater oder ihren Brüdern unterstützt worden zu sein. Aber der entscheidende Moment ihrer Karriere war leider ein schrecklicher. Ein Maler namens Agostino Tassi, der von ihrem Vater als ihr Lehrer angestellt wurde, vergewaltigte sie zusammen mit einem anderen Angreifer, Cosimo Quorlis. Ein Freund von Artemisia, ein Mieter der Familie namens Tuzi, hörte ihre Hilfeschreie, ignorierte sie aber.

Aber die Geschichte wurde noch komplizierter. Wenn Tassi, der bereits verheiratet war, Artemisia heiraten würde, könnte das Gesicht gerettet werden (man bedenke, dass dies das 17. Jahrhundert war). Sie setzten ihre sexuellen Beziehungen fort, wobei Tassi Artemisia mit der Erwartung einer Heirat hinhielt. Ihr Vater, Orazio, wusste davon, schwieg aber, um die Familienehre zu wahren. Das heißt, bis klar wurde, dass es keine Heirat geben würde. Daraufhin verklagte Orazio Tassi, und der Prozess zog sich über sieben Monate hin.

Der Prozess war ein Horrorspektakel, sowohl buchstäblich als auch in Bezug auf die Geschichten, die er an die Oberfläche brachte. Es stellte sich heraus, dass Tassi den Mord an seiner Frau geplant hatte und während seiner Beziehung mit Artemisia andere Liebhaber hatte. In einer äußerst perversen Praxis wurde Artemisia gefoltert, um ihre Aussage zu bestätigen – in der Annahme, dass sie der Folter im Namen der Wahrheit standhalten oder zugeben würde, zu lügen, um ihr zu entgehen. Aufgrund der damaligen Gesetze hatten die Gentileschi keine Chance, es sei denn, sie konnten beweisen, dass Tassi Artemisia die Jungfräulichkeit genommen hatte, was gleichbedeutend mit dem finanziellen Ruin der Familie Gentileschi war, da die potenziell mitgifttragende Tochter unverheiratet blieb.

Der Prozess endete, gelinde gesagt, unbefriedigend. Tassi wurde zu einem Jahr Gefängnis verurteilt, verbüßte aber keinen einzigen Tag. Aber Artemisias Geschichte verbesserte sich von diesem dunklen Punkt an. Nur einen Monat nach dem Prozess arrangierte Orazio eine Ehe für seine Tochter, die sich als fruchtbar erweisen sollte. Sie zog mit ihrem neuen Ehemann, Pierantonio Stiattesi, einem wenig bekannten, aber hilfsbereiten Künstler, nach Florenz. Sie bekamen eine Tochter, und Artemisias Karriere blühte auf, da sie nun nicht mehr im Schatten Roms und ihrer Familie stand. Sie erhielt Aufträge von den Medici in Florenz und von Karl I. von England. Sie befreundete sich mit Galilei und war die erste Frau, die in die Accademia delle Arte del Disegno in Florenz aufgenommen wurde, die 1563 auf Betreiben des Renaissance-Künstlers, Architekten und Historikers Giorgio Vasari gegründet worden war.

Wenn Vasari nicht gewesen wäre, hätten wir die wenigen weiblichen Künstler der Renaissance vielleicht aus den Augen verloren. Vasari ist vor allem dafür bekannt, dass er eine Gruppenbiografie von Künstlern geschrieben hat, die 1550 und 1568 unter dem Titel „Leben der bedeutendsten Maler, Bildhauer und Architekten“ erschienen ist. Dieses Werk gilt als das erste wirkliche Werk der Kunstgeschichte, und seine Ansichten über die Kunst prägen weitgehend die Art und Weise, wie wir Kunst bis zum heutigen Tag betrachten. Obwohl Vasari eine Generation vor Artemisia lebte, ist es ihm zu verdanken, dass wir einige wunderbare Künstlerinnen der Renaissance kennen.

Sofonisba Anguissola und ihre drei Schwestern Lucia, Minerva und Europa lebten und arbeiteten in Cremona. Über Sofonisba schrieb Vasari: „Ich sah im Haus ihres Vaters ein von ihrer Hand mit großer Sorgfalt angefertigtes Gemälde, das ihre drei Schwestern beim Schachspiel zeigt, und mit ihnen ein altes Hausmädchen, und zwar mit solcher Sorgfalt und Aufmerksamkeit, dass sie wirklich lebendig zu sein scheinen und ihnen nichts fehlt als die Kraft der Sprache.“ Er schreibt weiter, dass sie „in ihren Bemühungen um das Zeichnen mehr Fleiß und bessere Anmut als jede andere Frau unseres Zeitalters gezeigt hat; so ist es ihr nicht nur gelungen, nach der Natur zu zeichnen, zu kolorieren und zu malen, vorzüglich von anderen zu kopieren, sondern sie hat selbst seltene und sehr schöne Gemälde geschaffen.“ Vasaris Lob für weibliche Künstler ist natürlich mit einer gewissen Misogynie behaftet (er klingt fast überrascht, dass sie als Frau ihre eigenen „seltenen und sehr schönen“ Gemälde schaffen konnte). Aber er erkannte ihr Talent an.

Die Familie Anguissola gehörte dem Cremoneser Adel an, was sich aus der Tatsache ableiten lässt, dass sie überhaupt Zeit hatte, Malerei zu studieren und Schach zu spielen. Ihr Vater, Amilcare Anguissola, war kein Künstler, wie es bei den meisten vormodernen Künstlern der Fall war. Vielmehr war er ein wohlhabender, liebevoller Vater, der seinen Töchtern eine brillante Ausbildung ermöglichte und ihre Fähigkeiten in der Kunst förderte, ohne sich um ihre Heiratsfähigkeit zu sorgen – ein Luxus, den ihr Reichtum und ihr Adel erlaubten. Sofonisba reiste nach Rom, um Michelangelo zu treffen, und wurde später Hofmalerin von König Philipp II. von Spanien. Sie lebte ein langes, reiches Leben und verließ ihren ersten Ehemann, um einen Schiffskapitän zu heiraten, mit dem sie 40 Jahre lang zusammen blieb. Im Alter von 92 Jahren saß sie für ein Porträt des jungen Antonius Van Dyck während seines Aufenthalts in Genua Modell.

Sofonisba wird in Vasaris Bericht über eine andere Künstlerin, Properzia de‘ Rossi aus Bologna, erwähnt (verzeihen Sie Vasari seine Frauenfeindlichkeit, wenn Sie so wollen – es war ziemlich feministisch von ihm, Künstlerinnen überhaupt in seine Geschichte aufzunehmen): „Sie haben sich auch nicht geschämt, ihre zarten weißen Hände an mechanische Dinge zu legen und inmitten der Grobheit des Marmors und der Rauheit des Eisens ihren Begierden zu folgen und sich Ruhm zu verschaffen, wie unsere Properzia de‘ Rossi, eine junge Frau, die nicht nur in Haushaltsangelegenheiten begabt war, sondern auch in unendlichen Formen des Wissens, um die sie Männer wie Frauen beneiden.“

Properzia hatte eine offen gesagt seltsame, aber bemerkenswerte Spezialität: Sie konnte winzige Figuren in Pfirsichkerne schnitzen. Eines von Properzias kompliziertesten Werken bestand darin, „die ganze Passion Christi zu schnitzen, in schönster Schnitzarbeit, mit einer großen Anzahl von Figuren außer den Aposteln und den Dienern der Kreuzigung.“ Properzia’s Passion Pit wäre ein toller Name für einen Nachtclub für Künstlerinnen.

Aber warum genau gab es vor dem 20. Dafür gibt es einen offensichtlichen und einen weniger offensichtlichen Grund. Der erste ist, dass Frauen bis zur industriellen Revolution und bis ins 20. Jahrhundert hinein nur eine begrenzte Anzahl von Berufen ausübten. Jahrhundert. Handwerkliche Berufe wie Malerei und Bildhauerei waren fast ausschließlich Männersache, und zwar aus keinem besonders guten Grund außer der Sitte. Die Frauen der Renaissance waren in der Regel Nonnen, Ehefrauen und Mütter, Prostituierte oder hatten gelegentlich andere Positionen inne (Krankenschwestern, Dienstmädchen, Kellnerinnen, Wäscherinnen, Näherinnen usw.)

Der weniger offensichtliche Grund hat mit dem Ateliersystem zu tun, das unter Künstlern bis zur industriellen Revolution und in einigen Fällen auch darüber hinaus vorherrschte. Die meisten Künstler wurden in der Geschichte als Lehrlinge ausgebildet, oft schon im Alter von 8 Jahren, und lebten und arbeiteten bei einem Meister. Im Alter von 16 oder 18 Jahren hatten sie die Möglichkeit, als bezahlte Assistenten zu arbeiten oder sich selbständig zu machen und ein eigenes Atelier zu gründen. Um ein eigenes Atelier gründen zu können, musste der junge Anwärter ein „Meisterwerk“ bei der örtlichen Niederlassung der Malergilde einreichen, einer Art Proto-Gewerkschaft, die die Qualität und Quantität der in ihrer Region arbeitenden Künstler kontrollierte (üblicherweise die Gilde des Heiligen Lukas, des Schutzpatrons der Maler). Dies ist die eigentliche Definition von „Meisterwerk“: das eine Werk, nach dem ein Künstler beurteilt wird, um festzustellen, ob er gut genug ist, um ein „Meister“ zu werden und ein eigenes Atelier zu eröffnen.

Lehrlinge und Assistenten, die 24 Stunden am Tag zusammen leben und arbeiten, könnten unangenehm sein und der Arbeit nicht förderlich, wenn es sich um eine gemischte Gruppe handelt, wenn man an die rasenden Hormone von 12-16-Jährigen denkt. Wenn eine junge Frau nicht wohlhabend genug war, um einen angestellten Kunstlehrer zu haben, oder wenn sie nicht aus der Familie eines Künstlers stammte, hatte sie keine Möglichkeit, Kunst zu praktizieren. Bis zum 19. Jahrhundert, als man begann, Künstlermaterialien fabrikmäßig herzustellen, waren Pigmente, Leinwände und Tafeln teuer, oft unerschwinglich, es sei denn, sie wurden im Rahmen eines bezahlten Auftrags erworben. Es gab also keine Tradition, Kunst nur zum Spaß zu machen, da dies zu teuer war. So ist es nicht verwunderlich, dass es vor der Moderne, als sich der Bereich der Kunst, wie die meisten Berufe, mit zunehmender Gleichberechtigung öffnete, relativ wenige bekannte Künstlerinnen gab.

Studios gibt es immer noch (man denke nur an Damien Hirst und Jeff Koons, die beiden meistverkauften Künstler der Geschichte, die ihre Kunstwerke entwerfen und beaufsichtigen, sie aber nicht selbst herstellen, sondern deren Team von Assistenten die meiste praktische Arbeit leistet). Aber das alte Zunftwesen löste sich mit der industriellen Revolution auf, und die Kunst ist nicht mehr an das eine oder andere Geschlecht gebunden.

Es ist vielleicht ironisch, aber gerecht, dass die große Mehrheit der Kunsthistoriker Frauen sind. Obwohl es in früheren Epochen nur sehr wenige Künstlerinnen gab, sind Frauen heute in der Kunstwissenschaft führend und in den großen Auktionshäusern in der Überzahl (wenn auch nicht immer in den Spitzenpositionen). Vielleicht werden wir also in Zukunft noch mehr über die Künstlerinnen der Vergangenheit erfahren.

Dies ist das neueste Buch in der neuen Reihe „Secrets and Symbols“ des Autors und Kunsthistorikers Noah Charney bei Observer Arts. Sein nächstes Buch handelt von Giorgio Vasari und seinem Einfluss und wird im kommenden Herbst bei Norton erscheinen.