Janet Rickus wnosi bardzo współczesne spojrzenie i wyczucie do czcigodnego gatunku.
By John A. Parks
W rękach Janet Rickus, martwe natury stają się stylowe, współczesne i elektryczne. Wiele z przedmiotów i rekwizytów, z którymi pracuje – owoce, warzywa, ceramika – są podstawowymi elementami tego gatunku od wieków. Rickus znajduje jednak nowe, zaskakujące sposoby pozowania i układania tradycyjnych elementów. Dodaje też ciekawostki, nowoczesny nadruk na tkaninie lub niezwykły kawałek ceramiki, który sygnalizuje coś wyraźnie współczesnego. To poczucie jest wzmocnione przez ogólny wygląd obrazów; istnieje wyraźna klarowność, w której każdy obiekt jest w pełni zrealizowany w krystalicznym, chłodnym świetle dnia.
Przedmioty jako metafory
Poza elegancją ich kompozycji, obrazy Rickusa niosą ze sobą wiele warstw znaczenia; często mają głęboko odczuwalne znaczenie dla artysty. „Martwe natury mają życie” – mówi – „związek z ludźmi i naturą, który uwielbiam. To nie jest dla mnie zwykłe malowanie przedmiotów. Owoce i warzywa, piękne same w sobie i często o sugestywnych kształtach, pozwalają mi wnieść do obrazów obserwacje życia. Ceramika, nowa lub stara, z jej dekoracyjnymi lub użytkowymi funkcjami, wnosi swoją własną historię i związek z życiem, które za nią stoi.”
Rickus wyraża szacunek dla malowanych przez siebie przedmiotów w niezwykły sposób: maluje wszystko w rzeczywistych rozmiarach. Gourds, jabłka, dzbany, miski i tkaniny są starannie mierzone i rysowane jeden do jednego. „Nie jestem do końca pewna, jak do tego doszło” – mówi artystka. „Ale czuję, że aby reprezentować przedmioty, muszę pokazać je takimi, jakimi są naprawdę. Gdyby były mniejsze, to nie byłyby to naprawdę one”. Identyfikacja artystki ze swoimi obiektami oznacza również, że nigdy nie okalecza ich w żaden sposób. „Nigdy nie przetnę kawałka owocu ani nie pokroję czegoś w plasterki” – mówi. „Po prostu nie mogę tego zrobić.”
Kompozycje relacyjne
To poczucie, że obiekty w martwej naturze odgrywają niemal ludzkie role, wpływa na sposób, w jaki Rickus organizuje swoje kompozycje. W Prawie (powyżej), na przykład, dwa melony nie do końca się stykają, sygnalizując coś na kształt międzyludzkiego napięcia. Inny, bardzo ludzki dramat rozgrywa się w pracy Being Green (poniżej). Zielony ceramiczny ptak umieszczony jest wśród grupy naturalnie zielonych owoców. „Myślę, że ten obraz jest o próbie dopasowania się” – mówi artystka. „Jest humorystyczny, ale jest również o rodzajach rzeczy, które ludzie robią.”
W rzeczywistości, Rickus mówi, że często czerpie swoje pomysły od swoich bliźnich. „Sposób, w jaki rzeczy dotykają się, nakładają i pochylają w moich obrazach jest czymś, co dostaję od sposobu, w jaki ludzie się odnoszą”, mówi. „Nie wiem, co innego mogłabym zrobić i myślę, że to jest sposób, w jaki widzowie odnoszą się do obrazów. Nawet jeśli celowo nie ustawiam ludzkiej sytuacji, ludzie patrzący na obraz mają tendencję do wnoszenia do niego swoich własnych dramatów.” Daleko od postrzegania martwej natury jako sterylnej, formalnej gry, Rickus rozumie ten gatunek jako coś, co głęboko zastanawia się nad jej życiem i życiem tych, którzy ją otaczają.
A Measured Process
Geneza obrazu Rickus łączy w sobie przestrzeń dla inwencji z wysoce zdyscyplinowaną metodologią. Jej pracownia znajduje się na górnym piętrze domu i jest zwrócona na północ. To miejsce daje jej stabilne, chłodne światło przez większą część dnia. Nigdy nie korzysta z fotografii.
Wybierając przedmioty do nowego obrazu, zabiera się do pracy, układając je i zmieniając ich układ w połączeniu z obrusami lub tkaninami. W trakcie pracy rozważa różne aspekty abstrakcyjnego projektu, koordynacji kolorów i ikonografii. Kiedy jest już zadowolona z aranżacji, naciąga płótno o odpowiednim rozmiarze. Ponieważ maluje w naturalnych rozmiarach, przedmioty w aranżacji i proporcje kompozycji w dużej mierze decydują o wymiarach płótna. „Odmierzam rzeczywistą kompozycję na stole, zachowując równy margines z każdej strony oraz naddatek na górze i na dole” – mówi artystka.
Layers Upon Layers
Rickus kontynuuje przygotowania, nakładając na płótno osiem rozcieńczonych warstw gesso akrylowego. Między kolejnymi warstwami szlifuje, aby uzyskać gładką powierzchnię. Następnie nakłada cienką warstwę farby akrylowej, aby zabarwić całe płótno. „I use a raw umber wash but could easily see myself using any neutral color – black, blue-gray or other browns,” she says.
Rickus then uses a T square to draw a pencil line on her canvas, indicating the tableop of her setup. Dodaje małe znaki ołówkiem, aby pokazać, gdzie kompozycja będzie się zaczynać i kończyć po lewej i prawej stronie jej powierzchni. „Ponieważ pracuję w naturalnych rozmiarach, często mierzę, najlepiej jak potrafię, obiekty, które będę malować, aby uzyskać dobre przybliżenie relacji rozmiarów” – mówi artystka.
„Robię też kilka ołówkowych śladów. Następnie wyciskam farby na paletę, w kolorach, które moim zdaniem będą potrzebne do namalowania przedmiotów przede mną. Zaczynam od lewej strony, szkicując pierwszy obiekt za pomocą pędzla i odpowiedniego koloru. Mam nadzieję, że kiedy dojdę do drugiej strony obrazu, nie będę zbytnio odbiegał od mojego ołówkowego śladu na prawym marginesie.” Warto tu zauważyć, że Rickus nie buduje monochromatycznego podmalowania; zaczyna od bezpośrednich wypowiedzi na temat koloru, który ma przed sobą.
Korekty i kolory
Po naszkicowaniu całego obrazu, Rickus dokonuje wszelkich niezbędnych poprawek, aby ustabilizować kompozycję i skorygować rysunek. Następnie rozpoczyna proces nakładania warstw, powoli doprowadzając cały obraz do końca.
Rickus pracuje skromnej wielkości syntetycznymi pędzlami, nakładając farbę małymi pociągnięciami, badając subtelne różnice kolorów na powierzchniach. Nie używa pędzla wachlarzowego ani żadnego innego narzędzia do mieszania. W dalszej części procesu malarskiego dodaje do farby Winsor & Newton Liquin. To tworzy większą przezroczystość i głębię, jak ona glazury kolor nad bardziej solidnych warstw beneath.
„Każdy obiekt działa z drugiej,” mówi, „i jak jeden obiekt zbliża się do zakończenia, następny obiekt musi przyjść do rozwoju poprzedniego.” Jedną z kwestii, którą Rickus musi rozwiązać na tym etapie, jest wybór koloru tła. „Jest to jedna z najtrudniejszych części obrazu”, mówi. „Tła są zazwyczaj jakimś odcieniem szarości – ciepłym, chłodnym, brązowawym lub niebieskawym. Ale zawsze trudno jest uzyskać odpowiedni kolor lub ton, który uzupełnia każdy obiekt na obrazie. Często jest to kwestia prób i błędów.”
Reflections
Podczas malowania Rickus od czasu do czasu przygląda się swojej pracy w lustrze. Ta strategia pozwala jej spojrzeć na dzieło świeżym okiem. Często ujawnia to błędy w rysunku lub niedociągnięcia w oddaniu. Wieczorami przenosi obraz do innego pokoju, aby móc spojrzeć na niego w innym świetle. Ten ruch nie tylko odświeża jej wzrok, ale także pomaga jej zrozumieć, jak obraz może pojawić się w innym kontekście.
W końcu Rickus musi zdecydować, kiedy przestać. „Nie potrafię powiedzieć, skąd wiem, kiedy obraz jest skończony”, mówi, „poza tym, że jest jednolicie zakończony i nic mi w nim nie przeszkadza.”
Gdy obraz jest skończony, co zajmuje od dwóch do czterech tygodni, Rickus pozwala mu wyschnąć kilka dodatkowych tygodni przed zastosowaniem mieszaniny matowego i błyszczącego lakieru, aby wyrównać wykończenie obrazu i dodać środek ochrony.
A Stage for Creative Play
Obrazy Rickus mają spójny wygląd, coś, co wynika z wizji artystki, ale także z jej zaangażowania w jednolite podejście. Wszystkie obrazy malowane są w tym samym świetle, przy sztalugach ustawionych w tej samej odległości od przedmiotów. Kąt widzenia, poziom tuż nad blatem stołu, nigdy się nie zmienia, a wybór dość neutralnego koloru tła występuje we wszystkich obrazach.
Zaletą rygorystycznego ograniczenia tych zmiennych jest to, że artystka sama definiuje scenę, na której będzie twórcza. Zamiast ograniczać jej kreatywność, te ograniczenia pozwalają jej skupić się na eksplorowaniu szerokiego i fascynującego zakresu pomysłów.
The Games She Plays
W A Bird Painting (powyżej), na przykład, Rickus włącza wiele obrazów ptaków, ustanawiając zabawną korespondencję między trójwymiarowymi i płaskimi reprezentacjami. Zielony ceramiczny ptak zakotwicza kompozycję. Ale ptaki pojawiają się także w każdym z obiektów: wydrukowane na tkaninie, namalowane na słoiku, wyrzeźbione na uchwycie garnka i wyrzeźbione w płaskorzeźbie na ścianie. „Zebranie wszystkich przedmiotów do obrazu zajęło sporo czasu”, mówi Rickus. „Przeszukałam sklepy z antykami i domy przyjaciół w poszukiwaniu rzeczy z wizerunkami ptaków”. Odwiedziła sklepy z tkaninami, ale nie mogła znaleźć odpowiedniego nadruku z ptakami. „W końcu znalazłam nadruk na fartuchu domowej roboty w lokalnym sklepie z rękodziełem” – wspomina. „Rozebrałam fartuch i zrobiłam z niego obrus na obraz”. Doniczkę znalazła w tym samym sklepie z rękodziełem, a zielonego ceramicznego gołębia kupiła na eBayu.
W Above and Below gra w inny rodzaj gry, w której duża grupa przedmiotów, w tym dzbanek z kolorowo namalowanym wzorem kwiatowym, siedzi na szczycie wyboru tkanin, których kolory odzwierciedlają kolory przedmiotów. To prawie tak, jakby dolna część obrazu była pewnego rodzaju abstrakcją obiektów powyżej.
Bardziej dosłowna figlarność jest w pracy w At Rest (poniżej), gdzie duża tykwa spoczywa nieco niedorzecznie na pełnowymiarowej poduszce, jak śpiące dziecko. „Każdego roku jesienią chodzę na stoisko farmera i zawsze znajduję coś, co jest piękne i wspaniałe”, mówi Rickus.
„W tym roku zobaczyłem tę ogromną tykwę – i naprawdę była ogromna. Była długa, ale również bardzo gruba. Było w niej coś, co przemawiało do mnie w sposób, w jaki może przemawiać grube dziecko: po prostu chcesz się do niej przytulić, ale czujesz się trochę źle, bo jest taka gruba. Ale ono po prostu wygląda tak przytulnie! Moje serce się do niego uśmiechnęło. Przyniosłam go do domu. I wtedy pomyślałam: 'Jest tak wyjątkowy, że muszę go umieścić na poduszce'”. Gotowy obraz ma cicho dziwaczne odczucie, delikatnie humorystyczny surrealizm.
Hidden Meanings
Niemal prywatna gra toczy się w The Gift (na górze strony), gdzie grupa przedmiotów jest lekko otoczona wstążką z kokardą. „Mam grupę ludzi, którzy są moimi najlepszymi przyjaciółmi od czasów nastoletnich”, mówi Rickus. „I zdecydowałem, że chcę zrobić obraz o nas, ale musiałem pracować w ramach moich ograniczeń. Powiedziałem im wszystkim, aby wybrali warzywo lub owoc”.
Rickus mówi, że na początku nie mogła znaleźć odpowiedniego obiektu do własnej reprezentacji, czegoś, co byłoby znaczące, ale jednocześnie zakotwiczyłoby kompozycję. „W końcu wymyśliłam ten dzbanek, który moja babcia dała mojej matce” – mówi. „To wszystko jest bardzo osobiste. Obwiązałam wszystko wstążką, aby połączyć to wszystko razem, jak w przyjaźni. Przypuszczam, że widz nigdy nie poznałby tej interpretacji, ale, mam nadzieję, energia i uczucie nadal coś robią.”
Rickus planuje kontynuować pracę w ten sposób w dającej się przewidzieć przyszłości. „Po prostu ciągle przychodzą mi do głowy pomysły,” mówi, zauważając, że jest szczęśliwa pracując w swoich granicach. Zauważa, że z biegiem lat jej praca staje się coraz ostrzejsza i bardziej umiejętna, z czego jest wyraźnie dumna. Z pewnością wraz z większą kontrolą przyjdą jeszcze bardziej subtelne gry i strategie, nowe głębie uczuć. Artystka z niecierpliwością na to czeka.
Materiały
- POWIERZCHNIA: bawełniana kaczka bez podkładu o średniej fakturze na wytrzymałych blejtramach, zagruntowana Utrecht Professional Acrylic Gesso
- OLEJE: Old Holland, Holbein i Winsor & Newton
- MEDIUM: Winsor & Newton Liquin, bezwonny rozcieńczalnik do farb
- LAKIER: Liquitex Soluvar Varnish, matowy i błyszczący, w mieszance 1-1
- PĘDZLE: Loew- Cornell nr 1 biały nylon płaski; Utrecht nr 8 biały nylon okrągły; Princeton nr. 2, 4, 6 i 8 nylonowe filamenty
- INNE: 11×15 por- celain emaliowana taca rzeźnicza na paletę, sztaluga na korbkę, kij mahla, T kwadrat
About the Artist
Podczas ostatnich dwóch lat Janet Rickus na Central Connecticut State University (New Britain), gdzie ukończyłaby studia z tytułem licencjata w edukacji biznesowej, wzięła kilka kursów sztuki bez zamiaru kontynuowania kariery w tej dziedzinie. Po studiach nadal uczęszczała na okazjonalne zajęcia artystyczne, zaczęła szeroko wystawiać swoje prace i zdobywać wyróżnienia. Gallery Henoch (Nowy Jork), Clark Gallery (Lincoln, Mass.) i Quidley & Company (Boston i Nantucket, Mass.) reprezentują jej prace. Zobacz więcej jej obrazów na artsy.net/artist/janet-rickus. Photo by Dorothy Rickus.
John A. Parks jest zarówno artystą, jak i pisarzem. Jego najnowsza książka to Universal Principles of Art: 100 kluczowych pojęć dla zrozumienia, analizy i praktykowania sztuki. Odwiedź jego stronę internetową pod adresem johnaparks.com.
Możesz również polubić:
- Worlds of Whimsy: Playfully Nostalgic Pastel Still Lifes
- Still Life Composition Made Modern
- Free E-Book: Still Life Painting Techniques & Inspiration
.