OriginsEdit
Jako francuski kompozytor z początku XX wieku, Erik Satie wykorzystał takie zainspirowane dadaizmem poszukiwania do stworzenia wczesnej formy ambientu/muzyki tła, którą nazwał „muzyką mebli” (Musique d’ameublement). Opisał to jako rodzaj muzyki, która może być odtwarzana podczas kolacji, aby stworzyć atmosferę tła dla tej czynności, a nie służyć jako centrum uwagi.
W jego własnych słowach, Satie starał się stworzyć „muzykę … która będzie częścią odgłosów otoczenia, weźmie je pod uwagę. Myślę o niej jako o melodyjnej, łagodzącej odgłosy noży i widelców przy kolacji, nie dominującej nad nimi, nie narzucającej się. Wypełniłby te ciężkie cisze, które czasem zapadają między jedzącymi razem przyjaciółmi. Oszczędziłby im trudu zwracania uwagi na ich własne banalne uwagi. A jednocześnie neutralizowałaby odgłosy ulicy, które tak niedyskretnie wkraczają w grę rozmowy. Stworzenie takiej muzyki byłoby odpowiedzią na potrzebę.”
W 1948 roku, francuski kompozytor & inżynier, Pierre Schaeffer ukuł termin musique concrète. Ten eksperymentalny styl muzyki wykorzystał nagrania naturalnych dźwięków, które zostały następnie zmodyfikowane, zmanipulowane lub wpłynęły na stworzenie kompozycji. Techniki Shaeffera wykorzystujące pętle taśmowe i splicing są uważane za prekursora współczesnego samplingu.
W 1952 roku John Cage wydał swoją słynną trzyczęściową kompozycję 4’33, która jest wykonaniem kompletnej ciszy przez cztery minuty i trzydzieści trzy sekundy. Utwór ma na celu uchwycenie dźwięków otoczenia w miejscu, w którym odbywa się występ i nadanie im charakteru wykonywanej muzyki. Cage był cytowany przez artystów takich jak Brian Eno jako wpływ.
Lata sześćdziesiąteEdit
W latach sześćdziesiątych wiele grup muzycznych eksperymentowało z nietypowymi metodami, a niektóre z nich tworzyły to, co później nazwano by muzyką ambient.
W lecie 1962 roku kompozytorzy Ramon Sender i Morton Subotnick założyli The San Francisco Tape Music Center, które funkcjonowało zarówno jako studio muzyki elektronicznej, jak i miejsce koncertów. Członkami i współpracownikami stali się inni kompozytorzy pracujący z magnetofonami, w tym Pauline Oliveros, Terry Riley i Steve Reich. Ich kompozycje, między innymi, przyczyniły się do rozwoju minimal music (zwanej również minimalizmem), która dzieli wiele podobnych koncepcji do ambient music, takich jak powtarzające się wzory lub impulsy, jednostajne drony i współbrzmiąca harmonia.
Pod koniec lat 60. francuska kompozytorka Éliane Radigue skomponowała kilka utworów, przetwarzając pętle taśmowe ze sprzężenia zwrotnego między dwoma magnetofonami i mikrofonem. W latach 70-tych, następnie przeszła do komponowania podobnej muzyki prawie wyłącznie z syntezatorem ARP 2500, a jej długie, powolne kompozycje były często porównywane do muzyki drone.
W 1969 roku, grupa COUM Transmissions wykonywała eksperymenty dźwiękowe w brytyjskich szkołach artystycznych. Wiele utworów muzyki ambient zostało wydanych w Anglii i Stanach Zjednoczonych Ameryki między późnymi latami 60. a 90. Niektóre utwory muzyczne z lat 60. z elementami ambientu to Music for Yoga Meditation and Other Joys i Music for Zen Meditation Tony’ego Scotta oraz Soothing Sounds for Baby Raymonda Scotta.
Lata siedemdziesiąteEdit
Rozwijająca się w latach siedemdziesiątych muzyka ambient wywodzi się z eksperymentalnych i zorientowanych na syntezatory stylów tego okresu.
Pomiędzy 1974 a 1976 rokiem amerykańska kompozytorka Laurie Spiegel stworzyła swój przełomowy utwór The Expanding Universe, stworzony na komputerowo-analogowym systemie hybrydowym o nazwie GROOVE. W 1977 roku jej kompozycja Music of the Spheres znalazła się na Złotej Płycie Voyagera 1 i 2.
W kwietniu 1975 roku Suzanne Ciani dała dwa występy na swoim syntezatorze Buchla – jeden w sklepie muzycznym WBAI Free, a drugi w lofcie Phila Niblocka. Występy te zostały wydane na archiwalnym albumie w 2016 roku zatytułowanym Buchla Concerts 1975. Według wytwórni, koncerty te były po części prezentacją na żywo, po części wnioskiem o dotację, a po części demonstracją edukacyjną.
Jednakże dopiero Brian Eno ukuł termin w połowie lat 70. XX wieku, że muzyka ambientowa została zdefiniowana jako gatunek. Eno nagrał w 1975 roku Discreet Music z tą myślą, sugerując, że należy jej słuchać na „stosunkowo niskich poziomach, nawet do tego stopnia, że często spada poniżej progu słyszalności”, nawiązując do cytatu Satie’go o jego musique d’ameublement.
Inni współcześni muzycy tworzący muzykę w stylu ambient w tym czasie obejmowali jamajskich muzyków dub, takich jak King Tubby, japońskich kompozytorów muzyki elektronicznej, takich jak Isao Tomita i Ryuichi Sakamoto, jak również psychoakustyczne krajobrazy dźwiękowe serii Environments Irva Teibela i niemieckie zespoły, takie jak Popol Vuh, Ash Ra Tempel i Tangerine Dream.
Wpływ powstania syntezatora w nowoczesnej muzyce miał na ambient jako gatunek nie może być przeceniony; jak powiedział Ralf Hutter z wczesnych pionierów elektroniki Kraftwerk w wywiadzie dla Billboardu w 1977 roku: „Elektronika jest poza narodami i kolorami…z elektroniką wszystko jest możliwe. Jedynym ograniczeniem jest kompozytor”. The Yellow Magic Orchestra opracowała odrębny styl ambientowej muzyki elektronicznej, który później został rozwinięty w ambientową muzykę house.
Brian EnoEdit
Angielskiemu producentowi Brianowi Eno przypisuje się stworzenie terminu „muzyka ambient” w połowie lat 70. Powiedział, że inni artyści tworzyli podobną muzykę, ale „ja tylko nadałem jej nazwę. I to jest dokładnie to, czego potrzebowała… Poprzez nazwanie czegoś tworzysz różnicę. Mówisz, że to jest teraz prawdziwe. Nazwy są bardzo ważne.” Użył tego terminu do opisania muzyki, która różni się od form muzyki w puszkach, takich jak Muzak.
W liner notes dla jego 1978 albumu Ambient 1: Music for Airports, Eno napisał:
Whereas the extant extant canned music companies proceed from the basis of regularizing environments by blanketing their acoustic and atmospheric idiosyncrasies, Ambient Music is intended to enhance these. Podczas gdy konwencjonalna muzyka tła jest tworzona poprzez usunięcie z niej wszelkiego poczucia wątpliwości i niepewności (a tym samym prawdziwego zainteresowania), Ambient Music zachowuje te cechy. I podczas gdy ich intencją jest „rozjaśnienie” otoczenia poprzez dodanie do niego bodźców (w ten sposób rzekomo łagodząc nużenie rutynowych zadań i wyrównując naturalne wzloty i upadki rytmu ciała), Ambient Music ma na celu wywołanie spokoju i przestrzeni do myślenia. Ambient Music musi być w stanie pomieścić wiele poziomów uwagi słuchacza bez wymuszania jednego w szczególności; musi być tak ignorowalna, jak interesująca.
Eno, który określa siebie jako „nie-muzyka”, nazwał swoje eksperymenty „zabiegami”, a nie tradycyjnymi występami.
1980sEdit
W późnych latach 70-tych, muzyk new-age Laraaji zaczął grasować w nowojorskich parkach i na chodnikach, w tym w Washington Square Park. To właśnie tam Brian Eno usłyszał grę Laraaji’ego i zapytał go, czy nie chciałby nagrać albumu. Day of Radiance, wydany w 1980 roku, był trzecim albumem z serii Ambient Eno. Choć Laraaji miał już na koncie kilka albumów, ten dał mu międzynarodowe uznanie. W przeciwieństwie do innych albumów z tej serii, Day of Radiance zawierał głównie instrumenty akustyczne zamiast elektroniki.
W połowie lat 80. możliwości tworzenia krajobrazu dźwiękowego wzrosły dzięki zastosowaniu samplingu. Pod koniec lat 80-tych, nastąpił gwałtowny wzrost włączenia komputera w proces pisania i nagrywania płyt. Szesnastobitowa platforma Macintosh z wbudowanym dźwiękiem i porównywalne modele IBM znajdowały się w studiach i domach muzyków i producentów płyt.
Jednakże wielu artystów nadal pracowało z analogowymi syntezatorami i instrumentami akustycznymi, tworząc dzieła ambientowe.
W 1983 roku Midori Takada nagrała swój pierwszy solowy LP Through The Looking Glass w dwa dni. Wykonała wszystkie partie na albumie, z różnorodnym instrumentarium obejmującym perkusję, marimbę, gong, organy stroikowe, dzwonki, okarynę, wibrafon, fortepian i szklane butelki Coca-Coli.
W latach 1988-1993 Éliane Radigue wyprodukowała trzy godzinne utwory na ARP 2500, które następnie zostały wydane razem jako La Trilogie De La Mort.
Lata dziewięćdziesiąteEdit
Do początku lat dziewięćdziesiątych artyści tacy jak The Orb, Aphex Twin, Seefeel, the Irresistible Force, Biosphere i Higher Intelligence Agency odnieśli sukces komercyjny i byli określani przez popularną prasę muzyczną jako ambient house, ambient techno, IDM lub po prostu „ambient”. Termin chillout wyłonił się z brytyjskiej kultury ecstasy, która początkowo była stosowana w zrelaksowanych downtempo „chillout rooms” poza głównym parkietem, gdzie grano ambient, dub i downtempo beaty, aby złagodzić umysł trippingu.
Londyńscy artyści tacy jak Aphex Twin (konkretnie: Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76:14, 1994), The Future Sound of London (Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), The Black Dog (Temple of Transparent Balls, 1993), Autechre (Incunabula, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada i The KLF’s Chill Out, (1990), wszyscy wzięli udział w popularyzacji i dywersyfikacji muzyki ambient, gdzie była używana jako uspokajające wytchnienie od intensywności hardcore i techno popularnych w tym czasie.
Inni globalni twórcy ambientu z lat 90. to amerykańscy kompozytorzy Stars of the Lid (którzy wydali 5 albumów w tej dekadzie) i japoński artysta Susumu Yokota, którego album Sakura (1999) zawierał to, co magazyn Pitchfork nazwał „senną, przetworzoną gitarą jako charakterystycznym narzędziem dźwiękowym”.
2000s-presentEdit
Ambient music nadal zyskiwał popularność w latach 2000 z szeregiem uznanych i wschodzących artystów opublikował prace do krytycznego uznania.
W 2011 roku, amerykańska kompozytorka Liz Harris nagrywając jako Grouper wydała album AIA: Alien Observer, wymieniony przez Pitchfork pod numerem 21 na ich „50 Best Ambient Albums of All Time”.
W 2011 roku, Julianna Barwick wydała swój pierwszy pełnowymiarowy album The Magic Place. Pod silnym wpływem jej doświadczeń z dzieciństwa w chórze kościelnym, Barwick zapętla swoje bezsłowne wokale w eteryczne krajobrazy dźwiękowe. Znalazł się on na liście numer 30 na Pitchfork’s 50 Best Ambient Albums of All Time.
W październiku 2014 roku, ex członek zespołu riot-grrrl, Jo Johnson wydał nieoczekiwany debiutancki album Weaving. Featuring repetitive sequences, arpeggios and drones, Pitchfork magazine described the album as „a remarkably accomplished take on ambient music”.
Po kilku samodzielnie wydanych albumach, kompozytorka Buchla, producentka i performerka Kaitlyn Aurelia Smith została podpisana z niezależną wytwórnią płytową Western Vinyl w 2015 roku. W 2016 roku wydała swój drugi oficjalny album EARS. Sparowała na nim syntezator Buchla z tradycyjnymi instrumentami, a jej kompozycje były porównywane do Laurie Spiegel i Alice Coltrane. Kaitlyn współpracowała również z inną znaną wykonawczynią Buchli, Suzanne Ciani.
Pod koniec lat 2000 i 2010, muzyka ambientowa również zyskała powszechne uznanie na YouTube, z wgranymi utworami, zwykle o długości od 1 do 8 godzin, uzyskując ponad miliony wyświetleń. Takie filmy są zwykle zatytułowane lub ogólnie znane jako „muzyka relaksacyjna” i mogą być inspirowane innymi gatunkami muzycznymi. Ambientowe filmy wideo pomagają słuchaczom online w jodze, nauce, śnie (patrz muzyka i sen), masażu, medytacji i zdobywaniu optymizmu, inspiracji i tworzeniu spokojnej atmosfery w ich pokojach lub innych środowiskach.
Problemy z odtwarzaniem tego pliku? Zobacz pomoc multimediów.
Wiele wgranych filmów ambientowych ma tendencję do bycia pod wpływem biomuzyki, gdzie występują dźwięki natury, choć dźwięki te byłyby modyfikowane za pomocą pogłosów i jednostek opóźniających, aby stworzyć kosmiczne wersje dźwięków jako część atmosfery. Takie naturalne dźwięki często obejmują dźwięki plaży, lasu deszczowego, burzy i deszczu, między innymi, z wokalizami zwierząt, takich jak śpiew ptaków, są również wykorzystywane. Utwory zawierające binaural beats są wspólne i popularne uploads, jak również, które zapewniają muzykoterapii i zarządzania stresem dla słuchacza.
Weryfikowane kanały YouTube, takie jak trafnie zatytułowany Ambient ma ponad 400.000 subskrybentów. Inne zweryfikowane kanały, które również publikują muzykę ambient to Meditation Relax Music, który ma ponad 1 milion subskrybentów, Soothing Relaxation z trzema milionami subskrybentów i Relaxing White Noise z ponad 500 000 subskrybentów, między innymi. iTunes i Spotify mają cyfrowe stacje radiowe, które zawierają muzykę ambient, które są w większości produkowane przez niezależne wytwórnie.
Uznana muzyka ambient tej ery (według magazynu Pitchfork) obejmuje prace Maxa Richtera, Julianny Barwick, Grouper, Williama Basinskiego i elektronicznego artysty Oneohtrix Point Never.
.