OriginesEdit
En tant que compositeur français du début du XXe siècle, Erik Satie a utilisé de telles explorations d’inspiration dadaïste pour créer une forme précoce de musique d’ambiance/de fond qu’il a baptisée « musique d’ameublement » (furniture music). Il la décrivait comme étant le genre de musique qui pouvait être jouée pendant un dîner pour créer une atmosphère de fond pour cette activité, plutôt que de servir de centre d’attention.
Dans ses propres mots, Satie cherchait à créer « une musique… qui fera partie des bruits de l’environnement, les prendra en considération. Je l’imagine mélodieuse, adoucissant les bruits des couteaux et des fourchettes au dîner, sans les dominer, sans s’imposer. Elle comblerait ces lourds silences qui s’installent parfois entre des amis qui dînent ensemble. Il leur épargnerait la peine de prêter attention à leurs propres remarques banales. Et en même temps, elle neutraliserait les bruits de la rue qui s’immiscent si indiscrètement dans le jeu de la conversation. Faire une telle musique serait répondre à un besoin. »
En 1948, le compositeur &ingénieur français, Pierre Schaeffer invente le terme de musique concrète. Ce style de musique expérimentale utilisait des enregistrements de sons naturels qui étaient ensuite modifiés, manipulés ou affectés pour créer une composition. Les techniques de Shaeffer utilisant des boucles de bande et des épissures sont considérées comme le précurseur de l’échantillonnage moderne.
En 1952, John Cage a publié sa célèbre composition en trois mouvements 4’33 qui est une performance de silence complet pendant quatre minutes et trente-trois secondes. La pièce est destinée à capturer les sons ambiants du lieu/l’emplacement de la performance et à faire en sorte que ce soit la musique jouée. Cage a été cité par des artistes précurseurs comme Brian Eno comme influence.
Années 1960Edit
Dans les années 1960, de nombreux groupes de musique ont expérimenté des méthodes inhabituelles, certains d’entre eux créant ce qui sera plus tard appelé musique ambiante.
À l’été 1962, les compositeurs Ramon Sender et Morton Subotnick ont fondé le San Francisco Tape Music Center qui fonctionnait à la fois comme un studio de musique électronique et une salle de concert. D’autres compositeurs travaillant avec des magnétophones en sont devenus membres et collaborateurs, notamment Pauline Oliveros, Terry Riley et Steve Reich. Leurs compositions, parmi d’autres, ont contribué au développement de la musique minimale (également appelée minimalisme), qui partage de nombreux concepts similaires à la musique ambiante tels que les motifs répétitifs ou les pulsations, les drones réguliers et l’harmonie consonante.
À la fin des années 60, la compositrice française Éliane Radigue a composé plusieurs pièces en traitant des boucles de bande à partir de la rétroaction entre deux magnétophones et un microphone. Dans les années 70, elle a ensuite composé une musique similaire presque exclusivement avec un synthétiseur ARP 2500, et ses longues et lentes compositions ont souvent été comparées à la musique de drone.
En 1969, le groupe COUM Transmissions réalisait des expériences sonores dans les écoles d’art britanniques. De nombreux morceaux de musique ambiante ont été publiés en Angleterre et aux États-Unis d’Amérique entre la fin des années 1960 et les années 1990. Parmi les musiques des années 1960 comportant des éléments ambiants, citons Music for Yoga Meditation and Other Joys et Music for Zen Meditation de Tony Scott, et Soothing Sounds for Baby de Raymond Scott.
Années 1970Edit
Développée dans les années 1970, la musique ambiante découle des styles expérimentaux et orientés vers les synthétiseurs de l’époque.
Entre 1974 et 1976, la compositrice américaine Laurie Spiegel crée son œuvre phare The Expanding Universe, créée sur un système hybride ordinateur-analogique appelé GROOVE. En 1977, sa composition, Music of the Spheres, a été incluse dans le disque d’or de Voyager 1 et 2.
En avril 1975, Suzanne Ciani a donné deux performances sur son synthétiseur Buchla – l’une au magasin de musique WBAI Free et l’autre au loft de Phil Niblock. Ces performances ont été publiées sur un album d’archives en 2016 intitulé Buchla Concerts 1975. Selon la maison de disques, ces concerts étaient en partie une présentation en direct, en partie une demande de subvention et en partie une démonstration éducative.
Cependant, ce n’est que lorsque Brian Eno a inventé le terme au milieu des années 70 que la musique ambiante a été définie comme un genre. Eno a ensuite enregistré Discreet Music en 1975 dans cette optique, suggérant qu’elle soit écoutée à « des niveaux comparativement bas, même au point de tomber fréquemment sous le seuil d’audibilité », en référence à la citation de Satie à propos de sa musique d’ameublement.
Les autres musiciens contemporains qui créent de la musique de style ambiant à l’époque comprennent des musiciens de dub jamaïcains comme King Tubby, des compositeurs de musique électronique japonais comme Isao Tomita et Ryuichi Sakamoto ainsi que les paysages sonores psychoacoustiques de la série Environments d’Irv Teibel, et des groupes allemands comme Popol Vuh, Ash Ra Tempel et Tangerine Dream.
L’impact que l’essor du synthétiseur dans la musique moderne a eu sur l’ambient en tant que genre ne peut être exagéré ; comme l’a dit Ralf Hutter des premiers pionniers de l’électronique Kraftwerk dans une interview à Billboard en 1977 : « L’électronique est au-delà des nations et des couleurs… avec l’électronique tout est possible. La seule limite est celle du compositeur ». Le Yellow Magic Orchestra a développé un style distinct de musique électronique ambiante qui sera plus tard développé en musique house ambiante.
Brian EnoEdit
Le producteur anglais Brian Eno est crédité d’avoir inventé le terme « musique ambiante » au milieu des années 1970. Il a déclaré que d’autres artistes avaient créé une musique similaire, mais que « je lui ai simplement donné un nom. Et c’est exactement ce dont elle avait besoin… En donnant un nom à quelque chose, vous créez une différence. Vous dites que c’est maintenant réel. Les noms sont très importants ». Il a utilisé le terme pour décrire une musique différente des formes de musique en boîte comme la Muzak.
Dans les notes de pochette de son album Ambient 1 : Music for Airports de 1978, Eno a écrit:
Là où les entreprises de musique en boîte existantes procèdent sur la base de la régularisation des environnements en couvrant leurs idiosyncrasies acoustiques et atmosphériques, la musique ambiante est destinée à les améliorer. Alors que la musique de fond conventionnelle est produite en éliminant tout sentiment de doute et d’incertitude (et donc tout intérêt véritable) de la musique, la musique ambiante conserve ces qualités. Et alors que leur intention est d' »égayer » l’environnement en y ajoutant des stimuli (ce qui est censé atténuer l’ennui des tâches routinières et niveler les hauts et les bas naturels des rythmes corporels), la musique d’ambiance est destinée à induire le calme et un espace de réflexion. La musique d’ambiance doit pouvoir s’adapter à de nombreux niveaux d’attention d’écoute sans en imposer un en particulier ; elle doit être aussi ignorable qu’intéressante.
Eno, qui se décrit comme un « non-musicien », qualifie ses expériences de « traitements » plutôt que de performances traditionnelles.
Édition des années 1980
À la fin des années 70, le musicien new-age Laraaji a commencé à faire la manche dans les parcs et sur les trottoirs de New York, notamment au Washington Square Park. C’est là que Brian Eno a entendu Laraaji jouer et lui a demandé s’il voulait enregistrer un album. Day of Radiance, sorti en 1980, est le troisième album de la série Ambient d’Eno. Bien que Laraaji ait déjà enregistré un certain nombre d’albums, celui-ci lui a apporté une reconnaissance internationale. Contrairement aux autres albums de la série, Day of Radiance comportait principalement des instruments acoustiques au lieu de l’électronique.
Au milieu des années 1980, les possibilités de créer un paysage sonore ont augmenté grâce à l’utilisation de l’échantillonnage. À la fin des années 1980, on assiste à une forte augmentation de l’incorporation de l’ordinateur dans le processus d’écriture et d’enregistrement des disques. La plate-forme Macintosh seize bits avec son intégré et les modèles IBM comparables se retrouvaient dans les studios et les maisons des musiciens et des fabricants de disques.
Pour autant, de nombreux artistes travaillaient encore avec des synthétiseurs analogiques et des instruments acoustiques pour produire des œuvres ambiantes.
En 1983, Midori Takada a enregistré son premier LP solo Through The Looking Glass en deux jours. Elle a interprété toutes les parties de l’album, avec une instrumentation diversifiée comprenant des percussions, un marimba, un gong, un orgue à anche, des cloches, un ocarina, un vibraphone, un piano et des bouteilles de Coca-Cola en verre.
Entre 1988 et 1993, Éliane Radigue a produit trois œuvres d’une heure sur l’ARP 2500 qui ont ensuite été publiées ensemble sous le titre La Trilogie De La Mort.
En 1988 également, membre fondateur et directrice du San Francisco Tape Music Centre, Pauline Oliveros a inventé le terme « deep listening » après avoir enregistré un album à l’intérieur d’une immense citerne souterraine à Washington dont le temps de réverbération est de 45 secondes. Le concept de Deep Listening est ensuite devenu « une esthétique basée sur les principes de l’improvisation, de la musique électronique, du rituel, de l’enseignement et de la méditation ».
Années 1990Edit
Au début des années 1990, des artistes tels que The Orb, Aphex Twin, Seefeel, the Irresistible Force, Biosphere et the Higher Intelligence Agency connaissent un succès commercial et sont désignés par la presse musicale populaire sous le nom d’ambient house, ambient techno, IDM ou simplement « ambient ». Le terme chillout a émergé de la culture britannique de l’ecstasy, qui était à l’origine appliqué dans des « salles de chillout » downtempo détendues, en dehors de la piste de danse principale, où des rythmes ambiants, dub et downtempo étaient diffusés pour apaiser l’esprit du trip.
Des artistes londoniens tels qu’Aphex Twin (spécifiquement : Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76 :14, 1994), The Future Sound of London (Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), The Black Dog (Temple of Transparent Balls, 1993), Autechre (Incunabula, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada, et Chill Out, de The KLF, (1990), ont tous participé à la popularisation et à la diversification de la musique ambiante où elle était utilisée comme un répit apaisant de l’intensité du hardcore et de la techno populaires à cette époque.
Les autres artistes ambient mondiaux des années 1990 comprennent les compositeurs américains Stars of the Lid (qui ont sorti 5 albums au cours de cette décennie), et l’artiste japonais Susumu Yokota dont l’album Sakura (1999) mettait en avant ce que le magazine Pitchfork a appelé « une guitare traitée et rêveuse comme outil sonore distinctif ».
Années 2000 à aujourd’huiModification
La musique ambiante a continué à gagner en popularité dans les années 2000 avec un certain nombre d’artistes établis et émergents qui ont publié des œuvres saluées par la critique.
En 2011, la compositrice américaine Liz Harris enregistrant sous le nom de Grouper a sorti l’album AIA : Alien Observer, classé par Pitchfork au 21e rang de leurs « 50 meilleurs albums ambiants de tous les temps ».
En 2011, Julianna Barwick a publié son premier album complet The Magic Place. Fortement influencée par ses expériences d’enfance dans une chorale d’église, Barwick met en boucle ses voix sans paroles dans des paysages sonores éthérés. Il a été classé au numéro 30 des 50 meilleurs albums ambiants de tous les temps de Pitchfork.
En octobre 2014, un ex-membre du groupe riot-grrrl, Jo Johnson, a sorti un premier album inattendu, Weaving. Comprenant des séquences répétitives, des arpèges et des drones, le magazine Pitchfork a décrit l’album comme « une prise remarquablement accomplie de la musique ambiante ».
Après plusieurs albums autoédités, la compositrice, productrice et interprète Buchla Kaitlyn Aurelia Smith a été signée par le label indépendant Western Vinyl en 2015. En 2016, elle a publié son deuxième album officiel EARS. Elle a associé le synthétiseur Buchla à des instruments traditionnels et ses compositions ont été comparées à Laurie Spiegel et Alice Coltrane. Kaitlyn a également collaboré avec une autre interprète Buchla bien connue, Suzanne Ciani.
À la fin des années 2000 et dans les années 2010, la musique ambiante a également acquis une large reconnaissance sur YouTube, les morceaux téléchargés, qui durent généralement de 1 à 8 heures, obtenant plus de millions de visites. Ces vidéos sont généralement intitulées ou connues sous le nom de « musique relaxante » et peuvent être influencées par d’autres genres musicaux. Les vidéos d’ambiance aident les auditeurs en ligne à faire du yoga, à étudier, à dormir (voir musique et sommeil), à se masser, à méditer et à gagner de l’optimisme, de l’inspiration et à créer une atmosphère paisible dans leur chambre ou dans d’autres environnements.
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De nombreuses vidéos d’ambiance téléchargées ont tendance à être influencées par la biomusique où elles présentent des sons de la nature, bien que les sons seraient modifiés avec des réverbérations et des unités de retard pour faire des versions spatiales des sons dans le cadre de l’ambiance. Ces sons naturels comprennent souvent ceux d’une plage, d’une forêt tropicale, d’un orage et de la pluie, entre autres, ainsi que des vocalisations d’animaux, comme le chant des oiseaux. Les morceaux contenant des battements binauraux sont des téléchargements communs et populaires également, qui fournissent une musicothérapie et une gestion du stress pour l’auditeur.
Des chaînes YouTube vérifiées, telles que la bien nommée Ambient a plus de 400 000 abonnés. D’autres chaînes vérifiées qui publient également de la musique ambiante comprennent, Meditation Relax Music, qui a plus d’un million d’abonnés, Soothing Relaxation avec trois millions d’abonnés, et Relaxing White Noise avec plus de 500 000 abonnés, entre autres. iTunes et Spotify ont des stations de radio numériques qui présentent de la musique ambiante, qui sont principalement produites par des labels indépendants.
La musique ambiante acclamée de cette époque (selon le magazine Pitchfork) comprend des œuvres de Max Richter, Julianna Barwick, Grouper, William Basinski et l’artiste électronique Oneohtrix Point Never.