D’Aretha Franklin à Jimi Hendrix : 10 reprises qui sont meilleures que les originales

Lorsqu’un artiste fait son chemin dans le monde, généralement les premières chansons qu’il reprend sont celles de son artiste ou groupe préféré. C’est une progression naturelle qui aide les chanteurs et les auteurs-compositeurs à trouver leur voix. Mais parfois, une fois cette formation achevée, retournés pour donner à l’une de leurs chansons préférées un relooking.

Rares sont ces chansons qui ont le même punch que l’original, après tout, il est difficile d’exprimer l’histoire de quelqu’un d’autre aussi intensément qu’ils l’ont fait. Cependant, parfois, ils peuvent réussir et faire en sorte qu’une vieille chanson sonne comme quelque chose de frais et de nouveau, ils peuvent offrir une nouvelle perspective ou un tout nouveau plan d’attaque.

Quand ces moments se présentent, cela ressemble à quelque chose de sacré à chérir, alors nous avons pensé faire cela et vous apporter 10 des meilleurs exemples de quand les reprises sont meilleures que les originaux.

Des reprises qui sont meilleures que les originales:

‘Respect’ – Aretha Franklin

Débutons avec l’un de ces choix « je pensais que c’était sa chanson ». Aretha Franklin sera toujours attachée à cette chanson. A l’origine un numéro d’Otis Redding, le morceau a été retourné sur sa tête lorsque Franklin s’est levée pour reprendre cette chanson, et tellement plus avec elle. Aretha s’est attaquée à cette reprise comme à toute autre chose dans sa vie : à fond et complètement engagée.

Sa voix puissante et la poursuite inébranlable du rythme ont laissé cette chanson non seulement au sommet des charts, non seulement elle lui a valu le premier de ses 18 Grammys, mais avec la férocité d’Aretha, elle est devenue un hymne passionné pour les mouvements féministes et des droits civiques. Il allait non seulement définir Franklin mais aussi une génération.

https://youtu.be/kGtBNf6LHi4

‘With A Little Help From My Friends’ – Joe Cocker

La chanson ‘With A Little Help From My Friends’ des Fab Four était cette aide. Les Beatles ont bien pu fournir à Joe Cocker les munitions, mais il restait encore à l’incroyable vocaliste à fournir l’arsenal avec lequel livrer la performance fracassante et définitive de ‘With A Little Help From My Friends’.

La chanson a commencé sa vie en étant composée par John Lennon comme une chanson pour Ringo Starr, mais elle allait devenir un hymne déterminant du mouvement de la contre-culture qui cherchait à débarrasser le monde du capitalisme agressif et du fascisme. Un mouvement dont les Beatles n’ont jamais vraiment fait partie.

A la place, ce sera la légende née à Sheffield, Joe Cocker, qui montera sur la scène de Woodstock et entonnera l’hymne indicible du festival. C’est tout simplement magique.

‘Mr. Tambourine Man’ – The Byrds

Bien sûr, écrit à l’origine par le mercurien Bob Dylan, son titre emblématique a trouvé peu d’écho lors de sa première sortie. Il faudra la reprise parfaite de The Byrds pour le mettre vraiment sur la carte. S’il y a un moment qui témoigne de l’ascension de Dylan du statut d’artiste folk à celui de star internationale, c’est bien lorsqu’il s’est mis à l’électrique et a branché sa guitare acoustique. Ce moment a sans aucun doute été porté par la reprise de « Mr. Tambourine Man » par les Byrds.

Dylan avait déposé la chanson en 1965 dans le cadre de sa session Bringing It All Back Home et les Byrds avaient réussi à mettre la main sur une première copie. En écoutant l’acétate, le groupe était convaincu qu’elle était parfaite pour leur premier album et, bien sûr, elle l’était.

La version des Byrds de la chanson n’est rien de moins que magnifique et sans doute l’une des sorties les plus importantes de la carrière de Dylan. Son succès a mis les Byrds sur la carte, a animé une scène folk sur la côte ouest et a encouragé Dylan à brancher les amplis cet été-là au Newport Folk Festival.

‘I Fought The Law’ – The Clash

Ils sont peut-être le seul groupe qui compte, mais The Clash n’a jamais eu peur de plonger sa main dans les eaux troubles du passé de la musique et d’en sortir un joyau par la peau du cou. Ayant également repris des chansons comme ‘Police & Thieves’ en plus de leur affinité naturelle avec le reggae et le dub, cette reprise était parfaitement adaptée.

Originalement enregistré par Sonny Curtis puis popularisé par les Bobby Fuller Four, Joe Strummer, Mick Jones, Paul Simonon et Topper Headon emmènent ce titre vers un tout nouveau lieu, bien plus rebelle, avec leur reprise de ‘I Fought The Law’. La voix de Strummer, en particulier, semble faite pour la chanson.

Les Clash étaient en plein enregistrement de Give ‘Em Enough Rope lorsqu’ils sont tombés sur ce disque dans le jukebox des studios Automatt et en sont instantanément tombés amoureux. Depuis, c’est devenu une pièce fantastique de leur iconographie.

‘Me & Bobby McGee’ – Janis Joplin

Originalement enregistrée par Roger Miller en 1969, Janis Joplin a pris cette chanson et l’a transformée en une performance puissante que seule elle pouvait égaler. C’était quelque chose qui était bien dans les capacités de Joplin, en fait, elle l’a fait avec presque toutes les chansons qu’elle a jamais chantées.

Vraiment, il aurait pu y avoir une liste top 10 des meilleures reprises de Janis Joplin, ‘Cry Baby’ était une forte prétendante pour cette place. Cependant, c’est la gravité de cet enregistrement qui le met en avant pour nous. Enregistrée seulement quelques jours avant sa mort tragique en 1970 pour son album posthume Pearl, cette reprise de la chanson écrite par Kris Kristofferson, est tout simplement stupéfiante.

C’est une chanson remarquable qui montre non seulement les incroyables tuyaux de Joplin mais aussi sa compréhension musicale, quelque chose qui est rarement égalé. Joplin s’est entièrement donnée à la musique et à la performance, et cela se voit dans cette reprise fulgurante.

‘Jolene’ – The White Stripes

Jack White est peut-être maintenant aussi proche que le monde du rock d’un magnat de la musique, avec d’innombrables projets à travers la musique avec The White Stripes, The Raconteurs, et son travail solo, sans oublier d’être à la tête de Third Man Records. Mais il a fait des débuts plutôt plus modestes dans le circuit des clubs autour de sa ville natale de Détroit.

En fournissant des voix tourbillonnantes et folles et en frappant sa guitare comme personne ne l’avait fait auparavant, le groupe gagnait en traction. Dans la vidéo ci-dessous, en 2001, il affinait encore son gémissement impie avec les Stripes – ces imparables jongleurs rouges et blancs – en reprenant quelques classiques de la country et du western.

En 2001, d’où proviennent les images et peut-être leur meilleure interprétation de la chanson, les White Stripes commençaient à gagner en traction. La capacité de White à créer des bruits bizarres et merveilleux capables de faire tomber une salle en une seule note a enflammé la scène. Si l’on ajoute à cela les talents d’auteur de morceaux tels que « Fell In Love With A Girl » et « Hotel Yorba », on comprend que le groupe a compris et mis en œuvre la narration d’histoires qui est réservée aux artistes intemporels. Ils avaient la puissance et ils avaient la poésie.

D’une certaine manière, il n’y a pas de meilleure façon de le montrer que sur la magnifique reprise du groupe du classique déchirant de Dolly Parton, ‘Jolene’. C’est une reprise qui deviendra une partie du set live du groupe et offrira un aperçu de l’histoire d’amour de White avec l’Americana et la musique country.

‘The Man Who Sold The World’ – Nirvana

Il n’y a pas grand-chose de mieux que d’écouter le classique de David Bowie ‘The Man Who Sold The World’, à moins, bien sûr, que la version unplugged de Nirvana soit disponible. Bien que nous soyons de grands fans du Starman, il est difficile de dire que cette reprise n’est pas meilleure que l’original. Avec le temps de digérer la chanson, la réimagination de Kurt Cobain, et les pensées exprimées en elle, sont captivantes.

Ne vous méprenez pas, nous aimons aussi la version de Lulu, mais il est difficile de lutter contre celle-ci et la connexion que Cobain partage avec elle. L’album éponyme de la chanson a été classé numéro 45 des albums préférés de Kurt de tous les temps, et il est clair qu’il partage une affinité avec le morceau. Plus tard, la chanson et la session font partie intégrante de la production du groupe dans ces derniers mois avant la mort soudaine de Cobain, formant une grande partie de leur rotation sur MTV.

Bowie a dit de la reprise de Nirvana : « J’ai tout simplement été soufflé lorsque j’ai découvert que Kurt Cobain aimait mon travail, et j’ai toujours voulu lui parler des raisons qui l’ont poussé à reprendre ‘The Man Who Sold the World’. » Le Starman, toujours amoureux de l’art, a ajouté : « C’était une bonne interprétation directe, qui sonnait d’une certaine manière très honnête. Ça aurait été bien de travailler avec lui, mais juste parler avec lui aurait été vraiment cool. »

Même si Bowie a admis que les gens qui pensent que la chanson est celle de Nirvana l’agacent un peu : « Les gamins qui viennent après et disent : ‘C’est cool que tu fasses une chanson de Nirvana’. Et je me dis : ‘Va te faire foutre, petit branleur !' »

‘Hallelujah’ – Jeff Buckley

Avant de s’étendre sur la fragilité et la tendresse de la performance vocale de Jeff Buckley sur le chef-d’œuvre de Leonard Cohen, ‘Hallelujah’, il faut d’abord rendre hommage à John Cale. Le fondateur du Velvet Underground s’est emparé de la chanson originale et tentaculaire de Cohen et l’a transformée en quelque chose que les gens pouvaient réellement apprécier. Après cela, Buckley a emmené la chanson dans les cieux.

« Hallelujah » a une capacité, contrairement à beaucoup d’autres chansons, qui peut arrêter quelqu’un sur place. Pour les tenir là jusqu’à ce que les dernières notes de la chanson douloureusement belle jouent. Mais lorsque le regretté Jeff Buckley chante ces notes, la puissance du morceau résonne bien plus longtemps.

Paraissant sur son seul disque complet, Grace, le morceau est devenu un moment folklorique de l’histoire de la musique. Cependant, lorsque Buckley a interprété la chanson en direct, elle est devenue une toute nouvelle entité. Ce n’est pas seulement le chant qui fait bouger la performance de Buckley, c’est son jeu de guitare, qui va jusqu’à la virtuosité, alors qu’il picore et manipule délicatement les cordes vers un voyage éthéré.

C’est un moment tout simplement stupéfiant où la musique, aussi puissante qu’elle soit, contrôle la pièce et fait taire les inquiétudes et les peurs, pour un bref instant vous tenant, suspendu dans l’air, et captivé dans les notes.

https://youtu.be/2YjbJTS5C_I

‘Hurt’ – Johnny Cash

Sans doute l’une des plus grandes reprises de tous les temps, la reprise par Johnny Cash de la chanson ‘Hurt’ de Trent Reznor et Nine Inch Nails était à l’origine un souci pour Reznor. S’adressant à Music Radar, il a déclaré : « J’étais ami avec Rick Rubin depuis plusieurs années. Il m’a appelé pour me demander comment je me sentirais si Johnny Cash reprenait Hurt. J’ai dit que je serais très flatté, mais on ne m’a donné aucune indication que ce serait effectivement enregistré.

« Deux semaines ont passé. Puis j’ai reçu un CD par la poste. Je l’ai écouté et c’était très étrange. C’était cette autre personne qui habitait ma chanson la plus personnelle. Je savais où j’étais quand je l’ai écrite. Je sais à quoi je pensais. Je sais ce que je ressentais. L’entendre, c’était comme si quelqu’un embrassait votre petite amie. C’était envahissant. »

Mais dès que Reznor a vu la vidéo poignante, les choses ont changé : « Ça avait vraiment, vraiment du sens et je me suis dit quelle œuvre d’art puissante. Je n’ai jamais pu rencontrer Johnny mais je suis heureux d’avoir contribué de la manière dont je l’ai fait. C’était comme un câlin chaleureux. Je recommande vivement à tous ceux qui ne l’ont pas vu d’aller le voir. J’ai la chair de poule en ce moment en y pensant. »

La vidéo montre Cash assis dans le musée ‘The House of Cash’ en train de chanter la chanson de réflexion tandis que des clips de son passé sont projetés sur l’écran. Elle voit le légendaire interprète se tenir devant son public pour une dernière fois.

‘All Along The Watchtower’ – Jimi Hendrix

Il fallait simplement que ça le soit. Lorsque Bob Dylan affirme que votre version de sa chanson est l’ultime, l’interprétation définitive du numéro, alors vous savez que vous avez fait quelque chose de bien. Hendrix a fait absolument tout ce qu’il fallait sur cette chanson.

Dylan a dit de la version d’Hendrix : « Ça m’a bouleversé, vraiment. Il avait un tel talent, il pouvait trouver des choses à l’intérieur d’une chanson et les développer vigoureusement. Il a trouvé des choses que d’autres personnes n’auraient pas pensé à trouver là-dedans. Il l’a probablement améliorée par les espaces qu’il utilisait. J’ai pris licence avec la chanson à partir de sa version, en fait, et je continue à le faire jusqu’à ce jour. »

Écrite en 1967, la chanson a eu un bon nombre d’interprétations de visages célèbres au fil des ans. Qu’il s’agisse de Pearl Jam d’Eddie Vedder, des tons plus doux que doux de Bryan Ferry, du sel de la terre Neil Young, ou même de U2, le groupe irlandais de pop-rock, aucune n’arrive à la cheville de celle de Jimi. Alors que ces groupes ont tous essayé d’égaler l’effort de Dylan en 67, Jimi a ingéré le morceau, l’a digéré, et l’a vomi dans un rêve en Technicolor.

C’est littéralement parfait. Si vous pensez le contraire, nous vous suggérons d’en parler à Bob.