Ce peintre contemporain de natures mortes atteint des profondeurs élégantes

Janet Rickus apporte un regard et une sensation très contemporains à un genre vénérable.

Par John A. Parks

Dans les mains de Janet Rickus, la nature morte devient élégante, contemporaine et électrique. Beaucoup d’objets et d’accessoires avec lesquels elle travaille – fruits, légumes et poteries – ont été des agrafes du genre depuis des siècles. Mais Rickus trouve des façons nouvelles et surprenantes de poser et de disposer les éléments traditionnels. Elle ajoute également des curiosités, une impression sur tissu moderne ou une pièce de céramique inhabituelle qui signale quelque chose de nettement actuel. Ce sentiment est renforcé par l’aspect général des peintures ; il y a une clarté nette dans laquelle chaque objet est pleinement réalisé dans une lumière du jour cristalline et fraîche.

Les objets comme métaphores

Au delà de l’élégance de leurs compositions, les peintures de Rickus portent avec elles de multiples couches de signification ; elles ont souvent une signification profondément ressentie par l’artiste. « Les natures mortes ont de la vie », dit-elle, « un lien avec les gens et la nature que j’aime. Pour moi, il ne s’agit pas simplement de peindre des objets. Les fruits et les légumes, beaux en soi et aux formes souvent évocatrices, me permettent d’apporter des observations de la vie aux tableaux. La poterie, nouvelle ou ancienne, avec ses fonctions décoratives ou utilitaires, apporte sa propre histoire et un lien avec les vies qui se cachent derrière elle. »

Rickus exprime son respect pour les objets qu’elle peint d’une manière inhabituelle : elle peint tout à sa taille réelle. Gourdes, pommes, cruches, bols et tissus sont tous soigneusement mesurés et dessinés un par un. « Je ne sais pas exactement comment cela s’est produit », explique l’artiste. « Mais j’ai le sentiment que pour représenter les objets, je dois les montrer tels qu’ils sont vraiment. S’ils étaient plus petits, ce ne serait pas vraiment eux. » L’identification de l’artiste à ses sujets signifie également qu’elle ne les mutile jamais d’aucune manière. « Je ne couperai jamais un fruit ou une tranche », dit-elle.  » Je ne peux tout simplement pas faire ça. « 

Compositions relationnelles

Ce sentiment que les objets d’une nature morte jouent des rôles presque humains affecte la façon dont Rickus organise ses compositions. Dans Almost (ci-dessus), par exemple, deux melons ne se touchent pas tout à fait, signalant quelque chose qui ressemble à une tension interpersonnelle. Un autre drame très humain est reconstitué dans Being Green (ci-dessous). Un oiseau vert en céramique est placé parmi un groupe de fruits naturellement verts. « Je pense que cette peinture parle de la tentative de s’intégrer », explique l’artiste. « C’est humoristique, mais c’est aussi sur le genre de choses que les gens font. »

En fait, Rickus dit qu’elle tire souvent ses idées de ses semblables. « La façon dont j’ai des choses qui se touchent, se chevauchent et se penchent dans mes peintures est quelque chose que je tire de la façon dont les gens se relient », dit-elle. « Je ne sais pas ce que je ferais d’autre, et je pense que c’est de cette façon que les spectateurs se sentent concernés par les tableaux. Même lorsque je ne mets pas intentionnellement en scène une situation humaine, les personnes qui regardent le tableau ont tendance à y apporter leurs propres drames. » Loin de considérer la nature morte comme un jeu formel et stérile, Rickus comprend le genre comme quelque chose qui reflète profondément sa vie et la vie de ceux qui l’entourent.

Un processus mesuré

La genèse d’une peinture de Rickus combine la place pour l’invention avec une méthodologie très disciplinée. Son atelier se trouve à l’étage supérieur d’une maison et est orienté vers le nord. Cet endroit lui offre une lumière stable et fraîche pendant une grande partie de la journée. Elle n’utilise jamais la photographie.

Ayant choisi des objets pour une nouvelle peinture, elle se met au travail en les arrangeant et en les réarrangeant en combinaison avec des nappes ou des tissus. Au fur et à mesure, elle pèse les différentes considérations de design abstrait, de coordination des couleurs et d’iconographie. Une fois qu’elle est satisfaite de l’arrangement, elle tend une toile de la taille appropriée. Comme elle peint en grandeur nature, les objets de l’installation et les proportions de la composition déterminent en grande partie les dimensions de la toile. « Je mesure la composition réelle sur la table, en prévoyant une marge égale de chaque côté et une marge en haut et en bas », explique l’artiste.

Couches sur couches

Rickus poursuit sa préparation en appliquant huit couches diluées de gesso acrylique sur la toile. Elle ponce entre la plupart des couches pour obtenir une surface lisse. Puis elle applique une fine couche de peinture acrylique pour teinter l’ensemble de la toile. « J’utilise un lavis de terre d’ombre brute, mais je pourrais facilement me voir utiliser n’importe quelle couleur neutre – noir, bleu-gris ou autres bruns », dit-elle.

Rickus utilise ensuite une équerre en T pour tracer une ligne au crayon sur sa toile, indiquant le plateau de sa configuration. Elle ajoute de petites marques au crayon pour montrer où la composition commencera et finira à gauche et à droite de sa surface. « Comme je travaille en grandeur nature, je mesure souvent, du mieux que je peux, les objets que je vais peindre pour avoir une bonne approximation des rapports de taille », explique l’artiste.

« Je fais aussi des marques au crayon pour ces objets. Puis je presse les peintures sur ma palette, toutes les couleurs dont je pense avoir besoin pour les objets devant moi. Je commence par le côté gauche, en esquissant le premier objet avec mon pinceau et la couleur appropriée. J’espère que lorsque j’arriverai de l’autre côté du tableau, je ne serai pas trop éloigné de ma marque de crayon dans la marge droite. » Il convient de noter ici que Rickus ne construit pas une sous-peinture monochrome ; elle commence par des déclarations directes de la couleur devant elle.

Corrections et couleurs

Ayant esquissé l’ensemble du tableau, Rickus fait ensuite les ajustements nécessaires pour stabiliser la composition et corriger le dessin. Elle commence alors le processus de superposition de couches pour amener lentement l’ensemble du tableau à son achèvement.

Rickus travaille avec des pinceaux synthétiques de taille modeste, construisant la peinture par petits coups alors qu’elle explore les variations subtiles de la couleur sur les surfaces. Elle n’utilise pas de brosse en éventail ou tout autre outil de mélange. Plus tard dans le processus, elle ajoute de la Liquine Winsor & Newton à la peinture. Cela crée une plus grande translucidité et une plus grande profondeur lorsqu’elle glacera la couleur sur les couches plus solides en dessous.

« Chaque objet fonctionne à partir de l’autre, dit-elle, et lorsqu’un objet se rapproche de l’achèvement, l’objet suivant doit arriver au développement du précédent. » L’une des questions que Rickus doit résoudre à ce stade est le choix de la couleur de fond. « C’est l’une des parties les plus difficiles de la peinture », dit-elle. « Les arrière-plans sont généralement d’une certaine nuance de gris – chaud, froid, brunâtre ou bleuté. Mais il est toujours difficile d’obtenir la bonne couleur ou le bon ton qui complète chaque objet du tableau. C’est souvent une question d’essais et d’erreurs. »

Reflections

Pendant qu’elle peint, Rickus regarde de temps en temps son œuvre dans un miroir. Cette stratégie lui permet de voir la pièce avec un œil neuf. Souvent, cela révèle les erreurs du dessin ou les faiblesses du rendu. Le soir, elle emmène le tableau dans une autre pièce pour le regarder sous une lumière différente. Ce geste permet non seulement de rafraîchir sa vision mais aussi de comprendre comment le tableau pourrait apparaître dans un autre contexte.

Enfin, Rickus doit décider quand s’arrêter. « Je ne peux pas dire comment je sais quand une peinture est terminée », dit-elle, « sauf qu’elle est uniformément achevée et que rien ne me dérange à son sujet. »

Une fois qu’un tableau est terminé, une tâche qui prend entre deux et quatre semaines, Rickus le laisse sécher quelques semaines supplémentaires avant d’appliquer un mélange de vernis mat et brillant pour uniformiser la finition de la peinture et ajouter une mesure de protection.

Une scène pour le jeu créatif

Les peintures de Rickus ont un aspect cohérent, quelque chose qui émerge de la vision de l’artiste mais aussi de son engagement à une approche uniforme. Tous les tableaux sont peints dans la même lumière avec le chevalet à la même distance des objets. L’angle de vue, un niveau juste au-dessus du plateau de la table, ne change jamais, et le choix d’une couleur de fond assez neutre se retrouve dans tous les tableaux.

L’avantage de limiter rigoureusement ces variables est que l’artiste définit pour elle-même la scène sur laquelle elle sera créative. Plutôt que de confiner sa créativité, ces contraintes lui permettent de se concentrer alors qu’elle explore un large et fascinant éventail d’idées.

The Games She Plays

Dans A Bird Painting (ci-dessus), par exemple, Rickus incorpore plusieurs images d’oiseaux, établissant une correspondance ludique entre les représentations tridimensionnelles et plates. Un oiseau vert en céramique ancre la composition. Mais des oiseaux apparaissent également dans chacun des objets : imprimés sur le tissu, peints sur le pot, sculptés sur l’anse du pot et gravés en relief sur le mur. « Il m’a fallu un certain temps pour rassembler tous les objets pour le tableau », explique Rickus. « J’ai fouillé les magasins d’antiquités et les maisons d’amis à la recherche d’objets à l’image des oiseaux ». Elle s’est rendue dans des magasins de tissus, mais n’a pas trouvé d’impression d’oiseau appropriée. « Finalement, j’ai trouvé l’impression sur un tablier fait maison dans un magasin d’artisanat local », se souvient-elle. « J’ai démonté le tablier et j’en ai fait la nappe pour le tableau ». Elle a trouvé le pot dans le même magasin d’artisanat et a acheté la colombe en céramique verte sur eBay.

Elle joue un autre type de jeu dans Above and Below où un grand groupe d’objets, y compris un pichet avec un motif floral peint de façon colorée, est assis au sommet d’une sélection de tissus dont les couleurs reflètent celles des objets. C’est presque comme si la section inférieure du tableau était une sorte d’abstraction des objets situés au-dessus.

Un jeu plus littéral est à l’œuvre dans At Rest (ci-dessous) où une grande gourde repose de manière quelque peu grotesque sur un oreiller grandeur nature, comme un enfant endormi. « Chaque année à l’automne, je vais au stand du fermier, et je trouve toujours quelque chose de beau et de merveilleux », dit Rickus.

« Cette année, j’ai vu cette énorme gourde – et elle était vraiment énorme. Elle était longue mais aussi très grosse. Il y avait juste quelque chose à son sujet qui m’attirait à la manière d’un gros bébé : vous avez juste envie de le prendre dans vos bras, mais vous vous sentez aussi un peu mal parce qu’il est si gros. Mais il a l’air tellement attachant ! J’ai eu envie de le prendre dans mes bras. Je l’ai ramené à la maison. Et puis j’ai pensé : « Il est si spécial que je dois le mettre sur un oreiller ». La peinture terminée a une sensation de bizarrerie tranquille, un surréalisme doucement humoristique.

Hidden Meanings

Un jeu presque privé est en cours dans The Gift (en haut de la page), où un groupe d’objets est légèrement entouré d’un ruban avec un nœud. « J’ai un groupe de personnes qui sont mes meilleurs amis depuis l’adolescence », explique Rickus. « Et j’ai décidé que je voulais faire une peinture sur nous, mais je devais travailler avec mes contraintes. Je leur ai dit à tous de choisir un légume ou un fruit. »

Rickus dit qu’au début, elle n’arrivait pas à trouver le bon objet pour sa propre représentation, quelque chose qui serait significatif mais qui ancrerait aussi la composition. « Finalement, je suis arrivée à ce pichet, un que ma grand-mère a donné à ma mère », dit-elle. « Tout cela est très personnel. J’ai mis le ruban autour de tout pour lier le tout, comme dans l’amitié. Je suppose qu’un spectateur ne connaîtrait jamais cette interprétation, mais, je l’espère, l’énergie et le sentiment font encore quelque chose. »

Rickus prévoit de continuer à travailler de cette manière dans un avenir proche. « Je n’arrête pas de trouver des idées », dit-elle, en remarquant qu’elle est heureuse de travailler dans le cadre de ses limites. Elle observe que son travail est devenu plus pointu et plus habile avec les années, ce dont elle est manifestement fière. Avec une plus grande maîtrise viendront, sans aucun doute, des jeux et des stratégies encore plus subtils, et de nouvelles profondeurs de sentiments. L’artiste s’en réjouit.

Matériaux

• SURFACE : canard de coton non apprêté de texture moyenne sur des châssis robustes et apprêté avec le Gesso acrylique professionnel d’Utrecht
• HUILES : Vieille Hollande, Holbein et Winsor & Newton
• MOYENNE : Winsor & Newton Liquin, diluant à peinture inodore
• VERNIS : Vernis Liquitex Soluvar, mat et brillant, dans un mélange de 1-1
• PINCEAUX : Loew- Cornell No. 1 white nylon flat stain ; Utrecht No. 8 white nylon round ; Princeton Nos. 2, 4, 6 et 8 nylon filberts
• AUTRE : Plateau de boucher émaillé en por- celain 11×15 pour une palette, chevalet à manivelle, bâton de mahl, carré T

A propos de l’artiste

Pendant les deux dernières années de Janet Rickus à l’Université d’État du Central Connecticut (New Britain), où elle obtiendrait un baccalauréat ès sciences en éducation commerciale, elle a suivi quelques cours d’art sans avoir l’intention de poursuivre une carrière dans ce domaine. Après l’université, elle a continué à suivre des cours d’art occasionnels et a commencé à exposer largement et à recevoir des distinctions. La galerie Henoch (New York), la galerie Clark (Lincoln, Mass.) et la Quidley & Company (Boston et Nantucket, Mass.) représentent ses œuvres. Vous pouvez voir d’autres de ses peintures sur artsy.net/artist/janet-rickus. Photo par Dorothy Rickus.

John A. Parks est un artiste ainsi qu’un écrivain. Son dernier livre est Universal Principles of Art : 100 Key Concepts for Understanding, Analyzing and Practicing Art. Visitez son site Web à johnaparks.com.

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