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40. Dean Berkeley et son entourage (alias le groupe des Bermudes)

Peintre : John Smibert ,Année : vers 1729-39 – George Berkeley quitte Londres en 1729 pour fonder un collège aux Bermudes ; lui et son entourage font réaliser leur portrait pour commémorer leur passage. Le tableau qui en résulte est un sujet de conversation : Berkeley parvient à être à la fois bien intégré dans le groupe et à s’imposer comme un visionnaire. Il regarde vers le ciel pour recevoir un message, qu’il transmet à travers le motif en zigzag du tapis à son amanuensis, à la droite du spectateur. C’est comme un jeu divin de téléphone ; Mon téléphone, m-m-mon téléphone.

39. Mort du général Wolfe

Peintre : Benjamin West, Année : 1770 – La mort du général britannique James Wolfe lors de la bataille de Québec de la guerre de Sept Ans est figurée par West comme si elle était christique. Dans cette scène de néo-lamentation, Wolfe est entouré pendant ses derniers instants. Le personnage de l’Amérindien agenouillé, qui semble perdu dans ses pensées profondes, donne à la scène un caractère typiquement américain. L’incroyable peinture d’histoire de West a été critiquée à l’époque parce qu’elle présentait les sujets dans des vêtements contemporains. Avant la peinture de West, on pensait que la tenue classique était la seule façon appropriée de commémorer l’événement.

Watson et le requin

Peintre : John Singleton Copley, Année : 1778 – Watson et le requin a été inspiré par un événement qui s’est déroulé dans le port, à La Havane, à Cuba. En 1749, Brook Watson, âgé de quatorze ans, a été attaqué par un requin alors qu’il nageait dans le port. Ses courageux compagnons de bord vinrent à son secours. Copley orchestre magistralement tous les éléments de cette scène mouvementée pour un effet maximal. Copley aurait-il pu choisir un moment plus dramatique à dépeindre ?

George Washington (Athenaeum)

Peintre : Gilbert Stuart, Année : 1796 – Le tableau de Stuart est l’exemplaire du portrait de Washington sur le billet d’un dollar. Il s’agit donc sans doute de la peinture américaine la plus reproduite de tous les temps. Stuart était également préoccupé par le dollar. Conscient de l’attrait de son portrait de Washington à l’Athenaeum, il a choisi de ne pas le terminer et de consacrer son temps à en faire autant de copies que possible. Dollar, dollar bill y’all!

L’artiste dans son musée

Peintre : Charles Wilson Peale, Année : 1822 – De la dinde soigneusement rendue aux cages précisément administrées regorgeant de faune américaine, Peale soutient que l’art est la transcription exacte de faits observables. Dommage que son bras levé ne semble avoir aucun lien avec son épaule.

Royaume pacifique

Peintre : Edward Hicks, Année : vers 1825-30 – Prédicateur quaker, Hicks a peint 61 versions différentes de cette composition. Il croyait que ses peintures pouvaient transmettre d’importantes leçons religieuses. Sous la direction des Quakers, l’Amérique est un Eden où même le lion et le bœuf coexistent pacifiquement.

Vue du Mont Holyoke, Northampton, Massachusetts (The Oxbow)

Peintre : Thomas Cole, Année : 1836 – Le mouvement est la clé pour comprendre cette peinture. Vu du Mont Holyoke, l’Oxbow s’est formé lorsque le fleuve Connecticut a poussé au-delà de ses berges pour créer une forme incurvée. Si l’on lit le tableau de droite à gauche, l’humeur est sinistre ; il n’y a que des tempêtes devant nous. Lu de droite à gauche, l’optimisme règne ; la tempête est passée et a laissé du soleil dans son sillage.

Révérend John Atwood et sa famille

Peintre : Henry F. Darby, Année : 1845 – L’apparence hyperréelle des modèles dans cette peinture pourrait être une indication des pressions exercées par les débuts de la photographie sur la pratique de la peinture. Darby n’avait que dix-sept ans lorsqu’il a réalisé ce tableau du révérend Atwood et de sa famille. L’apparence pieuse des sitters – ils lisent cinq bibles – est juxtaposée au mobilier à la mode et aux textiles luxuriants qui les entourent.

The Jolly Flatboatman

Peintre : George Caleb Bingham, Année : 1846 – Les hommes des bateaux fluviaux sur le Mississippi sont les sujets de cette peinture. Le bateau contient peu de marchandises, ce qui suggère qu’il remonte le fleuve Mississippi. Les hommes sont libres de s’adonner à des activités de loisirs tandis que la figure centrale de cette composition triangulaire danse sur un air que nous ne pouvons pas entendre.

Kindred Spirits

Peintre : Asher Brown Durand, Année : 1849 – Spirits était l’hommage de Durand à son cher et défunt ami Thomas Cole. Durand a créé une vue composite parfaite des sites préférés de Cole, les chutes de Kaaterskill et la crique de Catskill. Avec son pinceau, Cole indique l’au-delà, sa destination finale, sous le regard de son ami William Cullen Bryant. Cette peinture a été fameusement achetée à la New York Public Library comme une sorte d’hommage différent pour le Crystal Bridges Museum à Bentonville, Arkansas.

Washington Crossing the Delaware

Peintre : Emanuel Gottlieb Leutze, Année : 1851 – Cette représentation de la périlleuse traversée de la guerre d’indépendance par George Washington avant la bataille de Trenton pourrait être le tableau américain le plus célèbre de tous les temps. Elle est destinée à être vue avec la Chevauchée des Valkyries de Wagner jouant en arrière-plan.

Le vétéran dans un nouveau champ

Peintre : Winslow Homer ,Année : 1865 – Dans une évocation de la Faucheuse, ce vétéran de la guerre civile, sa veste et sa gourde jetées au premier plan, moissonne du blé doré dans un champ. La faux est attachée à l’ancien combattant comme l’aurait été son arme en temps de guerre. Le spectateur n’a pas la possibilité de voir le visage du vétéran alors qu’il coupe le blé dans la fleur de l’âge ; cela ne fait que renforcer les nuances sombres du tableau.

Among the Sierra Nevada Mountains, California

Peintre : Albert Bierstadt, Année : 1868 – Les peintures magnifiquement réalisées d’Albert Bierstadt ont joué sur un marché chaud dans les années 1860 pour des vues spectaculaires des frontières de la nation. Bierstadt était un immigrant et un entrepreneur travailleur qui s’était enrichi en associant ses talents de peintre à un talent d’autopromotion. Il dévoilait ses toiles comme des événements théâtraux, en vendant des billets et en publiant des articles dans les journaux – des stratégies qu’un critique a décrites comme « la vaste machinerie de la publicité et de la propagande ». Une toile de Bierstadt était encadrée avec soin, installée dans une pièce sombre et cachée derrière de luxueux rideaux. Au moment convenu, l’œuvre était révélée sous un tonnerre d’applaudissements.

27. Peinture de Ledger (Livre de Ledger Abbott)

Peintre : Tribu Cheyenne, Année : vers les années 1870 – Jusqu’à la seconde moitié du XIXe siècle, les Indiens des Plaines enregistraient souvent leurs traditions orales dans des peintures sur des rochers, des parois de grottes et des tee-pees. Lorsque les explorateurs sont partis vers l’ouest, les registres ont été introduits et une nouvelle forme, la peinture de registre, est née. Les artistes utilisaient l’aquarelle et les crayons pour capturer les événements importants. Dans cette peinture, un guerrier prend part à un raid.

Arrangement en gris et noir : Portrait de la mère du peintre

Peintre : James Abbott McNeill Whistler, Année : 1871 – Cette peinture est bien plus qu’un point d’intrigue de Mr. Bean ou un titre d’épisode d’Arrested Development. Qualifié d’icône américaine ou de « Mona Lisa américaine », il est l’emblème de la maternité et des valeurs familiales. Esquivant toute valeur sentimentale, Whistler a mis en gage cette peinture peu de temps après l’avoir créée, et elle a fini par se retrouver au musée d’Orsay, à Paris.

La clinique Gross

Peintre : Thomas Eakins, Année : 1875 – Cette peinture des plus « puissantes, horribles et fascinantes » présente un autoportrait d’Eakins en personnage assis qui griffonne avec un instrument d’écriture qui tient autant du scalpel que du stylo. Il s’inspire d’une opération chirurgicale menée par le docteur Gross sur le fémur cancéreux d’un jeune homme, dont Eakins a été le témoin. Le tableau a été rejeté pour l’exposition d’art de l’Exposition du Centenaire de 1876 ; il a été relégué à l’ornementation de l’exposition de l’hôpital de l’armée américaine.

24. Madame Pierre Gautreau (alias Madame X)

Peintre : John Singer Sargent, Année : 1884 – Scandale ! Lorsque ce tableau a été exposé au Salon de Paris de 1884, une bretelle de la robe du sujet était tombée sur son épaule. Les spectateurs sont à la fois émus et horrifiés. La mère de Madame X a exigé que le tableau soit retiré. Sargent refuse, arguant qu’il l’a peinte telle qu’elle est habillée. Plus tard, il a repeint la sangle pour qu’elle ait l’air plus sûre.

23. La leçon de banjo

Peintre : Henry Ossawa Tanner, Année : 1893 – La peinture de Tanner est parmi les premières à montrer une représentation réaliste des Noirs américains. À cette époque, les Noirs étaient généralement montrés de manière que l’on peut poliment qualifier de « stéréotypée ». Cette superbe petite peinture est très sensible dans sa représentation de la transmission du savoir aux jeunes générations. Le banjo est ainsi une métaphore du savoir et de la sagesse des personnes âgées.

Sanglier à Sharkeys

Peintre : George Bellows, Année : 1909 – Bellows était un joueur de baseball principalement professionnel -devenu artiste. Par conséquent, il est particulièrement attentif aux boxeurs/stags qui s’affrontent sur le ring. La vulgarité grinçante et sale du combat trouve un écho dans le public, notamment le personnage à l’autre bout du ring qui semble aussi violent que l’événement qu’il regarde.

21. Portrait d’un officier allemand

Peintre : Marsden Hartley ,Année : 1914 – Le portrait par Hartley d’un ami tombé au champ d’honneur, Karl von Freyburg, est inondé de symboles et de couleurs émeutières. La palette est fauviste, tandis que la vue éclatée relève du cubisme standard. Le chiffre quatre fait peut-être référence au régiment de son ami, tandis que vingt-quatre marque l’âge auquel son cher ami a été tué. De nombreux spécialistes ont attribué la nature profondément émotionnelle du portrait au fait que Freyburg et Hartley ont pu être amants.

Brooklyn Bridge

Peintre : Joseph Stella,Année : 1919-1920 – Bien que Stella n’ait pas reproduit fidèlement le pont, sa composition habile contient les éléments les plus frappants du pont, notamment les allées piétonnes, les arches gothiques et le fourré de fils et de câbles. Le rouge infernal de la base du tableau est juxtaposé au bleu céleste qui est le centre de la composition. La peinture de Stella est affective, et plus évocatrice que ne le serait une transcription littérale du pont.

Le problème avec lequel nous vivons tous

Peintre : Norman Rockwell, Année : 1964 – Que puis-je dire ? C’est une peinture très émouvante réalisée par un légendaire et grand Américain. Norman Rockwell était célèbre pour ses illustrations pour le Saturday Evening Post. Il était également un peintre très accompli. Cette œuvre montre sa sensibilité envers le mouvement américain des droits civiques. L’action raconte l’histoire de Ruby Bridges. C’était une petite fille afro-américaine de six ans qui franchissait la barrière de la couleur dans une école publique blanche de la Nouvelle-Orléans. Cette courageuse petite fille a dû faire face aux railleries d’une foule de Blancs en colère.

Gothique américain

Peintre : Grant Wood, Année : 1930 – Oui, je sais que vous avez déjà vu cette peinture ; mais l’avez-vous vraiment regardée ? Si oui, vous verriez que le tableau est rigoureusement organisé. La fourche dans la main de l’homme est reflétée par un motif similaire dans les coutures de sa salopette. Les rayures de sa chemise sont reprises par les planches de la maison et de la grange derrière lui. La femme est liée à la composition par le motif des cercles sur sa chemise, qui riment avec les lunettes sur le visage de l’homme. Dans le motif rimé ultime, le couple est rendu de manière rigide, ce qui résonne finalement avec la surface même sur laquelle il est peint : une planche.

Jack-in-the-Pulpit

Peintre : Georgia O’Keeffe, Année : 1930 – Gratte-ciel, crânes ou *ahem* fleurs, O’Keeffe a utilisé la même technique pour les représenter tous. Elle agrandit le sujet jusqu’aux bords du cadre, ce qui donne une représentation frontale et surdimensionnée. Tout ce que O’Keeffe capture ainsi prend une qualité totémique : il faut l’adorer.

16. The Migration Series, Panel 1

Peintre : Jacob Lawrence, Année : 1940 – The Migration Series (1940-41) de Jacob Lawrence, une séquence de 60 peintures, dépeint le mouvement massif des Afro-Américains du Sud rural vers le Nord urbain entre la Première et la Seconde Guerre mondiale – un développement qui avait reçu peu d’attention du public auparavant.

Nighthawks

Peintre : Edward Hopper, Année : 1942 – Étrangement, pour une peinture dégoulinante de sentiments de solitude et d’éloignement, elle tient plutôt bonne compagnie. Le look de Blade Runner s’en est inspiré. Wim Wenders a recréé cette scène pour un film dans un film dans History of Violence. Les Simpsons l’ont mis en scène dans un épisode. Tom Waits a écrit un album de chansons inspirées par ce film. Gottfried Helnwein a remplacé les poseurs par Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, James Dean et Elvis dans Boulevard des rêves brisés. Joyce Carol Oates a écrit un roman donnant une vie intérieure aux personnages représentés.

La liberté du besoin

Peintre : Norman Rockwell, Année : 1943 – Rockwell a peint un quatuor de toiles pour la série Four Freedoms inspirée par un discours de FDR ; les quatre libertés comprenaient la liberté d’expression, la liberté de culte, la liberté de la peur et la liberté du besoin. Freedom from Want a été reproduit dans une édition du Saturday Evening Post, un endroit où de nombreux Américains ont vu les images domestiques emblématiques de Rockwell. Cette peinture est emblématique de la nostalgie troublante de Rockwell : tout va pour l’essentiel bien, à l’exception du garçon à l’air étrange à l’arrière de la composition.

Christina’s World

Peintre : Andrew Newell Wyeth, Année : 1948 – Peut-être parce qu’il a été mal compris comme une représentation de l’angoisse des adolescents, pendant des décenniesChristina’s World a été une affiche de chambre de dortoir agrafe. La femme réellement représentée dans le tableau est Christina Olson, une femme paralysée à partir de la taille à la suite d’une maladie dégénérative. Wyeth imprègne la scène d’émotion – même pour le spectateur qui ne connaît pas la situation critique d’Olson – par la ligne tendue, mais invisible, qui s’étend entre sa tête et le sommet de la maison. La destination de Christina semble incroyablement lointaine.

Un : Numéro 31

Peintre : Jackson Pollock, Année : 1950 – Pollock est célèbre pour avoir travaillé avec la toile sur le sol, utilisant tous les moyens nécessaires pour muscler la peinture. Pollock a admis que ces peintures « goutte à goutte » apparemment abstraites étaient parfois représentatives, ajoutant que « lorsque vous travaillez à partir de votre inconscient, des figures sont vouées à émerger ». » Laissez-moi traduire cela pour vous : regarder quelque chose assez longtemps et voir…

Trois drapeaux

Peintre : Jasper Johns, Année : 1958 – Ici, Johns parvient à dépouiller le drapeau d’une grande partie de sa signification symbolique. Au lieu de cela, il oblige le spectateur à se concentrer sur les surfaces richement peintes et la profondeur créée par l’empilement de trois toiles les unes sur les autres.

Elégie à la République espagnole

Peintre : Robert Motherwell, LXX Année : vers 1961 – Motherwell n’était qu’un adolescent pendant la guerre civile espagnole, mais elle l’a profondément affecté. Il a fait plus de 200 peintures sur ce thème. Je pourrais faire un argument ici pour les symboles, les formes et l’abstraction, mais appelons simplement un pénis, un pénis.

9. Marilyn Diptych

Peintre:Andy Warhol, Année : 1962 – Son art se concentre sur la culture populaire tout en célébrant les valeurs sociales et matérielles de la classe moyenne qu’il a absorbées en grandissant au milieu de la Dépression. Le studio industriel qu’il a appelé l’usine a changé son style, passant de la peinture à la main à la sérigraphie à la chaîne sur toile. L’image continue suggère le symbole de l’image en mouvement qui a rendu Marilyn Monroe si célèbre. La photo représente la star Monroe, pas la personne. Utilisant le format diptyque des icônes byzantines de saints chrétiens, elle montre Marilyn dans des proportions bibliques. Elle amène le spectateur à réfléchir sur la vie de Monroe pour obtenir sa propre signification de la pièce.

Sugar Shack

Peintre : Ernie Barnes,Année : ca. 1972 – Ohhh, vous pensiez que J.J. de Good Times avait peint ceci ? Non, c’est Ernie Barnes, alias le 10ème choix de la NFL en 1960, qui l’a fait. Il s’est inspiré de son enfance méridionale et de son expérience athlétique pour rendre des corps fluides dans un style plus maniériste que « Dy-no-mite ! »

Robert Colescott Page d’un manuel d’histoire américaine

Peintre : Robert H. Colescott, Année : 1975 – La satire est le nom du jeu de Colescott. Son travail traite constamment des questions de représentation raciale et d’histoire en refondant des personnages historiques bien connus en tant qu’Afro-Américains dans des peintures occidentales familières. Dans cette peinture, George Washington, général de la guerre révolutionnaire et premier président des États-Unis devient George Washington Carver, le scientifique et inventeur noir.

Sleepwalker

Peintre : Eric Fischl, Année : 1979 – Devrions-nous avoir le droit de contempler le garçon somnambule debout dans une piscine pour enfants ? Est-il en train d’uriner ? de se masturber ? Fischl a l’étrange capacité de transformer le spectateur en voyeur, cependant, plus on regarde cette peinture, moins on comprend.

5. Scull

Peintre : Jean-Michel Basquiat, Année : 1981 – Basquiat était un enfant précoce, et à l’âge de sept ans, sa mère lui a donné un exemplaire de Gray’s Anatomy, qu’il a ensuite utilisé comme référence pour créer ses figures magistrales et déconstruites. Dans cette peinture, Basquiat nous présente un visage en forme de crâne. Bien qu’il ait des yeux, un nez et des dents, le tableau nous donne l’illusion que le visage est incomplet, et que les os qui se trouvent sous la surface ressortent aussi clairement que les couleurs de l’arrière-plan. La tête est remplie des graffitis illusoires de Basquiat, donnant l’impression qu’il y a des formes et des figures à l’intérieur du visage, mais à y regarder de plus près, le visage est un capharnaüm de lignes et de formes abstraites.

Grande Amérique

Peintre : Kerry James Marshall, Année : 1994 – Marshall s’attaque à nos appétits américains, qu’il s’agisse de l’amour des parcs d’attractions, comme le Great America de Californie, ou de notre (ancien) appétit pour l’esclavage. L’annonce par la National Gallery de leur acquisition de la peinture de Marshall l’interprète ainsi : « In Great America réimagine une promenade en bateau dans le tunnel hanté d’un parc d’attractions comme le passage du milieu des esclaves de l’Afrique vers le Nouveau Monde. Ce qui pourrait dans d’autres mains être une œuvre d’une ironie lourde devient au contraire un délicat entrelacement des histoires de la peinture et de la race. »

Autoportrait

Peintre : Chuck Close,Année : c.2000-1 – Les grandes toiles de Close sont incroyablement détaillées, obligeant le spectateur à combiner de petits détails géométriques en une image cohérente. Beaucoup se sont demandés s’il utilise des ordinateurs pour obtenir l’effet pixellisé de ses peintures. C’est faux. Close prend des photographies de ses sujets, puis quadrille les photos et la toile à peindre.

Bush à Abu Ghraib

Peintre : Peter Saul, Année : 2006 – La peinture aux teintes acides de Saul met en scène un président George W. Bush souriant, qui enlace d’un bras un soldat irakien difforme et criblé de balles, tout en sondant la bouche du soldat déformé avec un autre bras. Le geste de Bush pourrait être influencé par un certain nombre de sources historiques artistiques. On peut se demander à quel geste Saul fait référence : Le marchand du Marché aux esclaves de Gérôme qui explore la bouche d’un acheteur potentiel ? Ou bien le Thomas du doute du Caravage qui plonge ses mains dans les plaies du Christ ? En définitive, seul Saul le sait…

Barack Obama/Hope

Peintre : Shepard Fairey, Année : 2008 – Connue par beaucoup d’entre nous comme l’affiche placardée partout pour soutenir l’actuel président Barack Obama, cette image a commencé sa vie comme un collage de 60″ x 44″ dans le studio de Fairey. OBEY.