Janet Rickus bringer et meget moderne look og følelse til en ærværdig genre.
Af John A. Parks
I Janet Rickus’ hænder bliver stilrene, moderne og elektriske stilleben. Mange af de genstande og rekvisitter, som hun arbejder med – frugt, grøntsager og keramik – har været fast inventar i genren i århundreder. Men Rickus finder nye og overraskende måder at posere og arrangere de traditionelle elementer på. Hun tilføjer også kuriositeter, et moderne stofprint eller et usædvanligt stykke keramik, der signalerer noget tydeligt nutidigt. Denne følelse forstærkes af maleriernes overordnede udseende; der er en skarp klarhed, hvor hvert objekt er fuldt ud realiseret i et krystalklart, køligt dagslys.
Objekter som metaforer
Bortset fra elegancen i deres kompositioner bærer Rickus’ malerier flere lag af betydning med sig; de har ofte en dybtfølt betydning for kunstneren. “Stilleben har liv,” siger hun, “en forbindelse til mennesker og naturen, som jeg elsker. Det er ikke bare at male objekter for mig. Frugter og grøntsager, der er smukke i sig selv og ofte har stemningsfulde former, giver mig mulighed for at bringe observationer af livet ind i malerierne. Keramikken, ny eller gammel, med dens dekorative eller nyttige funktioner, bringer sin egen historie og en forbindelse med livet bag den.”
Rickus udtrykker respekt for de genstande, hun maler, på en usædvanlig måde: Hun maler alt i sin faktiske størrelse. Græskar, æbler, kander, skåle og tekstiler er alle omhyggeligt målt og tegnet en til en. “Jeg er ikke helt sikker på, hvordan dette er opstået”, siger kunstneren. “Men jeg føler, at hvis jeg skal repræsentere genstandene, er jeg nødt til at vise dem, som de virkelig er. Hvis de var mindre, ville det ikke rigtig være dem.” Kunstnerens identifikation med sine emner betyder også, at hun aldrig lemlæster dem på nogen måde. “Jeg skærer aldrig et stykke frugt af eller skærer noget i skiver,” siger hun. “Det kan jeg bare ikke gøre.”
Relationelle kompositioner
Denne fornemmelse af, at genstandene i et stilleben spiller næsten menneskelige roller, påvirker den måde, Rickus organiserer sine kompositioner på. I Almost (ovenfor) er der for eksempel to meloner, der ikke helt rører hinanden, hvilket signalerer noget, der minder om en mellemfolkelig spænding. Et andet meget menneskeligt drama udspiller sig igen i Being Green (nedenfor). En grøn keramikfugl er placeret blandt en gruppe naturligt grønne frugter. “Jeg tror, at dette maleri handler om at forsøge at passe ind”, siger kunstneren. “Det er humoristisk, men det handler også om den slags ting, som mennesker gør.”
Faktisk siger Rickus, at hun ofte får sine idéer fra sine medmennesker. “Den måde, hvorpå jeg lader tingene berøre og overlappe og læne sig i mine malerier, er noget, jeg får fra den måde, som mennesker forholder sig til hinanden på,” siger hun. “Jeg ved ikke, hvad jeg ellers ville gøre, og jeg tror, at det er den måde, som beskuerne forholder sig til malerierne på. Selv når jeg ikke bevidst opstiller en menneskelig situation, har folk, der kigger på billedet, en tendens til at bringe deres egne dramaer ind i det.” Langt fra at se stilleben som et sterilt, formelt spil forstår Rickus genren som noget, der reflekterer dybt over hendes liv og livet for dem omkring hende.
En afmålt proces
Genesencen af et maleri af Rickus kombinerer plads til opfindsomhed med en meget disciplineret metodologi. Hendes atelier ligger på en øverste etage i et hus og vender mod nord. Dette sted giver hende et stabilt, køligt lys en stor del af dagen. Hun bruger aldrig fotografering.
Når hun har valgt genstande til et nyt maleri, går hun i gang med at arrangere og omarrangere dem i kombination med duge eller stoffer. Undervejs afvejer hun de forskellige overvejelser om abstrakt design, farvekoordinering og ikonografi. Når hun er tilfreds med arrangementet, spænder hun et lærred af passende størrelse op. Da hun maler i naturlig størrelse, er det i høj grad objekterne i opstillingen og kompositionens proportioner, der bestemmer lærredets dimensioner. “Jeg måler den faktiske komposition på bordet og tager højde for en lige stor margen på hver side og et tillæg i top og bund,” siger kunstneren.
Lag på lag
Rickus fortsætter sine forberedelser ved at påføre otte fortyndede lag akrylgesso på lærredet. Hun sliber mellem de fleste lag for at opnå en glat overflade. Derefter påfører hun et tyndt lag akrylmaling for at farve hele lærredet. “Jeg bruger en rå umbrafarvet vask, men jeg kunne sagtens forestille mig at bruge en hvilken som helst neutral farve – sort, blågrå eller andre brune farver”, siger hun.
Rickus bruger derefter en T-kvadrat til at tegne en blyantlinje på lærredet, som angiver bordpladen i hendes opsætning. Hun tilføjer små blyantstreger for at vise, hvor kompositionen vil begynde og slutte til venstre og højre for hendes overflade. “Da jeg arbejder i naturlig størrelse, måler jeg ofte, så godt jeg kan, de genstande, jeg skal male, for at få en god tilnærmelse af størrelsesforholdene”, siger kunstneren.
“Jeg laver også nogle blyantmærker til disse. Derefter presser jeg maling på min palet, de farver, som jeg tror, jeg skal bruge til de objekter, jeg har foran mig. Jeg begynder på venstre side og skitserer det første objekt med min pensel og den passende farve. Mit håb er, at når jeg kommer til den anden side af billedet, vil jeg ikke være for langt fra mit blyantmærke i højre margen.” Det er her værd at bemærke, at Rickus ikke opbygger et monokromt undermaleri; hun begynder med direkte udsagn om den farve, hun har foran sig.
Korrektioner og farver
Har Rickus skitseret hele billedet ind, foretager hun derefter de justeringer, der er nødvendige for at stabilisere kompositionen og korrigere tegningen. Derefter begynder hun lagvisningen, hvor hun langsomt fører hele maleriet til ende.
Rickus arbejder med syntetiske pensler af beskeden størrelse og opbygger malingen med små strøg, mens hun udforsker de subtile variationer af farver på tværs af overfladerne. Hun bruger ikke en viftepensel eller noget andet blandingsværktøj. Senere i processen tilføjer hun Winsor & Newton Liquin til malingen. Dette skaber større gennemsigtighed og dybde, når hun glaserer farven over de mere faste lag nedenunder.
“Hvert objekt arbejder ud fra det andet,” siger hun, “og efterhånden som et objekt kommer tættere på at være færdigt, skal det næste objekt komme op på udviklingen af det foregående.” Et af de spørgsmål, som Rickus skal løse i denne fase, er hendes valg af baggrundsfarve. “Det er en af de vanskeligste dele af maleriet,” siger hun. “Baggrundene er normalt en eller anden grå nuance – varm, kold, brunlig eller blålig. Men det er altid svært at finde den rigtige farve eller tone, der passer til alle genstande i maleriet. Det er ofte et spørgsmål om at prøve sig frem.”
Refleksioner
Mens hun maler, kigger Rickus fra tid til anden på sit værk i et spejl. Denne strategi gør det muligt for hende at se værket med et nyt øje. Ofte afslører dette eventuelle fejl i tegningen eller svagheder i gengivelsen. Om aftenen tager hun maleriet med ind i et andet rum, så hun kan se på det i et andet lys. Dette tiltag genopfrisker ikke blot hendes syn, men hjælper hende også til at forstå, hvordan maleriet kan se ud i en anden kontekst.
Eventuelt må Rickus beslutte, hvornår hun skal stoppe. “Jeg kan ikke sige, hvordan jeg ved, hvornår et maleri er færdigt,” siger hun, “bortset fra at det er ensartet færdigt, og at intet ved det generer mig.”
Når et billede er færdigt, en opgave, der tager mellem to og fire uger, lader Rickus det tørre yderligere et par uger, før hun påfører en blanding af mat og blank lak for at udjævne maleriets finish og tilføje en vis grad af beskyttelse.
En scene for kreativ leg
Rickus’ malerier har et ensartet udseende, noget, der udspringer af kunstnerens visioner, men også af hendes forpligtelse til en ensartet tilgang. Alle malerierne er malet i det samme lys med staffeliet i samme afstand fra objekterne. Betragtningsvinklen, et niveau lige over bordpladen, ændres aldrig, og valget af en forholdsvis neutral baggrundsfarve forekommer i alle malerierne.
Fordelen ved at begrænse disse variabler strengt er, at kunstneren selv definerer den scene, som hun vil være kreativ på. I stedet for at begrænse hendes kreativitet giver disse begrænsninger hende mulighed for at fokusere, mens hun udforsker en bred og fascinerende vifte af idéer.
The Games She Plays
I A Bird Painting (ovenfor) inkorporerer Rickus f.eks. flere billeder af fugle og etablerer en legende korrespondance mellem tredimensionelle og flade repræsentationer. En grøn fugl af keramik forankrer kompositionen. Men fugle optræder også i hvert af objekterne: trykt på stoffet, malet på krukken, skulptureret på grydehåndtaget og udskåret i relieffet på væggen. “Det tog et stykke tid at samle alle objekterne til maleriet”, siger Rickus. “Jeg gennemsøgte antikvitetsforretninger og venners huse for at finde ting med fuglebilleder.” Hun besøgte stofbutikker, men kunne ikke finde et passende fugleprint. “Til sidst fandt jeg printet på et hjemmelavet forklæde i en lokal håndværksbutik,” husker hun. “Jeg tog forklædet fra hinanden og lavede det om til dugen til maleriet.” Hun fandt krukken i den samme håndværksbutik og købte den grønne keramiske due på eBay.
Hun spiller en anden slags spil i Above and Below, hvor en stor gruppe genstande, herunder en kande med et farverigt malet blomstermønster, sidder oven på et udvalg af stoffer, hvis farver afspejler genstandenes farver. Det er næsten, som om den nederste del af maleriet er en slags abstraktion af genstandene ovenover.
En mere bogstavelig legesyge er på spil i At Rest (nedenfor), hvor en stor kalabas hviler lidt grotesk på en pude i fuld størrelse, som et sovende barn. “Hvert år om efteråret går jeg til bondens stand, og jeg finder altid noget, der er smukt og vidunderligt”, siger Rickus.
“I år så jeg denne enorme kalabas – og den var virkelig enorm. Den var lang, men også meget fed. Der var bare noget ved den, der appellerede til mig på samme måde som en tyk baby måske gør: Man har bare lyst til at kramme den, men man har også lidt dårlig samvittighed, fordi den er så tyk. Men den ser bare så omfavnende ud! Mit hjerte gik til den. Jeg tog den med hjem. Og så tænkte jeg: ‘Den er så speciel, at jeg er nødt til at lægge den på en pude’.” Det færdige maleri har en stille bizar fornemmelse, en blidt humoristisk surrealisme.
Hidden Meanings
En næsten privat leg er i gang i The Gift (øverst på siden), hvor en gruppe genstande er let omsluttet af et bånd med en sløjfe. “Jeg har en gruppe mennesker, som har været mine bedste venner siden teenageårene,” siger Rickus. “Og jeg besluttede, at jeg ville lave et maleri om os, men jeg var nødt til at arbejde inden for mine begrænsninger. Jeg bad dem alle om at vælge en grøntsag eller en frugt.”
Rickus fortæller, at hun i begyndelsen ikke kunne finde det rigtige objekt til sin egen repræsentation, noget, der ville være meningsfuldt, men som også ville forankre kompositionen. “Til sidst fandt jeg frem til denne kande, en kande, som min bedstemor gav min mor,” siger hun. “Det hele er meget personligt. Jeg satte båndet rundt om det hele for at binde det hele sammen, som i et venskab. Jeg formoder, at en beskuer aldrig vil kunne se denne fortolkning, men jeg håber, at energien og følelsen stadig gør noget.”
Rickus har planer om at fortsætte med at arbejde på denne måde inden for en overskuelig fremtid. “Jeg bliver bare ved med at komme på ideer,” siger hun og bemærker, at hun er glad for at arbejde inden for de rammer, hun har sat sig. Hun bemærker, at hendes arbejde er blevet skarpere og mere kvalificeret med årene, hvilket hun tydeligvis er stolt af. Med større kontrol vil der uden tvivl komme endnu mere subtile spil og strategier og nye dybder af følelser. Kunstneren ser frem til det.
Materialer
- OVERFLADE: medium-tekstureret ugrundet bomuldsand på kraftige spændbånd og grundet med Utrecht Professional Acrylic Gesso
- OILER: Old Holland, Holbein og Winsor & Newton
- MEDIUM: Winsor & Newton Liquin, lugtfri malingfortynder
- VARNISH: Liquitex Soluvar Varnish, mat og blank, i en 1-1 blanding
- PENSLER: Loew- Cornell No. 1 hvid nylon flad bejdse; Utrecht No. 8 hvid nylon rund; Princeton Nos. 2, 4, 6 og 8 nylon filberts
- ANDET: 11×15 por- celain emaljeret slagterbakke til en palet, håndtagel, mahl pind, T firkant
Om kunstneren
Under Janet Rickus’ sidste to år på Central Connecticut State University (New Britain), hvor hun skulle tage en bachelorgrad i erhvervspædagogik, tog hun nogle få kunstkurser uden at have til hensigt at gøre karriere inden for dette område. Efter college fortsatte hun med at tage lejlighedsvise kunstkurser og begyndte at udstille bredt og modtage hædersbevisninger. Gallery Henoch (New York City), Clark Gallery (Lincoln, Mass.) og Quidley & Company (Boston og Nantucket, Mass.) repræsenterer hendes værker. Du kan se flere af hendes malerier på artsy.net/artist/janet-rickus. Foto af Dorothy Rickus.
John A. Parks er både kunstner og forfatter. Hans seneste bog er Universal Principles of Art: 100 Key Concepts for Understanding, Analyzing and Practicing Art (Universelle kunstprincipper: 100 nøglebegreber til forståelse, analyse og udøvelse af kunst). Besøg hans hjemmeside på johnaparks.com.
Du vil måske også kunne lide:
- Worlds of Whimsy:
- Stilllebenkompositioner gjort moderne
- Gratis e-bog: “Vildt nostalgisk pastel stilleben”: E-bog: Stilleben-maleteknikker & Inspiration