OriginsEdit
Som fransk komponist i begyndelsen af det 20. århundrede brugte Erik Satie sådanne dadaistisk inspirerede udforskninger til at skabe en tidlig form for ambient/baggrundsmusik, som han kaldte “møbelmusik” (Musique d’ameublement). Dette beskrev han som værende den slags musik, der kunne spilles under en middag for at skabe en baggrundsstemning for denne aktivitet, snarere end at tjene som fokus for opmærksomheden.
Med sine egne ord søgte Satie at skabe “en musik … som vil være en del af omgivelsernes lyde, vil tage dem i betragtning. Jeg tænker på den som melodisk, som blødgør lydene fra knive og gafler ved middagen, som ikke dominerer dem, som ikke påtvinger sig selv. Den ville udfylde de tunge tavsheder, som nogle gange opstår mellem venner, der spiser sammen. Den ville spare dem for besværet med at være opmærksomme på deres egne banale bemærkninger. Og samtidig ville den neutralisere de gadelyde, som så indiskret blander sig i samtalens spil. At lave en sådan musik ville være at reagere på et behov.”
I 1948 opfandt den franske komponist og ingeniør Pierre Schaeffer begrebet musique concrète. Denne eksperimenterende musikstil brugte optagelser af naturlige lyde, som derefter blev ændret, manipuleret eller effektueret for at skabe en komposition. Schaeffers teknikker med brug af båndsløjfer og splejsning anses for at være forløberen for den moderne sampling.
I 1952 udgav John Cage sin berømte trestrengede komposition 4’33, som er en forestilling med fuldstændig stilhed i fire minutter og treogtredive sekunder. Værket har til formål at indfange de omgivende lyde fra det sted, hvor opførelsen finder sted, og lade det være den musik, der spilles. Cage er blevet nævnt af skelsættende kunstnere som Brian Eno som en indflydelse.
1960’erneRediger
I 1960’erne eksperimenterede mange musikgrupper med usædvanlige metoder, og nogle af dem skabte det, der senere blev kaldt ambient musik.
I sommeren 1962 grundlagde komponisterne Ramon Sender og Morton Subotnick The San Francisco Tape Music Center, der både fungerede som et studie for elektronisk musik og et koncertsted. Andre komponister, der arbejdede med båndoptagere, blev medlemmer og samarbejdspartnere, herunder Pauline Oliveros, Terry Riley og Steve Reich. Deres kompositioner bidrog bl.a. til udviklingen af minimalmusik (også kaldet minimalisme), som deler mange begreber med ambientmusikken, f.eks. gentagne mønstre eller pulser, faste droner og konsonantharmonier.
I slutningen af 60’erne komponerede den franske komponist Éliane Radigue flere stykker ved at bearbejde båndsløjfer fra tilbagekoblingen mellem to båndoptagere og en mikrofon. I 70’erne gik hun derefter over til at komponere lignende musik næsten udelukkende med en ARP 2500 synthesizer, og hendes lange, langsomme kompositioner er ofte blevet sammenlignet med dronemusik.
I 1969 udførte gruppen COUM Transmissions soniske eksperimenter i britiske kunstskoler. Der blev udgivet mange stykker ambientmusik i England og USA mellem slutningen af 1960’erne og 1990’erne. Blandt 1960’ernes musik med ambientelementer kan nævnes Music for Yoga Meditation and Other Joys og Music for Zen Meditation af Tony Scott samt Soothing Sounds for Baby af Raymond Scott.
1970’erneRediger
Ambientmusikken udviklede sig i 1970’erne og stammede fra periodens eksperimentelle og synthesizer-orienterede stilarter.
Mellem 1974 og 1976 skabte den amerikanske komponist Laurie Spiegel sit banebrydende værk The Expanding Universe, skabt på et computer-analogt hybridsystem kaldet GROOVE. I 1977 blev hendes komposition Music of the Spheres medtaget på Voyager 1 og 2’s Golden Record.
I april 1975 gav Suzanne Ciani to optrædener på sin Buchla-synthesizer – en i WBAI Free music store og en i Phil Niblocks loft. Disse optrædener blev udgivet på et arkivalbum i 2016 med titlen Buchla Concerts 1975. Ifølge pladeselskabet var disse koncerter dels en livepræsentation, dels en ansøgning om tilskud og dels en undervisningsdemonstration.
Det var dog først, da Brian Eno opfandt begrebet i midten af 70’erne, at ambient-musik blev defineret som en genre. Eno indspillede i 1975 Discreet Music med dette for øje og foreslog, at man skulle lytte til den på “forholdsvis lavt niveau, endda i en sådan grad, at den ofte falder under tærsklen for hørbarhed”, med henvisning til Saties citat om sin musique d’ameublement.
Andre samtidige musikere, der skabte musik i ambient-stil på det tidspunkt, omfattede jamaicanske dub-musikere som King Tubby, japanske komponister af elektronisk musik som Isao Tomita og Ryuichi Sakamoto samt de psykoakustiske lydlandskaber i Irv Teibels Environments-serie, og tyske bands som Popol Vuh, Ash Ra Tempel og Tangerine Dream.
Den indflydelse, som fremkomsten af synthesizeren i moderne musik havde på ambient som genre, kan ikke overvurderes; som Ralf Hutter fra de tidlige elektroniske pionerer Kraftwerk sagde i et interview med Billboard i 1977: “Elektronik er hinsides nationer og farver…med elektronik er alt muligt. Den eneste grænse ligger hos komponisten”. Yellow Magic Orchestra udviklede en særlig stil af ambient elektronisk musik, som senere skulle udvikles til ambient house-musik.
Brian EnoRediger
Den engelske producer Brian Eno er krediteret for at have præget begrebet “ambient musik” i midten af 1970’erne. Han sagde, at andre kunstnere havde skabt lignende musik, men at “jeg gav det bare et navn. Hvilket er præcis, hvad det havde brug for … Ved at give noget et navn skaber man en forskel. Man siger, at dette nu er virkeligt. Navne er meget vigtige.” Han brugte udtrykket til at beskrive musik, der adskiller sig fra former for dåsemusik som Muzak.
I liner notes til sit album Ambient 1: Music for Airports fra 1978 skrev Eno:
Hvor de eksisterende dåsemusikfirmaer går ud fra at regulere miljøer ved at dække deres akustiske og atmosfæriske idiosynkrasier, er Ambient Music beregnet til at forbedre disse. Hvor konventionel baggrundsmusik produceres ved at fjerne enhver følelse af tvivl og usikkerhed (og dermed enhver ægte interesse) fra musikken, bevarer Ambient Music disse kvaliteter. Og mens det er hensigten at “lysne” omgivelserne ved at tilføre dem stimulans (og dermed angiveligt lette rutineopgavernes kedsommelighed og udjævne kroppens naturlige op- og nedture), er det hensigten med Ambient Music at skabe ro og et rum til at tænke. Ambient Music skal kunne rumme mange niveauer af lytteopmærksomhed uden at fremtvinge et bestemt; den skal være lige så ignorabel, som den er interessant.
Eno, der beskriver sig selv som “ikke-musiker”, kaldte sine eksperimenter for “behandlinger” snarere end traditionelle optrædener.
1980’erneRediger
I slutningen af 70’erne begyndte new age-musikeren Laraaji at gå på gaden i New Yorks parker og på fortove, herunder Washington Square Park. Det var der, at Brian Eno hørte Laraaji spille og spurgte ham, om han havde lyst til at indspille et album. Day of Radiance, der blev udgivet i 1980, var det tredje album i Enos Ambient-serie. Selv om Laraaji allerede havde indspillet en række album, gav dette album ham international anerkendelse. I modsætning til de andre album i serien indeholdt Day of Radiance hovedsagelig akustiske instrumenter i stedet for elektronik.
I midten af 1980’erne øgedes mulighederne for at skabe et lydlandskab gennem brugen af sampling. I slutningen af 1980’erne var der en voldsom stigning i inddragelsen af computeren i skrive- og indspilningsprocessen af plader. Den 16-bit Macintosh-platform med indbygget lyd og sammenlignelige IBM-modeller ville finde vej til musikeres og pladeproducenters studier og hjem.
Men mange kunstnere arbejdede dog stadig med analoge synthesizere og akustiske instrumenter til at producere ambientværker.
I 1983 indspillede Midori Takada sin første solo-LP Through The Looking Glass på to dage. Hun spillede alle dele på albummet med diverse instrumenter, herunder slagtøj, marimba, gong, rørorgel, klokker, ocarina, vibrafon, klaver og Coca-Cola-flasker af glas.
Mellem 1988 og 1993 producerede Éliane Radigue tre timelange værker på ARP 2500, som senere blev udgivet sammen som La Trilogie De La Mort.
I 1988 opfandt Pauline Oliveros, der er stiftende medlem og leder af San Francisco Tape Music Centre, udtrykket “deep listening” efter at have indspillet et album i en stor underjordisk cisterne i Washington med en efterklangstid på 45 sekunder. Begrebet Deep Listening blev derefter til “en æstetik baseret på principper for improvisation, elektronisk musik, ritualer, undervisning og meditation”.
1990’erneRediger
I begyndelsen af 1990’erne fik kunstnere som The Orb, Aphex Twin, Seefeel, The Irresistible Force, Biosphere og Higher Intelligence Agency kommerciel succes og blev af den populære musikpresse omtalt som ambient house, ambient techno, IDM eller blot “ambient”. Udtrykket chillout stammer fra den britiske ecstasykultur, som oprindeligt blev anvendt i afslappede downtempo-“chillout-rum” uden for det store dansegulv, hvor der blev spillet ambient-, dub- og downtempo-beats for at lindre det trippende sind.
London-kunstnere som Aphex Twin (specifikt: Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76:14, 1994), The Future Sound of London (Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), The Black Dog (Temple of Transparent Balls, 1993), Autechre (Incunabula, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada og The KLF’s Chill Out, (1990), var alle med til at popularisere og diversificere ambientmusikken, hvor den blev brugt som et beroligende pusterum i forhold til intensiteten i den hardcore og techno, der var populær på det tidspunkt.
Andre globale ambientkunstnere fra 1990’erne omfatter de amerikanske komponister Stars of the Lid (som udgav 5 album i løbet af dette årti) og den japanske kunstner Susumu Yokota, hvis album Sakura (1999) indeholdt det, som magasinet Pitchfork kaldte “drømmende, bearbejdet guitar som et karakteristisk lydværktøj”.
2000’erne-nutidRediger
Ambient musik fortsatte med at vinde popularitet i 2000’erne med en række etablerede og nye kunstnere udgav værker, der blev anmelderroste.
I 2011 udgav den amerikanske komponist Liz Harris, der indspiller som Grouper, albummet AIA: Alien Observer, der af Pitchfork blev opført som nummer 21 på deres “50 Best Ambient Albums of All Time”.
I 2011 udgav Julianna Barwick sit første fuldlængdealbum The Magic Place. Barwick er stærkt påvirket af sine barndomsoplevelser i et kirkekor og looper sin ordløse vokal ind i æteriske lydlandskaber. Det blev opført som nummer 30 på Pitchfork’s 50 Best Ambient Albums of All Time.
I oktober 2014 udgav et tidligere riot-grrrl-bandmedlem Jo Johnson et uventet debutalbum, Weaving. Med repetitive sekvenser, arpeggioer og droner beskrev magasinet Pitchfork albummet som “et bemærkelsesværdigt gennemført take på ambientmusik”.
Efter flere selvudgivne album blev Buchla-komponist, producer og performer Kaitlyn Aurelia Smith i 2015 signet af det uafhængige pladeselskab Western Vinyl. I 2016 udgav hun sit andet officielle album EARS. Det parrede Buchla-synthesizeren med traditionelle instrumenter, og hendes kompositioner blev sammenlignet med Laurie Spiegel og Alice Coltrane. Kaitlyn har også samarbejdet med en anden kendt Buchla-kunstner, Suzanne Ciani.
I slutningen af 2000’erne og 2010’erne fik ambientmusikken også stor anerkendelse på YouTube, og de uploadede stykker, der normalt er mellem 1 og 8 timer lange, fik over millioner af hits. Sådanne videoer har normalt titlen eller er generelt kendt som “afslappende musik” og kan være påvirket af andre musikgenrer. Ambient-videoer hjælper online lyttere med yoga, studier, søvn (se musik og søvn), massage, meditation og med at opnå optimisme, inspiration og skabe en fredelig atmosfære i deres værelser eller andre omgivelser.
Problemer med at afspille denne fil? Se mediehjælp.
Mange uploadede ambient-videoer har tendens til at være påvirket af biomusik, hvor de indeholder lyde fra naturen, selv om lydene ville blive modificeret med reverbs og delay-enheder for at lave rumlige versioner af lydene som en del af ambienten. Sådanne naturlyde omfatter ofte lyde fra bl.a. en strand, regnskov, tordenvejr og regnvejr, og der anvendes også vokaliseringer fra dyr som f.eks. fuglesang. Stykker, der indeholder binaurale beats, er også almindelige og populære uploads, som giver musikterapi og stresshåndtering for lytteren.
Verificerede YouTube-kanaler, som f.eks. med den passende titel Ambient, har over 400.000 abonnenter. Andre verificerede kanaler, der også udgiver ambient musik, omfatter bl.a. Meditation Relax Music, der har over 1 million abonnenter, Soothing Relaxation med tre millioner abonnenter og Relaxing White Noise med over 500.000 abonnenter. iTunes og Spotify har digitale radiostationer med ambient musik, som for det meste er produceret af uafhængige mærker.
Akkommenteret ambient musik fra denne æra (ifølge magasinet Pitchfork) omfatter værker af Max Richter, Julianna Barwick, Grouper, William Basinski og den elektroniske kunstner Oneohtrix Point Never.