Janet Rickus ger en mycket modern look och känsla till en gammal hederlig genre.
av John A. Parks
I Janet Rickus händer blir stilleben stilfulla, moderna och elektriska. Många av de föremål och rekvisita som hon arbetar med – frukt, grönsaker och keramik – har varit en del av genren i århundraden. Men Rickus hittar nya och överraskande sätt att posera och arrangera traditionella element. Hon lägger också till kuriosa, ett modernt tygtryck eller ett ovanligt keramikstycke som signalerar något tydligt nutida. Denna känsla förstärks av målningarnas övergripande utseende; det finns en skarp klarhet där varje objekt är fullt realiserat i ett kristallklart, svalt dagsljus.
Objekt som metaforer
Bortom elegansen i sina kompositioner bär Rickus målningar med sig flera lager av betydelse; de har ofta en djupt känd innebörd för konstnären. ”Stilleben har liv”, säger hon, ”en koppling till människor och natur som jag älskar. Det är inte bara att måla objekt för mig. Frukterna och grönsakerna, som är vackra i sin egen rätt och ofta har suggestiva former, gör det möjligt för mig att föra in observationer av livet i målningarna. Keramik, ny eller gammal, med sina dekorativa eller användbara funktioner, ger sin egen historia och en koppling till livet bakom den.”
Rickus uttrycker sin respekt för de föremål hon målar på ett ovanligt sätt: hon målar allt i sin verkliga storlek. Kalebasser, äpplen, kannor, skålar och tyger mäts och ritas noggrant en till en. ”Jag är inte riktigt säker på hur detta kom till”, säger konstnären. ”Men jag känner att för att representera föremålen måste jag visa dem som de verkligen är. Om de var mindre skulle det inte riktigt vara dem.” Konstnärens identifikation med sina föremål gör också att hon aldrig stympar dem på något sätt. ”Jag kommer aldrig att skära av en frukt eller skära upp något”, säger hon. ”Jag kan helt enkelt inte göra det.”
Relationella kompositioner
Denna känsla av att föremålen i ett stilleben spelar nästan mänskliga roller påverkar det sätt som Rickus organiserar sina kompositioner. I Almost (ovan), till exempel, rör två meloner inte riktigt vid varandra, vilket signalerar något som liknar en mellanmänsklig spänning. Ett annat mycket mänskligt drama återskapas i Being Green (nedan). En grön keramikfågel är placerad bland en grupp naturligt gröna frukter. ”Jag tror att den här målningen handlar om att försöka passa in”, säger konstnären. ”Den är humoristisk, men den handlar också om den typ av saker som människor gör.”
I själva verket säger Rickus att hon ofta får sina idéer från sina medmänniskor. ”Det sätt på vilket jag låter saker röra vid varandra och överlappa varandra och luta sig mot varandra i mina målningar är något jag får från hur människor förhåller sig till varandra”, säger hon. ”Jag vet inte vad jag annars skulle göra, och jag tror att det är så betraktarna förhåller sig till målningarna. Även när jag inte avsiktligt sätter upp en mänsklig situation tenderar människor som tittar på bilden att föra med sig sina egna dramer till den.” Långt ifrån att se stilleben som ett sterilt, formellt spel förstår Rickus genren som något som reflekterar djupt över hennes liv och livet för dem som finns runt omkring henne.
En mätt process
Uppkomsten av en målning av Rickus kombinerar utrymme för uppfinningar med en mycket disciplinerad metodik. Hennes ateljé ligger på en övre våning i ett hus och vetter mot norr. Denna plats ger henne ett stabilt, svalt ljus under större delen av dagen. Hon använder sig aldrig av fotografi.
När hon har valt ut föremål för en ny målning börjar hon arbeta med att arrangera och arrangera om dem i kombination med dukar eller tyger. När hon går vidare väger hon olika överväganden om abstrakt design, färgkoordinering och ikonografi. När hon är nöjd med arrangemanget spänner hon upp en duk av lämplig storlek. Eftersom hon målar i naturlig storlek bestämmer föremålen i uppställningen och kompositionens proportioner till stor del måtten på duken. ”Jag mäter den faktiska kompositionen på bordet och räknar med en lika stor marginal på varje sida och en marginal på toppen och botten”, säger konstnären.
Lager på lager
Rickus fortsätter sina förberedelser genom att applicera åtta förtunnade lager av akrylgesso på duken. Hon slipar mellan de flesta lagren för att få en slät yta. Sedan applicerar hon ett tunt lager akrylfärg för att färga hela duken. ”Jag använder en råumberfärg, men kan lätt tänka mig att använda vilken neutral färg som helst – svart, blågrått eller andra bruna färger”, säger hon.
Rickus använder sedan en T-kvadrat för att rita en blyertslinje på sin duk, som anger bordsskivan i hennes uppställning. Hon lägger till små blyertsmarkeringar för att visa var kompositionen kommer att börja och sluta till vänster och höger om hennes yta. ”Eftersom jag arbetar i naturlig storlek mäter jag ofta, så gott jag kan, de föremål jag ska måla för att få en bra uppskattning av storleksförhållandena”, säger konstnären.
”Jag gör också några blyertsmarkeringar för dessa. Sedan klämmer jag ut färger på min palett, de färger som jag tror att jag kommer att behöva för objekten framför mig. Jag börjar på vänster sida och skissar det första föremålet med min pensel och lämplig färg. Min förhoppning är att när jag kommer till andra sidan av bilden ska jag inte vara alltför långt ifrån min pennamarkering i högermarginalen.” Det är värt att notera här att Rickus inte bygger upp en monokrom undermålning; hon börjar med direkta uttalanden om färgen framför henne.
Korrigeringar och färger
Efter att ha skissat in hela bilden gör Rickus sedan de justeringar som behövs för att stabilisera kompositionen och korrigera teckningen. Hon påbörjar sedan skiktningsprocessen där hon långsamt för hela målningen till fulländning.
Rickus arbetar med syntetiska penslar av blygsam storlek och bygger upp färgen med små drag när hon utforskar de subtila färgvariationerna på olika ytor. Hon använder inte en fläktborste eller något annat blandningsverktyg. Senare i processen tillsätter hon Winsor & Newton Liquin till färgen. Detta skapar större genomskinlighet och djup när hon glaserar färgen över de mer solida lagren under.
”Varje objekt arbetar av det andra”, säger hon, ”och när ett objekt närmar sig fullbordan måste nästa objekt komma upp till det föregående objektets utveckling”. En av de frågor som Rickus måste lösa i detta skede är hennes val av bakgrundsfärg. ”Detta är en av de svåraste delarna av målningen”, säger hon. ”Bakgrunderna är vanligtvis någon grå nyans – varm, kall, brunaktig eller blåaktig. Men det är alltid svårt att få fram rätt färg eller ton som kompletterar varje objekt i målningen. Det är ofta en fråga om trial and error.”
Reflektioner
När hon målar tittar Rickus då och då på sitt arbete i en spegel. Denna strategi gör att hon kan se verket med nya ögon. Ofta avslöjar detta eventuella fel i ritningen eller svagheter i återgivningen. På kvällarna tar hon med sig målningen in i ett annat rum så att hon kan titta på den i ett annat ljus. Detta drag fräschar inte bara upp hennes syn utan hjälper henne också att förstå hur målningen kan se ut i ett annat sammanhang.
Till slut måste Rickus bestämma sig för när hon ska sluta. ”Jag kan inte säga hur jag vet när en målning är färdig”, säger hon, ”förutom att den är enhetligt färdig och att inget i den stör mig.”
När en tavla är färdig, en uppgift som tar mellan två och fyra veckor, låter Rickus den torka ytterligare några veckor innan hon applicerar en blandning av matt och glanslack för att jämna ut målningens yta och lägga till ett visst mått av skydd.
En scen för kreativ lek
Rickus målningar har ett enhetligt utseende, något som framträder ur konstnärens visioner, men också ur hennes engagemang för en enhetlig strategi. Alla målningar är målade i samma ljus med staffliet på samma avstånd från objekten. Betraktningsvinkeln, en nivå strax ovanför bordsskivan, ändras aldrig, och valet av en ganska neutral bakgrundsfärg förekommer i alla målningar.
Fördelen med att strikt begränsa dessa variabler är att konstnären definierar för sig själv den scen på vilken hon kommer att vara kreativ. I stället för att begränsa hennes kreativitet gör dessa begränsningar det möjligt för henne att fokusera när hon utforskar ett brett och fascinerande spektrum av idéer.
The Games She Plays
I A Bird Painting (ovan), till exempel, införlivar Rickus flera bilder av fåglar, vilket skapar en lekfull korrespondens mellan tredimensionella och platta representationer. En grön keramikfågel förankrar kompositionen. Men fåglar förekommer också i vart och ett av objekten: tryckta på tyget, målade på burken, skulpterade på krukväxthandtaget och huggna i reliefen på väggen. ”Det tog ganska lång tid att samla ihop alla föremål till målningen”, säger Rickus. ”Jag letade i antikvariat och i vänners hus efter saker med fågelbilder.” Hon besökte tygbutiker men kunde inte hitta något lämpligt fågeltryck. ”Till slut hittade jag trycket på ett hemmagjort förkläde i en lokal hantverksbutik”, minns hon. ”Jag tog isär förklädet och gjorde det till en duk för målningen.” Hon hittade krukan i samma hantverksbutik och köpte den gröna keramiska duvan på eBay.
Hon spelar en annan typ av spel i Above and Below där en stor grupp föremål, bland annat en kanna med ett färgglatt målat blomstermönster, sitter ovanpå ett urval av tyger vars färger återspeglar föremålens. Det är nästan som om den nedre delen av målningen är ett slags abstraktion av föremålen ovanför.
En mer bokstavlig lekfullhet är i arbete i At Rest (nedan) där en stor kalebass vilar något absurt på en kudde i full storlek, som ett sovande barn. ”Varje år på hösten går jag till bondens stånd, och jag hittar alltid något som är vackert och underbart”, säger Rickus.
”I år såg jag den här enorma kalebassen – och den var verkligen enorm. Den var lång men också väldigt fet. Det var bara något med den som tilltalade mig på samma sätt som en fet bebis kanske gör: man vill bara krama den, men man känner sig också lite dålig för att den är så fet. Men den ser så kramvänlig ut! Mitt hjärta gick till den. Jag tog med den hem. Sedan tänkte jag: ’Den är så speciell att jag måste lägga den på en kudde’.” Den färdiga målningen har en stillsamt bisarr känsla, en försiktigt humoristisk surrealism.
Gömda betydelser
Ett nästan privat spel pågår i The Gift (överst på sidan), där en grupp föremål är lätt omringad av ett band med en rosett. ”Jag har en grupp människor som har varit mina bästa vänner sedan tonåren”, säger Rickus. ”Och jag bestämde mig för att jag ville göra en målning om oss, men jag var tvungen att arbeta inom mina begränsningar. Jag bad dem alla att välja en grönsak eller frukt.”
Rickus säger att hon till en början inte kunde hitta rätt objekt för sin egen representation, något som skulle vara meningsfullt men också förankra kompositionen. ”Till slut kom jag fram till den här kannan, en som min mormor gav till min mor”, säger hon. ”Allt är väldigt personligt. Jag satte bandet runt allt för att binda ihop det hela, som i vänskap. Jag antar att en betraktare aldrig skulle känna till den här tolkningen, men jag hoppas att energin och känslan fortfarande gör något.”
Rickus planerar att fortsätta arbeta på det här sättet inom en överskådlig framtid. ”Jag bara fortsätter att komma på idéer”, säger hon och påpekar att hon är nöjd med att arbeta inom sina ramar. Hon konstaterar att hennes arbete har blivit vassare och skickligare med åren, vilket hon är klart stolt över. Med större kontroll kommer utan tvekan ännu mer subtila spel och strategier och nya djup av känslor. Konstnären ser fram emot det.
Material
- YTTERLÄGE: medium-texturerad, oprimerad bomullsduk på kraftiga bårar och grundad med Utrecht Professional Acrylic Gesso
- OLJOR: Old Holland, Holbein och Winsor & Newton
- MEDIUM: Winsor & Newton Liquin, luktfri färgförtunning
- VARNISH: Liquitex Soluvar Varnish, matt och glans, i en 1-1-blandning
- BRUSHAR: Loew- Cornell No. 1 white nylon flat stain; Utrecht No. 8 white nylon round; Princeton Nos. 2, 4, 6 och 8 nylon filberts
- ÖVRIGT: 11×15 por- celain emaljerad slaktarbricka för en palett, vevstaffel, mahlpinne, T-kvadrat
Om konstnären
Under Janet Rickus sista två år vid Central Connecticut State University (New Britain), där hon skulle ta examen med en kandidatexamen i handelsutbildning, läste hon några konstkurser utan att ha för avsikt att satsa på en karriär inom detta område. Efter college fortsatte hon att ta tillfälliga konstkurser och började ställa ut många konstutställningar och få utmärkelser. Gallery Henoch (New York City), Clark Gallery (Lincoln, Mass.) och Quidley & Company (Boston och Nantucket, Mass.) representerar hennes verk. Se fler av hennes målningar på artsy.net/artist/janet-rickus. Foto av Dorothy Rickus.
John A. Parks är både konstnär och författare. Hans senaste bok är Universal Principles of Art: 100 Key Concepts for Understanding, Analyzing and Practicing Art. Besök hans webbplats på johnaparks.com.
Du kanske också gillar:
- Världar av nyckfullhet: Lekfullt nostalgiska pastellstilleben
- Stillebenkompositioner gjorda moderna
- Gratis e-bok: Eko-utgåva: Teknik för stillebenmålning & Inspiration