Questo pittore contemporaneo di nature morte raggiunge profondità eleganti

Janet Rickus porta un aspetto altamente contemporaneo ad un genere venerabile.

di John A. Parks

Nelle mani di Janet Rickus, le nature morte diventano eleganti, contemporanee ed elettriche. Molti degli oggetti e degli oggetti di scena con cui lavora – frutta, verdura e ceramiche – sono stati punti fermi del genere per secoli. Ma Rickus trova modi nuovi e sorprendenti per mettere in posa e disporre gli elementi tradizionali. Aggiunge anche delle curiosità, una moderna stampa su tessuto o un insolito pezzo di ceramica che segnala qualcosa di distintamente attuale. Questo senso è rafforzato dall’aspetto generale dei dipinti; c’è una chiarezza nitida in cui ogni oggetto è pienamente realizzato in una luce diurna cristallina e fredda.

Oggetti come metafore

Al di là dell’eleganza delle loro composizioni, i dipinti di Rickus portano con loro molteplici strati di significato; spesso hanno un significato profondamente sentito per l’artista. “Le nature morte hanno vita”, dice, “una connessione con le persone e la natura che amo. Non è semplicemente dipingere oggetti per me. La frutta e la verdura, belle di per sé e spesso con forme evocative, mi permettono di portare osservazioni di vita nei dipinti. Il vasellame, nuovo o vecchio, con le sue funzioni decorative o utilitarie, porta la sua storia e una connessione con la vita che c’è dietro.”

Rickus esprime il rispetto per gli oggetti che dipinge in un modo insolito: dipinge tutto nelle sue dimensioni reali. Zucche, mele, brocche, ciotole e tessuti sono tutti attentamente misurati e disegnati uno a uno. “Non so bene come sia successo”, dice l’artista. “Ma sento che per rappresentare gli oggetti, devo mostrarli come sono realmente. Se fossero più piccoli, non sarebbero veramente loro”. L’identificazione dell’artista con i suoi soggetti significa anche che non li mutila mai in alcun modo. “Non taglierò mai un pezzo di frutta o affetterò qualcosa”, dice. “

Composizioni relazionali

Questo senso degli oggetti in una natura morta che giocano ruoli quasi umani influenza il modo in cui Rickus organizza le sue composizioni. In Almost (sopra), per esempio, due meloni non si toccano del tutto, segnalando qualcosa di simile alla tensione interpersonale. Un altro dramma molto umano è messo in scena in Being Green (sotto). Un uccello di ceramica verde è collocato tra un gruppo di frutta verde naturale. “Penso che questo dipinto riguardi il tentativo di inserirsi”, dice l’artista. “

In effetti, Rickus dice che spesso prende le sue idee dai suoi simili. “Il modo in cui le cose si toccano, si sovrappongono e si appoggiano nei miei dipinti è qualcosa che ho preso dal modo in cui le persone si relazionano”, dice. “Non so cos’altro farei, e penso che questo sia il modo in cui gli spettatori si relazionano ai dipinti. Anche quando non sto intenzionalmente mettendo in scena una situazione umana, le persone che guardano il quadro tendono a portarvi i propri drammi”. Lungi dal vedere la natura morta come un gioco sterile e formale, Rickus intende il genere come qualcosa che riflette profondamente sulla sua vita e su quella di coloro che la circondano.

Un processo misurato

La genesi di un dipinto di Rickus combina spazio per l’invenzione con una metodologia altamente disciplinata. Il suo studio si trova al piano superiore di una casa ed è rivolto a nord. Questo punto le dà una luce stabile e fresca per gran parte del giorno. Non usa mai la fotografia.

Avendo scelto gli oggetti per un nuovo quadro, si mette al lavoro disponendoli e riorganizzandoli in combinazione con tovaglie o tessuti. Man mano che procede, soppesa le varie considerazioni sul design astratto, la coordinazione dei colori e l’iconografia. Una volta che è soddisfatta della disposizione, stende una tela della dimensione appropriata. Dato che dipinge a grandezza naturale, gli oggetti nell’allestimento e le proporzioni della composizione determinano in gran parte le dimensioni della tela. “Misuro la composizione attuale sul tavolo, consentendo un margine uguale su ogni lato e un margine sulla parte superiore e inferiore”, dice l’artista.

Layers Upon Layers

Rickus continua la sua preparazione applicando otto strati diluiti di gesso acrilico sulla tela. Sabbia tra la maggior parte degli strati per ottenere una superficie liscia. Poi applica un sottile strato di vernice acrilica per colorare l’intera tela. “Io uso un lavaggio in umbero grezzo, ma potrei facilmente vedermi con qualsiasi colore neutro – nero, blu-grigio o altri marroni”, dice.

Rickus usa poi un quadrato a T per disegnare una linea a matita sulla sua tela, indicando il piano del suo allestimento. Aggiunge piccoli segni a matita per mostrare dove la composizione inizierà e finirà a sinistra e a destra della sua superficie. “Poiché lavoro a grandezza naturale, spesso misuro, come meglio posso, gli oggetti che dipingerò per avere una buona approssimazione dei rapporti di grandezza”, dice l’artista.

“Faccio dei segni a matita anche per questi. Poi spremo i colori sulla mia tavolozza, i colori di cui penso che avrò bisogno per gli oggetti davanti a me. Comincio dal lato sinistro, abbozzando il primo oggetto con il mio pennello e il colore appropriato. La mia speranza è che quando arrivo all’altro lato del quadro, non sarò troppo lontano dal mio segno a matita sul margine destro”. Vale la pena notare qui che Rickus non costruisce un sottodipinto monocromo; inizia con dichiarazioni dirette del colore di fronte a lei.

Correzioni e colori

Dopo aver abbozzato l’intero quadro, Rickus fa tutte le modifiche necessarie per stabilizzare la composizione e correggere il disegno. Poi inizia il processo di stratificazione per portare lentamente l’intero dipinto a compimento.

Rickus lavora con pennelli sintetici di modeste dimensioni, costruendo la pittura con piccole pennellate mentre esplora le sottili variazioni di colore sulle superfici. Non usa un pennello a ventaglio o qualsiasi altro strumento di miscelazione. Più tardi nel processo aggiunge Winsor & Newton Liquin alla pittura. Questo crea una maggiore traslucenza e profondità mentre smaltisce il colore sopra gli strati più solidi sottostanti.

“Ogni oggetto lavora sull’altro”, dice, “e come un oggetto si avvicina al completamento, l’oggetto successivo deve arrivare allo sviluppo di quello precedente”. Una delle questioni che Rickus deve risolvere in questa fase è la scelta del colore dello sfondo. “Questa è una delle parti più difficili del dipinto”, dice. “Gli sfondi sono di solito qualche tonalità di grigio – caldo, freddo, marroncino o bluastro. Ma è sempre difficile ottenere il giusto colore o tono che completi ogni oggetto nel dipinto. È spesso una questione di tentativi ed errori.”

Riflessioni

Mentre dipinge, Rickus guarda di tanto in tanto il suo lavoro in uno specchio. Questa strategia le permette di vedere il pezzo con un occhio nuovo. Spesso questo rivela eventuali errori nel disegno o debolezze nella resa. La sera porta il quadro in un’altra stanza per guardarlo sotto una luce diversa. Questa mossa non solo rinfresca la sua visione, ma la aiuta anche a capire come il dipinto potrebbe apparire in un altro contesto.

Alla fine Rickus deve decidere quando fermarsi. “Non so dire come faccio a sapere quando un quadro è finito”, dice, “tranne che è uniformemente completato e nulla mi disturba.”

Una volta che un quadro è finito, un compito che richiede dalle due alle quattro settimane, Rickus lo lascia asciugare ancora qualche settimana prima di applicare una miscela di vernice opaca e lucida per uniformare la finitura del quadro e aggiungere una misura di protezione.

A Stage for Creative Play

I quadri di Rickus hanno un aspetto coerente, qualcosa che emerge dalla visione dell’artista ma anche dal suo impegno per un approccio uniforme. Tutti i quadri sono dipinti nella stessa luce con il cavalletto alla stessa distanza dagli oggetti. L’angolo di osservazione, un livello appena sopra il piano del tavolo, non cambia mai, e la scelta di un colore di sfondo abbastanza neutro si verifica in tutti i dipinti.

Il vantaggio di limitare rigorosamente queste variabili è che l’artista definisce per sé il palcoscenico su cui sarà creativa. Piuttosto che confinare la sua creatività, questi vincoli le permettono di concentrarsi mentre esplora una vasta e affascinante gamma di idee.

The Games She Plays

In A Bird Painting (sopra), per esempio, Rickus incorpora molteplici immagini di uccelli, stabilendo una corrispondenza giocosa tra rappresentazioni tridimensionali e piatte. Un uccello di ceramica verde àncora la composizione. Ma gli uccelli appaiono anche in ognuno degli oggetti: stampati sul tessuto, dipinti sul vaso, scolpiti sul manico del vaso e scolpiti nel rilievo sul muro. “Ci è voluto un bel po’ di tempo per raccogliere tutti gli oggetti per il dipinto”, dice Rickus. “Ho cercato nei negozi di antiquariato e nelle case degli amici cose con immagini di uccelli”. Ha visitato negozi di tessuti ma non riusciva a trovare una stampa di uccelli adatta. “Alla fine ho trovato la stampa su un grembiule fatto in casa in un negozio di artigianato locale”, ricorda. “Ho smontato il grembiule e ne ho fatto la tovaglia per il quadro”. Ha trovato il vaso nello stesso negozio di artigianato e ha comprato la colomba di ceramica verde su eBay.

Si tratta di un gioco diverso in Above and Below dove un grande gruppo di oggetti, tra cui una brocca con un disegno floreale dipinto in modo colorato, si trova sopra una selezione di tessuti i cui colori riflettono quelli degli oggetti. È quasi come se la sezione inferiore del dipinto fosse una sorta di astrazione degli oggetti sopra.

Un gioco più letterale è all’opera in At Rest (sotto) dove una grande zucca riposa in modo un po’ assurdo su un cuscino a grandezza naturale, come un bambino che dorme. “Ogni anno in autunno vado alla bancarella del contadino e trovo sempre qualcosa di bello e meraviglioso”, dice Rickus.

“Quest’anno ho visto questa zucca enorme – ed era davvero enorme. Era lunga ma anche molto grassa. C’era qualcosa in esso che mi attraeva nel modo in cui un bambino grasso potrebbe: vuoi solo abbracciarlo, ma ti senti anche un po’ male perché è così grasso. Ma ha un aspetto così coccoloso! Il mio cuore è andato verso di lui. L’ho portato a casa. E poi ho pensato: ‘È così speciale che devo metterlo su un cuscino'”. Il dipinto finito ha un’aria tranquillamente bizzarra, un surrealismo delicatamente umoristico.

Significati nascosti

Un gioco quasi privato è in corso in The Gift (inizio pagina), dove un gruppo di oggetti è leggermente circondato da un nastro con un fiocco. “Ho un gruppo di persone che sono i miei migliori amici fin dall’adolescenza”, dice Rickus. “E ho deciso che volevo fare un quadro su di noi, ma dovevo lavorare nei miei limiti. Ho detto a tutti loro di scegliere una verdura o un frutto”.

Rickus dice che all’inizio non riusciva a trovare l’oggetto giusto per la sua rappresentazione, qualcosa che fosse significativo ma che ancorasse anche la composizione. “Alla fine sono arrivata a questa brocca, una che mia nonna ha dato a mia madre”, dice. “È tutto molto personale. Ho messo il nastro intorno a tutto per legare tutto insieme, come nell’amicizia. Suppongo che uno spettatore non saprebbe mai questa interpretazione, ma, spero, l’energia e il sentimento stanno ancora facendo qualcosa.”

Rickus prevede di continuare a lavorare in questo modo per il prossimo futuro. “Continuo ad avere idee”, dice, sottolineando che è felice di lavorare all’interno dei suoi confini. Osserva che il suo lavoro è diventato più nitido e più abile con gli anni, una caratteristica di cui è chiaramente orgogliosa. Con un maggiore controllo arriveranno, senza dubbio, giochi e strategie ancora più sottili, e nuove profondità di sentimento. L’artista non vede l’ora.

Materiali

• SUPERFICIE: anatra di cotone non pretrattata di media consistenza su barelle pesanti e trattata con Utrecht Professional Acrylic Gesso
• OLI: Old Holland, Holbein e Winsor & Newton
• MEDIO: Winsor & Newton Liquin, diluente inodore
• VERNICE: Liquitex Soluvar Varnish, opaco e lucido, in una miscela 1-1
• PENNELLI: Loew- Cornell No. 1 nylon bianco piatto; Utrecht No. 8 nylon bianco rotondo; Princeton No. 2, 4, 6 e 8 nylon filberts
• ALTRO: Vassoio da macellaio smaltato 11×15 per una tavolozza, cavalletto a manovella, mahl stick, T square

A proposito dell’artista

Durante gli ultimi due anni di Janet Rickus alla Central Connecticut State University (New Britain), dove si sarebbe laureata con una laurea in educazione commerciale, ha seguito alcuni corsi d’arte senza alcuna intenzione di perseguire una carriera in quel campo. Dopo il college, ha continuato a prendere lezioni d’arte occasionali e ha iniziato a esporre ampiamente e a ricevere riconoscimenti. Galleria Henoch (New York City), Clark Gallery (Lincoln, Mass.) e Quidley & Company (Boston e Nantucket, Mass.) rappresentano il suo lavoro. Per vedere altri suoi dipinti visita artsy.net/artist/janet-rickus. Foto di Dorothy Rickus.

John A. Parks è un artista e uno scrittore. Il suo ultimo libro è Universal Principles of Art: 100 Key Concepts for Understanding, Analyzing and Practicing Art. Visita il suo sito web all’indirizzo johnaparks.com.

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