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40. Dean Berkeley e il suo Entourage (aka il Gruppo Bermuda)

Pittore: John Smibert ,Anno: 1729-39 circa – George Berkeley lasciò Londra nel 1729 per fondare un college alle Bermuda; lui e il suo entourage si fecero ritrarre per commemorare il loro passaggio. Il dipinto risultante è un pezzo di conversazione: Berkeley riesce ad essere contemporaneamente ben integrato nel gruppo e a distinguersi come un visionario. Guarda verso il cielo per ricevere un messaggio, che trasmette attraverso il motivo a zig zag del tappeto al suo amanuense alla destra dello spettatore. È come un gioco divino di telefono; Il mio telefono, m-m-mio telefono.

39. Morte del generale Wolfe

Pittore: Benjamin West, Anno: 1770 – La morte del generale britannico James Wolfe durante la battaglia di Quebec della Guerra dei Sette Anni è rappresentata da West come se fosse cristologica. In questa scena di neo-lamentazione, Wolfe è circondato durante i suoi ultimi momenti. La scena ha un’impronta unicamente americana grazie alla figura del nativo americano inginocchiato che sembra perso in un pensiero profondo. L’incredibile pittura storica di West fu criticata all’epoca per aver reso i soggetti in abiti contemporanei. Prima del dipinto di West, si pensava che l’abbigliamento classico fosse l’unico modo appropriato per commemorare l’evento.

Watson e lo squalo

Pittore: John Singleton Copley, Anno: 1778 – Watson and the Shark è stato ispirato da un evento che ha avuto luogo nel porto dell’Avana, Cuba. Nel 1749, il quattordicenne Brook Watson fu attaccato da uno squalo mentre nuotava nel porto. I suoi coraggiosi compagni di bordo vennero in suo soccorso. Copley orchestra magistralmente tutti gli elementi della scena turbolenta per il massimo effetto. Copley avrebbe potuto scegliere un momento più drammatico da rappresentare?

George Washington (Athenaeum)

Pittore: Gilbert Stuart, Anno: 1796 – Il dipinto di Stuart è l’esemplare per il ritratto di Washington sulla banconota da un dollaro. È quindi probabilmente il dipinto americano più riprodotto di tutti i tempi. Stuart era anche interessato al dollaro. Riconoscendo il fascino del suo ritratto Athenaeum di Washington, scelse di non finirlo; invece, dedicò il suo tempo a farne il maggior numero possibile di copie. Dollar, dollar bill y’all!

L’artista nel suo museo

Pittore: Charles Wilson Peale, Anno: 1822 – Dal tacchino reso con cura alle gabbie amministrate con precisione e piene di fauna americana, Peale sostiene che l’arte è la trascrizione accurata dei fatti osservabili. Peccato che il suo braccio alzato sembra non avere alcuna connessione con la sua spalla.

Regno pacifico

Pittore: Edward Hicks, Anno: 1825-30 circa – Il predicatore quacchero, Hicks dipinse 61 versioni diverse di questa composizione. Credeva che i suoi dipinti potessero impartire importanti lezioni religiose. Sotto la guida dei quaccheri, l’America è l’Eden dove anche il leone e il bue coesistono pacificamente.

Vista dal Monte Holyoke, Northampton, Massachusetts (The Oxbow)

Pittore: Thomas Cole, Anno: 1836 – Il movimento è la chiave per comprendere questo dipinto. Come si vede da Mount Holyoke, la Oxbow si è formata quando il fiume Connecticut ha spinto oltre le sue rive per creare una forma curva. Se il dipinto è letto da destra a sinistra, il suo stato d’animo è minaccioso; non c’è niente ma tempeste davanti. Letto da destra a sinistra, regna l’ottimismo; la tempesta è passata e ha lasciato il sole nella sua scia.

Il reverendo John Atwood e la sua famiglia

Pittore: Henry F. Darby, Anno: 1845 – L’aspetto iper-reale dei personaggi in questo dipinto potrebbe essere un’indicazione delle pressioni della prima fotografia sulla pratica della pittura. Darby aveva solo diciassette anni quando realizzò questo dipinto del reverendo Atwood e della sua famiglia. L’aspetto pio dei personaggi – leggono cinque bibbie – è giustapposto all’arredamento alla moda e ai tessuti lussureggianti che li circondano.

The Jolly Flatboatman

Pittore: George Caleb Bingham, Anno: 1846 – Gli uomini della barca sul Mississippi sono i soggetti di questo dipinto. La barca ha poco carico, il che suggerisce che sta risalendo il fiume Mississippi. Gli uomini sono liberi di impegnarsi in attività di svago mentre la figura centrale di questa composizione triangolare balla su una melodia che non possiamo sentire.

Gli spiriti affini

Pittore: Asher Brown Durand, Anno: 1849 – Spiriti fu il tributo di Durand al suo caro e defunto amico Thomas Cole. Durand ha creato una perfetta visione composita dei luoghi preferiti di Cole, Kaaterskill Falls e Catskill Cove. Con il suo pennello Cole indica l’aldilà, la sua destinazione finale, mentre il suo amico William Cullen Bryant guarda. Questo dipinto è stato notoriamente acquistato dalla New York Public Library come un diverso tipo di omaggio per il Crystal Bridges Museum di Bentonville, Arkansas.

Washington Crossing the Delaware

Pittore: Emanuel Gottlieb Leutze, Anno: 1851 – Questa rappresentazione della pericolosa traversata di George Washington durante la guerra rivoluzionaria prima della battaglia di Trenton potrebbe essere il più famoso dipinto americano di tutti i tempi. È pensato per essere visto con la Cavalcata delle Valchirie di Wagner che suona in sottofondo.

Il veterano in un nuovo campo

Pittore: Winslow Homer ,Anno: 1865 – In un’evocazione del Tristo Mietitore questo veterano della Guerra Civile, la sua giacca e la sua borraccia scartate in primo piano, raccoglie grano dorato in un campo. La falce è legata al veterano come lo sarebbe stata la sua pistola in tempo di guerra. Allo spettatore è negata la possibilità di vedere il volto del veterano mentre abbatte il grano nel suo fiore all’occhiello; ciò non fa che aumentare i toni cupi del dipinto.

Tra le montagne della Sierra Nevada, California

Pittore: Albert Bierstadt, Anno: 1868 – I bellissimi dipinti di Albert Bierstadt si rivolgevano a un mercato caldo negli anni 1860 per spettacolari vedute delle frontiere della nazione. Bierstadt era un immigrato e un imprenditore laborioso che si era arricchito accoppiando la sua abilità di pittore con un talento per l’autopromozione. Ha presentato le sue tele come eventi teatrali, vendendo biglietti e piantando storie di notizie – strategie che un critico ha descritto come “un vasto macchinario di pubblicità e gonfiezza”. Una tela di Bierstadt veniva elaboratamente incorniciata, installata in una stanza buia e nascosta dietro lussuosi drappi. All’ora stabilita, l’opera fu rivelata da un fragoroso applauso.

27. Ledger Painting (Abbott Ledger Book)

Pittore: Tribù Cheyenne, Anno: 1870 circa – Fino alla seconda metà del diciannovesimo secolo gli indiani delle pianure spesso registravano le loro tradizioni orali in dipinti su rocce, pareti di grotte e tee-pee. Una volta che gli esploratori si incamminarono verso ovest, vennero introdotti i libri mastri e nacque una nuova forma, la pittura del libro mastro. Gli artisti usavano l’acquerello e le matite per catturare eventi importanti. In questo dipinto, un guerriero prende parte ad un raid.

Arrangiamento in grigio e nero: Ritratto della madre del pittore

Pittore: James Abbott McNeill Whistler, Anno: 1871 – Questo dipinto è molto più di un punto della trama di Mr. Bean o il titolo di un episodio di Arrested Development. Alternativamente indicato come un’icona americana o la “Monna Lisa americana”, è un emblema della maternità e dei valori familiari. Rifuggendo da qualsiasi valore sentimentale, Whistler impegnò questo dipinto poco dopo averlo creato, e alla fine finì nel Musée d’Orsay, Parigi.

La Clinica Gross

Pittore: Thomas Eakins, Anno: 1875 – Questo dipinto più “potente, orribile e affascinante” presenta un autoritratto di Eakins come figura seduta che scarabocchia con uno strumento di scrittura che è tanto bisturi quanto penna. Si basa su un intervento chirurgico condotto dal Dr. Gross sul femore canceroso di un giovane uomo a cui Eakins ha assistito. Il dipinto fu rifiutato per la mostra d’arte della Centennial Exposition del 1876; fu relegato ad ornamento nell’esposizione dell’U.S. Army Hospital.

24. Madam Pierre Gautreau (alias Madame X)

Pittore: John Singer Sargent, Anno: 1884 – Scandalo! Quando questo quadro fu esposto al Salon di Parigi del 1884, una cinghia dell’abito del soggetto era caduta sulla sua spalla. Gli spettatori erano titillati e inorriditi. La madre di Madame X chiese che il quadro fosse tolto. Sargent rifiutò con la motivazione che l’aveva dipinta così com’era vestita. In seguito ridipinse la cinghia per farla sembrare più sicura.

23. The Banjo Lesson

Pittrice: Henry Ossawa Tanner, Anno: 1893 – Il dipinto di Tanner è tra i primi a mostrare un ritratto realistico dei neri americani. A quei tempi i neri erano solitamente mostrati in quelli che possono essere educatamente descritti come modi “stereotipati”. Questo piccolo grande dipinto è molto sensibile nella sua rappresentazione di come la conoscenza viene trasmessa alle giovani generazioni. Questo rende il banjo una metafora per la conoscenza e la saggezza delle persone più anziane.

Stag at Sharkeys

Pittore: George Bellows, Anno: 1909 – Bellows era un giocatore di baseball per lo più professionista – diventato artista. Di conseguenza, è particolarmente attento ai pugili/stagisti che si scontrano sul ring. La volgarità grintosa e sporca del combattimento si ripercuote nel pubblico, specialmente la figura all’estremità del ring che sembra violenta come l’evento a cui assiste.

21. Ritratto di un ufficiale tedesco . Ritratto di ufficiale tedesco

Pittore: Marsden Hartley ,Anno: 1914 – Il ritratto di Hartley di un amico caduto, Karl von Freyburg, è inondato di simboli e colori tumultuosi. La tavolozza è fauvista, mentre la vista frammentata è il cubismo standard. Il numero quattro potrebbe essere un riferimento al reggimento del suo amico, mentre ventiquattro segna l’età in cui il suo caro amico è stato ucciso. Molti studiosi hanno attribuito la natura profondamente emotiva del ritratto al fatto che Freyburg e Hartley potrebbero essere stati amanti.

Brooklyn Bridge

Pittore: Joseph Stella,Anno: 1919-1920 – Anche se Stella non ha riprodotto fedelmente il ponte, la sua abile composizione contiene gli elementi più sorprendenti del ponte, comprese le passerelle pedonali, gli archi gotici e la selva di fili e cavi. Il rosso infernale alla base del dipinto è giustapposto all’azzurro celeste che è il centro della composizione. Il dipinto di Stella è affettivo e più evocativo di quanto lo sarebbe una trascrizione letterale del ponte.

The Problem We All Live With

Pittore: Norman Rockwell, Anno: 1964 – Cosa posso dire? Questo è un dipinto molto commovente fatto da un leggendario e grande americano. Norman Rockwell era famoso per le sue illustrazioni per il Saturday Evening Post. Era anche un pittore molto abile. Quest’opera mostra la sua sensibilità verso il movimento americano per i diritti civili. L’azione racconta la storia di Ruby Bridges. Era una bambina afroamericana di sei anni che rompeva la barriera del colore in una scuola pubblica di New Orleans tutta bianca. Questa coraggiosa bambina affrontò le prese in giro di una folla di bianchi arrabbiati.

Gotico Americano

Pittore: Grant Wood, Anno: 1930 – Sì, so che avete già visto questo quadro; ma l’avete veramente guardato? Se sì, vedresti che il dipinto è rigorosamente organizzato. Il forcone nella mano dell’uomo è rispecchiato da un modello simile nelle cuciture della sua tuta. Le strisce della sua camicia fanno eco alle assi della casa e del fienile dietro di lui. La donna è legata alla composizione attraverso il motivo dei cerchi sulla sua camicia, che fanno rima con gli occhiali sul volto dell’uomo. Nella rima finale, la coppia è resa in modo rigido, che alla fine risuona con la superficie stessa su cui è dipinta: una tavola.

Jack-in-the-Pulpit

Pittore: Georgia O’Keeffe, Anno: 1930 – Grattacieli, teschi o *ahem* fiori, O’Keeffe ha usato la stessa tecnica per raffigurarli tutti. Ingrandisce il soggetto fino ai bordi della cornice, ottenendo una rappresentazione completamente frontale e sovradimensionata. Tutto ciò che O’Keeffe cattura assume così una qualità totemica: è da venerare.

16. The Migration Series, Panel 1

Pittore: Jacob Lawrence, Anno: 1940 – The Migration Series (1940-41) di Jacob Lawrence, una sequenza di 60 dipinti, raffigura il movimento di massa degli afroamericani dal sud rurale al nord urbano tra la prima e la seconda guerra mondiale – uno sviluppo che aveva ricevuto poca attenzione pubblica precedente.

Nighthawks

Pittore: Edward Hopper, Anno: 1942 – Stranamente, per essere un dipinto che gronda di sentimenti di solitudine e straniamento, è di buona compagnia. Il look di Blade Runner ne è stato ispirato. Wim Wenders ha notoriamente ricreato questa scena per un film nel film in History of Violence. I Simpson l’hanno presentata in modo prominente in un episodio. Tom Waits ha scritto un album di canzoni ispirate ad essa. Gottfried Helnwein rimpiazzò i personaggi con Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, James Dean ed Elvis in Boulevard of Broken Dreams. Joyce Carol Oates scrisse un romanzo dando una vita interiore ai personaggi raffigurati.

Libertà dal bisogno

Pittore: Norman Rockwell, Anno: 1943 – Rockwell dipinse un quartetto di tele per la Four Freedoms Series ispirata da un discorso di FDR; le Quattro Libertà includevano la libertà di espressione, la libertà di culto, la libertà dalla paura e la libertà dal bisogno. Freedom from Want fu riprodotto in un’edizione del Saturday Evening Post, un luogo dove molti americani videro le iconiche immagini domestiche di Rockwell. Questo dipinto è emblematico dell’inquietante nostalgia di Rockwell: tutto va per lo più bene, tranne lo strano ragazzo nella parte posteriore della composizione.

Christina’s World

Pittore: Andrew Newell Wyeth, Anno: 1948 – Forse perché è stato frainteso come una rappresentazione dell’angoscia adolescenziale, per decenni Christina’s World è stato un punto fermo dei poster dei dormitori. La donna effettivamente raffigurata nel dipinto è Christina Olson, una donna paralizzata dalla vita in giù a causa di una malattia degenerativa. Wyeth impregna la scena di emozione – anche per lo spettatore che non è consapevole della situazione della Olson – attraverso la linea tesa, ma invisibile, che si estende tra la sua testa e la cima della casa. La destinazione di Christina sembra impossibilmente lontana.

Uno: Numero 31

Pittore: Jackson Pollock, Anno: 1950 – Pollock lavorava notoriamente con la tela sul pavimento, usando qualsiasi mezzo necessario per far muovere la pittura. Pollock ammise che questi dipinti apparentemente astratti “a goccia” erano a volte rappresentativi, aggiungendo che “quando stai lavorando dal tuo inconscio, le figure sono destinate ad emergere.” Lasciate che ve lo traduca: guardate qualcosa abbastanza a lungo e vedrete…

Three Flags

Pittore: Jasper Johns, Anno: 1958 – Qui, Johns riesce a spogliare la bandiera di gran parte del suo significato simbolico. Invece costringe lo spettatore a concentrarsi sulle superfici riccamente dipinte e sulla profondità creata impilando tre tele una sull’altra.

Elegia alla Repubblica Spagnola

Pittore: Robert Motherwell, LXX Anno: 1961 circa – Motherwell era solo un adolescente durante la guerra civile spagnola, ma questa lo colpì profondamente. Ha fatto più di 200 dipinti su questo tema. Potrei fare una discussione qui per simboli, forme e astrazione, ma chiamiamo semplicemente un pene, un pene.

9. Marilyn Diptych

Pittore:Andy Warhol, Anno: 1962 – La sua arte si concentrava sulla cultura popolare celebrando i valori sociali e materiali della classe media che aveva assorbito crescendo tra la Depressione. Lo studio industriale che chiamò fabbrica cambiò il suo stile dalla pittura a mano alla serigrafia a catena di montaggio su tela. L’immagine continua suggerisce il simbolo dell’immagine in movimento che ha reso Marilyn Monroe così famosa. La foto è della Monroe la star non la persona. Utilizzando il formato dittico delle icone bizantine dei santi cristiani, mostra Marilyn in proporzioni bibliche. Porta lo spettatore a riflettere sulla vita della Monroe per ottenere il proprio significato del pezzo.

Sugar Shack

Pittore: Ernie Barnes,Anno: ca. 1972 – Ohhh, pensavate che J.J. di Good Times avesse dipinto questo? No. L’ha fatto Ernie Barnes AKA la decima scelta della NFL del 1960. Ha attinto alla sua infanzia meridionale e alla sua esperienza atletica per rendere corpi fluidi in uno stile che è più manierista che “Dy-no-mite!”

Robert Colescott Pagina da un libro di testo di storia americana

Pittore: Robert H. Colescott, Anno: 1975 – La satira è il nome del gioco di Colescott. Il suo lavoro si occupa costantemente di questioni di rappresentazione razziale e di storia, rifacendo figure storiche ben note come afro-americani in familiari dipinti occidentali. In questo dipinto, George Washington, generale della guerra di rivoluzione e primo presidente degli Stati Uniti diventa George Washington Carver, lo scienziato e inventore nero.

Sleepwalker

Pittore: Eric Fischl, Anno: 1979 – Dovremmo essere autorizzati a guardare il ragazzo sonnambulo in piedi in una piscina per bambini? Sta urinando? Si sta masturbando? Fischl ha la straordinaria capacità di trasformare lo spettatore in voyeur, tuttavia, più guardiamo questo dipinto, meno capiamo.

5. Scull

Pittore: Jean-Michel Basquiat, Anno: 1981 – Basquiat era un bambino precoce, e all’età di sette anni, sua madre gli diede una copia di Gray’s Anatomy, che in seguito usò come riferimento per creare le sue figure magistrali e destrutturate. In questo dipinto, Basquiat ci presenta un volto a forma di teschio. Anche se completo di occhi, naso e denti, il dipinto ci dà l’illusione che il volto sia incompleto, e le ossa sotto la superficie emergono chiaramente come i colori sullo sfondo. La testa è riempita con i graffiti illusori di Basquiat, dando l’impressione che ci siano forme e figure all’interno del volto, ma ad un esame più attento, il volto è una baraonda di linee e forme astratte.

Great America

Pittore: Kerry James Marshall, Anno: 1994 – Marshall affronta i nostri appetiti americani, sia l’amore per i parchi di divertimento, come il Great America della California, sia il nostro (ex) appetito per la schiavitù. L’annuncio della National Gallery dell’acquisizione del dipinto di Marshall lo interpreta così: “In Great America re-immagina un giro in barca attraverso il tunnel infestato di un parco di divertimenti come il passaggio di mezzo degli schiavi dall’Africa al Nuovo Mondo. Quello che in altre mani potrebbe essere un lavoro di pesante ironia diventa invece un delicato intreccio delle storie della pittura e della razza.”

Self-Portrait

Pittore: Chuck Close,Anno: 2000-1 circa – Le grandi tele di Close sono incredibilmente dettagliate, costringendo lo spettatore a combinare piccoli dettagli geometrici in un’immagine coerente. Molti si sono chiesti se usa il computer per ottenere l’effetto pixellato dei suoi dipinti. No. Close fotografa i suoi soggetti e poi griglia le foto e la tela da dipingere.

Bush at Abu Ghraib

Pittore: Peter Saul, Anno: 2006 – Il dipinto di Saul, dalle tinte acide, mostra un sorridente presidente George W. Bush che abbraccia con un braccio un soldato iracheno deforme e pieno di proiettili, mentre con l’altro sonda la bocca del soldato deformato. Il gesto di Bush potrebbe essere influenzato da diverse fonti storiche dell’arte. Ci si chiede a quale gesto faccia riferimento Saul: Il commerciante nel Mercato degli schiavi di Gerome che esplora la bocca di un potenziale acquisto umano? O è il Tommaso dubbioso di Caravaggio che ficca le mani nelle ferite di Cristo. In definitiva, solo Saul lo sa…

Barack Obama/Hope

Pittore: Shepard Fairey, Anno: 2008 – Conosciuto da molti di noi come il poster affisso ovunque a sostegno dell’attuale presidente Barack Obama, questa immagine è nata come un collage 60″ x 44″ nello studio di Fairey. OBEY.