OriginsEdit
Come compositore francese dell’inizio del 20° secolo, Erik Satie usò queste esplorazioni ispirate al Dadaismo per creare una prima forma di musica ambient/di sottofondo che etichettò come “musica da arredamento” (Musique d’ameublement). Questo descrisse come il tipo di musica che poteva essere suonata durante una cena per creare un’atmosfera di sottofondo per quell’attività, piuttosto che servire come centro dell’attenzione.
Nelle sue stesse parole, Satie cercò di creare “una musica…che sarà parte dei rumori dell’ambiente, li prenderà in considerazione. La immagino melodiosa, che attutisca i rumori dei coltelli e delle forchette a cena, che non li domini, che non si imponga. Riempirebbe quei silenzi pesanti che a volte cadono tra amici che cenano insieme. Risparmierebbe loro la fatica di prestare attenzione alle proprie banali osservazioni. E allo stesso tempo neutralizzerebbe i rumori della strada che entrano così indiscretamente nel gioco della conversazione. Fare questa musica sarebbe rispondere a un bisogno”.”
Nel 1948, il compositore francese &ingegnere, Pierre Schaeffer coniò il termine musica concreta. Questo stile sperimentale di musica utilizzava registrazioni di suoni naturali che venivano poi modificati, manipolati o effettati per creare una composizione. Le tecniche di Shaeffer di usare loop di nastro e splicing sono considerate il precursore del campionamento moderno.
Nel 1952 John Cage pubblicò la sua famosa composizione in tre movimenti 4’33 che è una performance di completo silenzio per quattro minuti e trentatre secondi. Il pezzo ha lo scopo di catturare i suoni ambientali del luogo in cui si svolge la performance e di farli diventare la musica suonata. Cage è stato citato da artisti seminali come Brian Eno come influenza.
Anni ’60Modifica
Negli anni ’60, molti gruppi musicali sperimentarono metodi insoliti, con alcuni di loro che crearono ciò che sarebbe stato poi chiamato musica ambientale.
Nell’estate del 1962, i compositori Ramon Sender e Morton Subotnick fondarono il San Francisco Tape Music Center che funzionava sia come studio di musica elettronica che come sede di concerti. Altri compositori che lavoravano con registratori a nastro divennero membri e collaboratori tra cui Pauline Oliveros, Terry Riley e Steve Reich. Le loro composizioni, tra le altre, hanno contribuito allo sviluppo della musica minimale (chiamata anche minimalismo), che condivide molti concetti simili alla musica ambient, come schemi ripetitivi o impulsi, droni costanti e armonia consonante.
Nei tardi anni ’60, la compositrice francese Éliane Radigue compose diversi pezzi elaborando loop di nastro dal feedback tra due registratori a nastro e un microfono. Negli anni ’70, passò poi a comporre musica simile quasi esclusivamente con un sintetizzatore ARP 2500, e le sue lunghe e lente composizioni sono state spesso paragonate alla drone music.
Nel 1969, il gruppo COUM Transmissions eseguiva esperimenti sonori nelle scuole d’arte inglesi. Molti pezzi di musica ambient sono stati pubblicati in Inghilterra e negli Stati Uniti d’America tra la fine degli anni ’60 e gli anni ’90. Alcune musiche degli anni ’60 con elementi ambient includono Music for Yoga Meditation and Other Joys e Music for Zen Meditation di Tony Scott, e Soothing Sounds for Baby di Raymond Scott.
Anni ’70Modifica
Sviluppandosi negli anni ’70, la musica ambient deriva dagli stili sperimentali e orientati al sintetizzatore del periodo.
Tra il 1974 e il 1976, la compositrice americana Laurie Spiegel creò il suo lavoro seminale The Expanding Universe, creato su un sistema ibrido computer-analogico chiamato GROOVE. Nel 1977, la sua composizione, Music of the Spheres fu inclusa nel Golden Record di Voyager 1 e 2.
Nell’aprile 1975, Suzanne Ciani fece due performance con il suo sintetizzatore Buchla – una al negozio di musica libera WBAI e una al loft di Phil Niblock. Queste performance sono state pubblicate su un album d’archivio nel 2016 intitolato Buchla Concerts 1975. Secondo l’etichetta discografica, questi concerti erano in parte una presentazione dal vivo, in parte una richiesta di sovvenzione e in parte una dimostrazione educativa.
Tuttavia, non fu fino a quando Brian Eno coniò il termine a metà degli anni ’70 che la musica ambient fu definita come un genere. Eno registrò Discreet Music del 1975 con questo in mente, suggerendo di ascoltarla a “livelli relativamente bassi, fino al punto che spesso cade sotto la soglia di udibilità”, riferendosi alla citazione di Satie sulla sua musique d’ameublement.
Altri musicisti contemporanei che creavano musica ambient all’epoca includevano musicisti dub giamaicani come King Tubby, compositori giapponesi di musica elettronica come Isao Tomita e Ryuichi Sakamoto e i paesaggi sonori psicoacustici della serie Environments di Irv Teibel, e gruppi tedeschi come Popol Vuh, Ash Ra Tempel e Tangerine Dream.
L’impatto che l’ascesa del sintetizzatore nella musica moderna ha avuto sull’ambient come genere non può essere sopravvalutato; come disse Ralf Hutter dei primi pionieri elettronici Kraftwerk in un’intervista di Billboard del 1977: “L’elettronica è al di là delle nazioni e dei colori… con l’elettronica tutto è possibile. L’unico limite è con il compositore”. La Yellow Magic Orchestra sviluppò uno stile distinto di musica elettronica ambient che si sarebbe poi sviluppato nella musica ambient house.
Brian EnoEdit
Il produttore inglese Brian Eno è accreditato per aver coniato il termine “ambient music” a metà degli anni 70. Ha detto che altri artisti avevano creato musica simile, ma che “io le ho solo dato un nome. Che è esattamente ciò di cui aveva bisogno … Dando un nome a qualcosa si crea una differenza. Dici che questo ora è reale. I nomi sono molto importanti”. Usò il termine per descrivere la musica diversa dalle forme di musica in scatola come la Muzak.
Nelle note di copertina del suo album del 1978 Ambient 1: Music for Airports, Eno scrisse:
Mentre le società di musica in scatola esistenti procedono dalla base di regolarizzare gli ambienti coprendo le loro idiosincrasie acustiche e atmosferiche, la Musica Ambientale è intesa a valorizzarle. Mentre la musica di sottofondo convenzionale è prodotta eliminando ogni senso di dubbio e incertezza (e quindi ogni interesse genuino) dalla musica, la Musica Ambientale mantiene queste qualità. E mentre la loro intenzione è quella di “illuminare” l’ambiente aggiungendovi degli stimoli (quindi presumibilmente alleviando il tedio dei compiti di routine e livellando gli alti e bassi naturali dei ritmi del corpo) la Musica Ambientale è intesa a indurre la calma e uno spazio per pensare. La musica d’ambiente deve essere in grado di accogliere molti livelli di attenzione all’ascolto senza imporne uno in particolare; deve essere tanto ignorabile quanto interessante.
Eno, che si descrive come un “non-musicista”, ha definito i suoi esperimenti “trattamenti” piuttosto che performance tradizionali.
Anni ’80Modifica
Nei tardi anni ’70, il musicista new-age Laraaji iniziò a suonare nei parchi e sui marciapiedi di New York, compreso Washington Square Park. Fu lì che Brian Eno sentì Laraaji suonare e gli chiese se gli sarebbe piaciuto registrare un album. Day of Radiance, pubblicato nel 1980, fu il terzo album della serie Ambient di Eno. Anche se Laraaji aveva già registrato un certo numero di album, questo gli diede il riconoscimento internazionale. A differenza di altri album della serie, Day of Radiance presentava per lo più strumenti acustici invece di elettronica.
Nella metà degli anni ’80, le possibilità di creare un paesaggio sonoro aumentarono attraverso l’uso del campionamento. Alla fine degli anni ’80, ci fu un forte aumento nell’incorporazione del computer nel processo di scrittura e registrazione dei dischi. La piattaforma Macintosh a sedici bit con suono incorporato e modelli IBM comparabili si sarebbero trovati negli studi e nelle case di musicisti e discografici.
Tuttavia, molti artisti stavano ancora lavorando con sintetizzatori analogici e strumenti acustici per produrre lavori ambient.
Nel 1983, Midori Takada registrò il suo primo LP da solista Through The Looking Glass in due giorni. Ha eseguito tutte le parti dell’album, con una strumentazione diversa che include percussioni, marimba, gong, organo a canne, campane, ocarina, vibrafono, pianoforte e bottiglie di vetro della Coca-Cola.
Tra il 1988 e il 1993 Éliane Radigue ha prodotto tre lavori di un’ora su ARP 2500 che sono stati successivamente pubblicati insieme come La Trilogie De La Mort.
Anche nel 1988, Pauline Oliveros, membro fondatore e direttore del San Francisco Tape Music Centre, coniò il termine “ascolto profondo” dopo aver registrato un album all’interno di un’enorme cisterna sotterranea a Washington che ha un tempo di riverbero di 45 secondi. Il concetto di Deep Listening è poi diventato “un’estetica basata su principi di improvvisazione, musica elettronica, rituale, insegnamento e meditazione”.
Anni ’90Modifica
All’inizio degli anni ’90, artisti come Orb, Aphex Twin, Seefeel, Irresistible Force, Biosphere e Higher Intelligence Agency hanno ottenuto un successo commerciale e sono stati definiti dalla stampa musicale popolare come ambient house, ambient techno, IDM o semplicemente “ambient”. Il termine chillout è emerso dalla cultura britannica dell’ecstasy che era originariamente applicata in rilassate “chillout rooms” downtempo al di fuori della pista da ballo principale, dove venivano suonati ritmi ambient, dub e downtempo per alleviare la mente in trip.
Artisti londinesi come Aphex Twin (in particolare: Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76:14, 1994), The Future Sound of London (Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), The Black Dog (Temple of Transparent Balls, 1993), Autechre (Incunabula, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada, e The KLF’s Chill Out, (1990), tutti presero parte nel popolare e diversificare la musica ambient dove fu usata come una pausa calmante dall’intensità dell’hardcore e della techno popolare a quel tempo.
Altri artisti ambient globali degli anni ’90 includono i compositori americani Stars of the Lid (che hanno pubblicato 5 album durante questo decennio), e l’artista giapponese Susumu Yokota il cui album Sakura (1999) presentava ciò che la rivista Pitchfork ha definito “chitarra sognante ed elaborata come strumento sonoro distintivo”.
2000s-presentEdit
La musicambiente ha continuato a guadagnare popolarità negli anni 2000 con un certo numero di artisti affermati ed emergenti che hanno pubblicato opere con il plauso della critica.
Nel 2011, la compositrice americana Liz Harris che registra come Grouper ha pubblicato l’album AIA: Alien Observer, elencato da Pitchfork al numero 21 nel loro “50 Best Ambient Albums of All Time”.
Nel 2011, Julianna Barwick ha pubblicato il suo primo album completo The Magic Place. Fortemente influenzata dalle sue esperienze d’infanzia in un coro di chiesa, Barwick mette in loop le sue voci senza parole in paesaggi sonori eterei. È stato inserito al numero 30 nella classifica dei 50 migliori album ambient di tutti i tempi di Pitchfork.
Nell’ottobre 2014, un ex membro della band riot-grrrl Jo Johnson ha pubblicato un inaspettato album di debutto Weaving. Caratterizzato da sequenze ripetitive, arpeggi e droni, la rivista Pitchfork ha descritto l’album come “una presa notevolmente compiuta sulla musica ambient”.
Dopo diversi album autopubblicati, la compositrice, produttrice e performer di Buchla Kaitlyn Aurelia Smith è stata firmata per l’etichetta discografica indipendente Western Vinyl nel 2015. Nel 2016, ha pubblicato il suo secondo album ufficiale EARS. Ha accoppiato il sintetizzatore Buchla con strumenti tradizionali e le sue composizioni sono state paragonate a Laurie Spiegel e Alice Coltrane. Kaitlyn ha anche collaborato con un’altra nota interprete di Buchla, Suzanne Ciani.
Dalla fine degli anni 2000 e 2010, la musica ambient ha anche ottenuto un ampio riconoscimento su YouTube, con pezzi caricati, che di solito vanno da 1 a 8 ore di lunghezza, ottenendo oltre milioni di visite. Tali video sono solitamente intitolati, o sono generalmente conosciuti come “musica rilassante”, e possono essere influenzati da altri generi musicali. I video ambientali aiutano gli ascoltatori online con lo yoga, lo studio, il sonno (vedi musica e sonno), il massaggio, la meditazione e l’acquisizione di ottimismo, l’ispirazione e la creazione di un’atmosfera pacifica nelle loro stanze o in altri ambienti.
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Molti video ambient caricati tendono ad essere influenzati dalla biomusica in cui sono presenti suoni della natura, anche se i suoni sarebbero modificati con riverberi e unità di ritardo per rendere le versioni spaziali dei suoni come parte dell’ambiente. Tali suoni naturali spesso includono quelli di una spiaggia, una foresta pluviale, un temporale e la pioggia, tra gli altri, con vocalizzazioni di animali come i canti degli uccelli che vengono utilizzati pure. Pezzi che contengono battiti binaurali sono comuni e popolari uploads pure, che forniscono la terapia musicale e la gestione dello stress per l’ascoltatore.
Canali YouTube verificati, come giustamente intitolato Ambient ha oltre 400.000 abbonati. Altri canali verificati che pubblicano anche musica ambientale includono, Meditation Relax Music, che ha oltre 1 milione di abbonati, Soothing Relaxation con tre milioni di abbonati, e Relaxing White Noise con oltre 500.000 abbonati, tra gli altri. iTunes e Spotify hanno stazioni radio digitali che presentano musica ambientale, che sono per lo più prodotte da etichette indipendenti.
Acclamata musica ambientale di questa epoca (secondo la rivista Pitchfork) includono opere di Max Richter, Julianna Barwick, Grouper, William Basinski e l’artista elettronico Oneohtrix Point Never.