OriginsEdit
A 20. század eleji francia zeneszerzőként Erik Satie ilyen dadaista ihletésű felfedezéseket használt fel az ambient/háttérzene egy korai formájának létrehozására, amelyet ő “bútorzenének” (Musique d’ameublement) nevezett el. Ezt úgy írta le, mint olyan zenét, amelyet vacsora közben lehet játszani, hogy háttérhangulatot teremtsen a tevékenységhez, ahelyett, hogy a figyelem középpontjában állna.
Saját szavaival Satie arra törekedett, hogy “olyan zenét hozzon létre…amely része lesz a környezet zajainak, figyelembe veszi azokat. Úgy képzelem el, hogy dallamos, lágyítja a kések és villák zaját a vacsoránál, nem uralkodik rajtuk, nem erőlteti magát. Kitöltené azokat a súlyos csöndeket, amelyek néha elmaradnak az együtt vacsorázó barátok között. Megkímélné őket attól, hogy saját banális megjegyzéseikre figyeljenek. És egyúttal semlegesítené az utcai zajokat, amelyek oly indiszkréten beleszólnak a beszélgetés játékába. Ilyen zenét csinálni annyi lenne, mint egy igényre válaszolni.”
1948-ban Pierre Schaeffer francia zeneszerző & mérnök alkotta meg a musique concrète kifejezést. Ez a kísérleti zenei stílus természetes hangok felvételeit használta, amelyeket aztán módosítottak, manipuláltak vagy effekteztek, hogy kompozíciót hozzanak létre. Shaeffer technikáját, a szalaghurok és az összekapcsolás használatát a mai sampling előfutárának tekintik.
1952-ben John Cage kiadta híres, háromtételes 4’33 című kompozícióját, amely négy perc harminchárom másodpercig tartó teljes csend előadása. A darab célja, hogy az előadás helyszínének/helyszínének környezeti hangjait rögzítse, és ez legyen a lejátszott zene. Cage-re olyan korszakalkotó művészek hivatkoztak, mint Brian Eno.
1960-as évekSzerkesztés
A hatvanas években számos zenei csoport kísérletezett szokatlan módszerekkel, néhányan közülük létrehozták azt, amit később ambient zenének neveztek el.
1962 nyarán Ramon Sender és Morton Subotnick zeneszerzők megalapították a San Francisco Tape Music Center-t, amely elektronikus zenei stúdióként és koncerthelyszínként is működött. Más, magnóval dolgozó zeneszerzők is tagok és munkatársak lettek, köztük Pauline Oliveros, Terry Riley és Steve Reich. Többek között az ő kompozícióik is hozzájárultak a minimálzene (más néven minimalizmus) kialakulásához, amely számos, az ambient zenéhez hasonló koncepcióval rendelkezik, mint például az ismétlődő minták vagy impulzusok, az egyenletes drones és a konszonáns harmónia.
A 60-as évek végén Éliane Radigue francia zeneszerző több darabot komponált úgy, hogy két magnó és egy mikrofon közötti visszacsatolásból származó szalaghurkokat dolgozott fel. A 70-es években aztán szinte kizárólag egy ARP 2500 szintetizátorral komponált hasonló zenét, és hosszú, lassú kompozícióit gyakran hasonlították a drone-zenéhez.
1969-ben a COUM Transmissions nevű csoport hangzáskísérleteket végzett brit művészeti iskolákban. Az 1960-as évek vége és az 1990-es évek között számos ambient zenei darabot adtak ki Angliában és az Amerikai Egyesült Államokban. Néhány 1960-as évekbeli ambient elemeket tartalmazó zene: Music for Yoga Meditation and Other Joys és Music for Zen Meditation Tony Scott-tól, valamint Soothing Sounds for Baby Raymond Scott-tól.
1970-es évekSzerkesztés
Az 1970-es években kialakuló ambient zene a korszak kísérleti és szintetizátor-orientált stílusaiból eredt.
1974 és 1976 között Laurie Spiegel amerikai zeneszerző megalkotta The Expanding Universe című korszakalkotó művét, amelyet a GROOVE nevű számítógép-analóg hibrid rendszeren készített. A Music of the Spheres című kompozíciója 1977-ben felkerült a Voyager 1 és 2 aranylemezére.
1975 áprilisában Suzanne Ciani két előadást tartott Buchla szintetizátorán – egyet a WBAI Free music store-ban, egyet pedig Phil Niblock loftjában. Ezek az előadások 2016-ban jelentek meg egy archív albumon Buchla Concerts 1975 címmel. A lemezkiadó szerint ezek a koncertek részben élő bemutató, részben ösztöndíjpályázat, részben oktatási demonstráció voltak.
Az ambient zene azonban csak akkor vált műfajként meghatározhatóvá, amikor Brian Eno a 70-es évek közepén megalkotta a kifejezést. Eno az 1975-ös Discreet Music című lemezt is ezzel a céllal vette fel, és azt javasolta, hogy “viszonylag alacsony hangerőn hallgassuk, olyannyira, hogy gyakran a hallhatóság küszöbe alá esik”, utalva Satie-nak a musique d’ameublementről szóló idézetére.
Az ambient stílusú zenét ekkoriban alkotó kortárs zenészek között voltak jamaikai dub zenészek, mint King Tubby, japán elektronikus zeneszerzők, mint Isao Tomita és Ryuichi Sakamoto, valamint Irv Teibel Environments sorozatának pszichoakusztikus hangzásvilágai, és olyan német együttesek, mint a Popol Vuh, Ash Ra Tempel és Tangerine Dream.
A szintetizátorok modern zenében való megjelenésének hatását az ambientre mint műfajra nem lehet eléggé hangsúlyozni; ahogy Ralf Hutter a korai elektronikus úttörők, a Kraftwerk tagja mondta egy 1977-es Billboard-interjúban: “Az elektronika túl van a nemzeteken és a színeken… az elektronikával minden lehetséges. Az egyetlen korlátot a zeneszerző jelenti”. A Yellow Magic Orchestra kifejlesztette az ambient elektronikus zene sajátos stílusát, amely később az ambient house zenévé fejlődött.
Brian EnoEdit
Brian Eno angol producerhez fűződik az “ambient zene” kifejezés megalkotása az 1970-es évek közepén. Azt mondta, hogy más művészek is készítettek már hasonló zenét, de “én csak nevet adtam neki. Pontosan erre volt szüksége… Azzal, hogy elnevezel valamit, különbséget teremtesz. Azt mondod, hogy ez most már valódi. A nevek nagyon fontosak.” A kifejezést olyan zene leírására használta, amely különbözik a konzervzene olyan formáitól, mint a Muzak.
Az 1978-ban megjelent Ambient 1: Music for Airports című albumának dalbetétfüzetében Eno azt írta:
Míg a létező konzervzenei cégek abból indulnak ki, hogy a környezeteket akusztikai és atmoszférikus sajátosságaik eltakarásával szabályozzák, az Ambient Music célja, hogy ezeket fokozza. Míg a hagyományos háttérzenét úgy állítják elő, hogy minden kétséget és bizonytalanságot (és így minden valódi érdeklődést) eltávolítanak a zenéből, addig az Ambient Music megőrzi ezeket a tulajdonságokat. És míg az a szándékuk, hogy “feldobják” a környezetet azáltal, hogy ingereket adnak hozzá (így állítólag enyhítik a rutinfeladatok unalmát és kiegyenlítik a testritmusok természetes hullámzását), az Ambient Music célja, hogy nyugalmat és teret teremtsen a gondolkodásnak. Az Ambient Musicnak képesnek kell lennie a hallgatói figyelem számos szintjét befogadni anélkül, hogy egy bizonyos szintet erőltetne; éppoly figyelmen kívül hagyhatónak kell lennie, mint amilyen érdekes.
Eno, aki magát “nem zenésznek” mondja, kísérleteit inkább “kezeléseknek” nevezte, mint hagyományos előadásoknak.
1980-as évek Szerkesztés
A 70-es évek végén a new age zenész Laraaji New York parkjaiban és járdáin, köztük a Washington Square Parkban kezdett buszozni. Brian Eno ott hallotta Laraajit játszani, és megkérdezte tőle, hogy lenne-e kedve felvenni egy albumot. Az 1980-ban megjelent Day of Radiance Eno Ambient-sorozatának harmadik albuma volt. Bár Laraaji már számos albumot rögzített, ez a lemez meghozta számára a nemzetközi elismerést. A sorozat többi albumától eltérően a Day of Radiance az elektronika helyett többnyire akusztikus hangszereket tartalmazott.
A nyolcvanas évek közepén a hangzásvilág megteremtésének lehetőségei megnőttek a mintavételezés alkalmazásával. Az 1980-as évek végére meredeken nőtt a számítógép bevonása a lemezek írási és felvételi folyamatába. A beépített hanggal rendelkező tizenhat bites Macintosh platform és a hasonló IBM modellek a zenészek és lemezkészítők stúdióiban és otthonaiban találták magukat.
Mindemellett sok művész még mindig analóg szintetizátorokkal és akusztikus hangszerekkel dolgozott, hogy ambient műveket készítsen.
1983-ban Midori Takada két nap alatt rögzítette első szóló LP-jét, a Through The Looking Glasst. Az albumon minden szólamot ő játszott, változatos hangszereléssel: ütőhangszerek, marimba, gong, nádorgona, harangok, okarina, vibrafon, zongora és üveg Coca-Cola palackok.
Éliane Radigue 1988 és 1993 között három egyórás művet készített az ARP 2500-on, amelyeket később együtt adtak ki La Trilogie De La Mort címmel.
Szintén 1988-ban Pauline Oliveros, a San Francisco Tape Music Centre alapító tagja és igazgatója alkotta meg a “deep listening” kifejezést, miután Washingtonban egy hatalmas földalatti ciszternában rögzített egy albumot, amelynek 45 másodperces visszhangideje van. A Deep Listening fogalma aztán “az improvizáció, az elektronikus zene, a rituálé, a tanítás és a meditáció elvein alapuló esztétikává vált”.
1990-es évekSzerkesztés
A 90-es évek elejére az olyan művészek, mint az Orb, Aphex Twin, Seefeel, az Irresistible Force, a Biosphere és a Higher Intelligence Agency kereskedelmi sikereket értek el, és a könnyűzenei sajtó ambient house, ambient techno, IDM vagy egyszerűen “ambient” néven emlegette őket. A chillout kifejezés a brit ecstasy-kultúrából ered, amelyet eredetileg a fő táncparketten kívüli, nyugodt downtempójú “chillout szobákban” alkalmaztak, ahol ambient, dub és downtempó ütemeket játszottak a trippelő elme megnyugtatására.
Londoni művészek, mint például Aphex Twin (konkrétan: Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76:14, 1994), The Future Sound of London (Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), The Black Dog (Temple of Transparent Balls, 1993), Autechre (Incunabula, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada és a The KLF Chill Out, (1990), mind részt vettek az ambient zene népszerűsítésében és diverzifikálásában, ahol az akkoriban népszerű hardcore és techno intenzitásától megnyugtató pihenésként használták.
A 90-es évek további globális ambient előadói közé tartoznak az amerikai Stars of the Lid (akik 5 albumot adtak ki ebben az évtizedben) és a japán Susumu Yokota, akinek Sakura (1999) című albumán a Pitchfork magazin szerint “álmodozó, feldolgozott gitár, mint jellegzetes hangzásbeli eszköz” szerepelt.
2000-jelenlegSzerkesztés
Az ambient zene a 2000-es években tovább növelte népszerűségét, számos befutott és feltörekvő művész publikált műveket a kritikusok elismerésével.
2011-ben a Grouper néven rögzítő amerikai zeneszerző, Liz Harris kiadta AIA című albumát: Alien Observer című albumát, amelyet a Pitchfork a 21. helyre sorolt a “Minden idők 50 legjobb ambient albuma” listáján.
2011-ben Julianna Barwick kiadta első teljes hosszúságú albumát, a The Magic Place címűt. A gyermekkori egyházi kórusban szerzett élményei által erősen befolyásolt Barwick szavak nélküli énekét éteri hangzásvilágba fűzi. A Pitchfork 50 Best Ambient Albums of All Time listáján a 30. helyen szerepelt.
2014 októberében egy volt riot-grrrl zenekari tag, Jo Johnson váratlanul megjelentette Weaving című debütáló albumát. Az ismétlődő szekvenciákat, arpeggiókat és drónokat tartalmazó albumot a Pitchfork magazin “az ambient zene figyelemre méltóan kiteljesedett megközelítésének” nevezte.
A Buchla zeneszerző, producer és előadóművész Kaitlyn Aurelia Smith több saját kiadású album után 2015-ben szerződést kötött a Western Vinyl független lemezkiadóval. 2016-ban jelent meg második hivatalos albuma, az EARS. Ez a Buchla szintetizátort hagyományos hangszerekkel párosította, kompozícióit pedig Laurie Spiegelhez és Alice Coltrane-hez hasonlították. Kaitlyn egy másik ismert Buchla-előadóval, Suzanne Cianival is együttműködött.
A 2000-es évek végére és a 2010-es évekre az ambient zene is széles körben ismertté vált a YouTube-on, a feltöltött, általában 1 és 8 óra közötti hosszúságú darabokat több millióan látogatják. Az ilyen videók általában a “relaxációs zene” címet viselik, vagy általánosan ismertek, és más zenei műfajok hatása alá kerülhetnek. Az ambient videók segítenek az online hallgatóknak a jóga, a tanulás, az alvás (lásd zene és alvás), a masszázs, a meditáció, valamint az optimizmus, az inspiráció megszerzésében és a békés hangulat megteremtésében a szobájukban vagy más környezetükben.
Problémák a fájl lejátszásával? Lásd a médiasegítséget.
Sok feltöltött ambient videó általában a biomuzsika hatása alatt áll, ahol a természet hangjai szerepelnek, bár a hangokat reverbekkel és delay egységekkel módosítanák, hogy a hangok űrszerű változatai a hangulat részeként jelenjenek meg. Az ilyen természeti hangok közé gyakran tartoznak többek között a tengerpart, az esőerdő, a zivatar és az esőzés hangjai, valamint az állatok hangjai, például a madarak éneke. A binaurális ütemeket tartalmazó darabok szintén gyakori és népszerű feltöltések, amelyek zeneterápiát és stresszkezelést biztosítanak a hallgató számára.
Az igazolt YouTube-csatornák, például a találóan Ambient nevűnek több mint 400 000 feliratkozója van. További ellenőrzött csatornák, amelyek szintén ambient zenét publikálnak, többek között a Meditation Relax Music, amelynek több mint 1 millió feliratkozója van, a Soothing Relaxation hárommillió feliratkozóval és a Relaxing White Noise több mint 500 000 feliratkozóval. Az iTunes és a Spotify digitális rádióállomásokon ambient zenét játszanak, amelyeket többnyire független kiadók készítenek.
A korszak elismert ambient zenéi közé tartoznak (a Pitchfork magazin szerint) Max Richter, Julianna Barwick, Grouper, William Basinski és az elektronikus művész Oneohtrix Point Never művei.