OriginsEdit
20. vuosisadan alun ranskalaisena säveltäjänä Erik Satie käytti tällaisia dadaistien innoittamia tutkimuksia luodakseen ambient/taustamusiikin varhaisen muodon, jota hän nimitti ”huonekalumusiikiksi” (Musique d’ameublement). Tätä hän kuvasi sellaiseksi musiikiksi, jota voitaisiin soittaa illallisen aikana luomaan taustatunnelmaa tälle toiminnalle sen sijaan, että se toimisi huomion keskipisteenä.
Omien sanojensa mukaan Satie pyrki luomaan ”musiikkia…joka on osa ympäristön ääniä, ottaa ne huomioon. Ajattelen sitä melodisena, joka pehmentää veitsien ja haarukoiden ääniä illallisella, ei hallitse niitä, ei tyrkytä itseään. Se täyttäisi ne raskaat hiljaisuudet, jotka joskus jäävät ystävien väliin ruokailtaessa yhdessä. Se säästäisi heitä kiinnittämästä huomiota omiin banaaleihin huomautuksiinsa. Ja samalla se neutraloisi kadun äänet, jotka niin huomaamattomasti tunkeutuvat keskusteluun. Tällaisen musiikin tekeminen olisi vastaamista tarpeeseen.”
Vuonna 1948 ranskalainen säveltäjä & insinööri Pierre Schaeffer keksi termin musique concrète. Tämä kokeellinen musiikkityyli käytti luonnollisten äänien nauhoituksia, joita sitten muokattiin, manipuloitiin tai efektoitiin sävellyksen luomiseksi. Shaefferin tekniikoita, joissa hän käytti nauhasilmukoita ja liittämistä, pidetään nykyaikaisen samplauksen edeltäjänä.
Vuonna 1952 John Cage julkaisi kuuluisan kolmiosaisen sävellyksensä 4’33, joka on neljä minuuttia ja kolmekymmentäkolme sekuntia kestävä esitys täydellisestä hiljaisuudesta. Teoksen tarkoituksena on vangita esityspaikan/paikan ympäristön äänet ja antaa niiden olla soitettua musiikkia. Cagen ovat maininneet vaikutteekseen sellaiset merkittävät taiteilijat kuin Brian Eno.
1960-luku Muokkaa
1960-luvulla monet musiikkiryhmät kokeilivat epätavallisia menetelmiä, ja osa niistä loi sitä, mitä myöhemmin kutsuttiin ambient-musiikiksi.
Kesällä 1962 säveltäjät Ramon Sender ja Morton Subotnick perustivat San Francisco Tape Music Centerin, joka toimi sekä elektronisen musiikin studiona että konserttipaikkana. Jäseniksi ja yhteistyökumppaneiksi tuli myös muita nauhureilla työskenteleviä säveltäjiä, kuten Pauline Oliveros, Terry Riley ja Steve Reich. Muun muassa heidän sävellyksensä vaikuttivat osaltaan minimimusiikin (jota kutsutaan myös minimalismiksi) kehittymiseen, jolla on monia samankaltaisia käsitteitä kuin ambient-musiikilla, kuten toistuvat kuviot tai pulssit, tasaiset dronet ja konsonanttiharmonia.
Ranskalainen säveltäjä Éliane Radigue sävelsi 60-luvun lopulla useita teoksia käsittelemällä nauhasilmukoita, jotka muodostuivat kahden nauhurin ja mikrofonin välisestä palautteesta. 70-luvulla hän jatkoi sitten vastaavanlaisen musiikin säveltämistä lähes yksinomaan ARP 2500 -syntetisaattorilla, ja hänen pitkiä, hitaita sävellyksiään on usein verrattu drone-musiikkiin.
Vuonna 1969 ryhmä COUM Transmissions teki äänikokeiluja brittiläisissä taidekouluissa. Englannissa ja Yhdysvalloissa julkaistiin 1960-luvun lopun ja 1990-luvun välisenä aikana monia ambient-musiikin teoksia. Eräitä 1960-luvun ambient-elementtejä sisältäviä musiikkikappaleita ovat Tony Scottin Music for Yoga Meditation and Other Joys ja Music for Zen Meditation sekä Raymond Scottin Soothing Sounds for Baby.
1970-luku Muokkaa
1970-luvulla kehittynyt ambient-musiikki sai alkunsa aikakauden kokeellisista ja syntetisaattoripainotteisista tyyleistä.
Vuosien 1974 ja 1976 välisenä aikana yhdysvaltalainen säveltäjä Laurie Spiegel loi uraauurtavan teoksensa The Expanding Universe (Laajeneva maailmankaikkeus)
Liikennemusiikki on luotu GROOVE- nimisellä tietokoneen ja analogisten laitteiden hybridi- eli hybridisovittimella. Vuonna 1977 hänen sävellyksensä Music of the Spheres oli mukana Voyager 1 ja 2:n Golden Record -levyllä.
Huhtikuussa 1975 Suzanne Ciani antoi kaksi esitystä Buchla-syntetisaattorillaan – yhden WBAI Free -musiikkikaupassa ja toisen Phil Niblockin parvella. Nämä esitykset julkaistiin vuonna 2016 arkistoalbumilla nimeltä Buchla Concerts 1975. Levy-yhtiön mukaan nämä konsertit olivat osittain live-esitys, osittain apurahahakemus ja osittain opetusdemonstraatio.
Ambient-musiikki määriteltiin genreksi kuitenkin vasta, kun Brian Eno keksi termin 70-luvun puolivälissä. Eno levytti vuonna 1975 Discreet Music -albuminsa tätä silmällä pitäen ja ehdotti, että ambient-musiikkia kuunneltaisiin ”verrattain matalalla tasolla, jopa siinä määrin, että se jää usein kuulokynnyksen alapuolelle”, viitaten Satien sitaattiin hänen musique d’ameublementistaan.
Muita samanaikaisia ambient-tyylistä musiikkia tekeviä muusikoita olivat tuolloin muun muassa jamaikalaiset dub-muusikot, kuten King Tubby, japanilaiset elektronisen musiikin säveltäjät, kuten Isao Tomita ja Ryuichi Sakamoto, sekä Irv Teibelin Environments-sarjan psykoakustiset äänimaisemat ja saksalaiset yhtyeet, kuten Popol Vuh, Ash Ra Tempel ja Tangerine Dream.
Syntetisaattorin nousun vaikutusta moderniin musiikkiin ei voi liioitella; kuten Ralf Hutter varhaisista elektroniikan pioneereista Kraftwerkistä sanoi Billboardin haastattelussa vuonna 1977: ”Elektroniikka on kansojen ja värien yläpuolella… elektroniikan avulla kaikki on mahdollista. Ainoa raja on säveltäjällä”. Yellow Magic Orchestra kehitti oman tyylinsä ambient-elektroniseen musiikkiin, joka kehittyi myöhemmin ambient house -musiikiksi.
Brian EnoEdit
Englantilaisen tuottajan Brian Enon katsotaan keksineen termi ”ambient-musiikki” 1970-luvun puolivälin aikana. Hänen mukaansa muut taiteilijat olivat luoneet samanlaista musiikkia, mutta ”minä vain annoin sille nimen. Juuri sitä se tarvitsi … Nimeämällä jotain luodaan ero. Sanot, että tämä on nyt todellista. Nimet ovat hyvin tärkeitä.” Hän käytti termiä kuvaamaan musiikkia, joka eroaa Muzakin kaltaisista säilykemusiikin muodoista.
Eno kirjoitti vuonna 1978 ilmestyneen albuminsa Ambient 1: Music for Airports liner notesissa:
Mikäli nykyiset säilykemusiikkifirmat lähtevät liikkeelle siitä, että ne pyrkivät säännönmukaistamaan ympäristöjä peittämällä alleen niiden akustisia ja atmosfäärisiä omituisuuksia, Ambient Musicin tarkoitus on tehostaa näitä. Kun tavanomainen taustamusiikki tuotetaan poistamalla musiikista kaikki epäilyksen ja epävarmuuden tunne (ja siten kaikki aito kiinnostavuus), Ambient Music säilyttää nämä ominaisuudet. Ja kun tarkoituksena on ”piristää” ympäristöä lisäämällä siihen ärsykkeitä (ja siten oletettavasti lievittää rutiinitehtävien tylsyyttä ja tasoittaa kehon rytmien luonnollisia nousuja ja laskuja), ambient-musiikin tarkoituksena on saada aikaan rauhallisuutta ja tilaa ajatuksille. Ambient-musiikin on kyettävä mukautumaan monelle kuuntelutason huomiolle pakottamatta yhtä tiettyä tasoa; sen on oltava yhtä lailla tietämätöntä kuin mielenkiintoista.
Eno, joka kuvailee itseään ”ei-muusikoksi”, kutsui kokeilujaan pikemminkin ”hoidoiksi” kuin perinteisiksi esityksiksi.
1980-luku Muokkaa
70-luvun loppupuoliskolla new age -muusikko Laraaji aloitti busking-toiminnan newyorkilaisissa puistoissa ja jalkakäytävillä, mukaan lukien Washington Square Park. Siellä Brian Eno kuuli Laraajin soittavan ja kysyi häneltä, haluaisiko hän äänittää levyn. Vuonna 1980 julkaistu Day of Radiance oli kolmas albumi Enon Ambient-sarjassa. Vaikka Laraaji oli jo levyttänyt useita albumeja, tämä antoi hänelle kansainvälistä tunnustusta. Sarjan muista albumeista poiketen Day of Radiance sisälsi elektroniikan sijaan enimmäkseen akustisia soittimia.
1980-luvun puolivälissä mahdollisuudet äänimaiseman luomiseen lisääntyivät samplauksen avulla. 1980-luvun lopulla tietokoneen sisällyttäminen levyjen kirjoitus- ja äänitysprosessiin lisääntyi jyrkästi. Sisäänrakennetulla äänentoistolla varustettu kuusitoista-bittinen Macintosh-alusta ja vastaavat IBM:n mallit löysivät paikkansa muusikoiden ja levy-yhtiöiden studioista ja kodeista.
Mutta monet taiteilijat työskentelivät edelleen analogisilla syntetisaattoreilla ja akustisilla soittimilla tuottaakseen ambient-teoksia.
Midori Takada nauhoitti vuonna 1983 ensimmäisen soolo-LP-levynsä Through The Looking Glass kahdessa päivässä. Hän esitti levyllä kaikki osat, ja levyllä oli monipuolinen soitinkokoonpano, johon kuului lyömäsoittimia, marimbaa, gongia, kieliurkuja, kelloja, okariinaa, vibrafonia, pianoa ja lasisia Coca-Cola-pulloja.
Välillä 1988-1993 Éliane Radigue tuotti ARP 2500:lla kolme tunnin mittaista teosta, jotka sittemmin julkaistiin yhdessä nimellä La Trilogie De La Mort.
Samoin vuonna 1988 San Franciscon nauhamusiikkikeskuksen perustajajäsen ja johtaja Pauline Oliveros keksi termin ”syvä kuuntelu” nauhoitettuaan albumin Washingtonissa sijaitsevan valtavan maanalaisen säiliön sisällä, jonka jälkikaiunta-aika on 45 sekuntia. Syväkuuntelun käsitteestä tuli sittemmin ”improvisaation, elektronisen musiikin, rituaalin, opetuksen ja meditaation periaatteisiin perustuva estetiikka”.
1990-lukuEdit
1990-luvun alkuun mennessä sellaiset artistit kuin The Orb, Aphex Twin, Seefeel, The Irresistible Force, Biosphere ja Higher Intelligence Agency saavuttivat kaupallista menestystä, ja populaarimusiikkilehdistö puhui heistä nimityksillä Ambient House, Ambient Techno, IDM tai yksinkertaisesti ”ambient”. Termi chillout syntyi brittiläisestä ekstaasikulttuurista, jota alun perin käytettiin rennoissa downtempo ”chillout-huoneissa” tanssilattian ulkopuolella, joissa soitettiin ambient-, dub- ja downtempo-biittejä trippailijan mielen rauhoittamiseksi.
Lontoolaiset artistit kuten Aphex Twin (erityisesti: Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76:14, 1994), The Future Sound of London (Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), The Black Dog (Temple of Transparent Balls, 1993), Autechre (Incunabula, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada ja The KLF:n Chill Out, (1990), olivat kaikki mukana popularisoimassa ja monipuolistamassa ambient-musiikkia, jossa sitä käytettiin rauhoittavana hengähdystaukona tuolloin suositun hardcoren ja teknon intensiivisyydelle.
Muita 1990-luvun globaaleja ambient-artisteja ovat muun muassa yhdysvaltalaiset Stars of the Lid (joka julkaisi viisi albumia tällä vuosikymmenellä) ja japanilainen Susumu Yokota, jonka albumilla Sakura (1999) kuultiin Pitchfork-lehden mukaan ”unenomaista, prosessoitua kitaraa erottuvana äänityökaluna”.
2000-lukuNykyaikaMuokkaa
Ambient-musiikki jatkoi suosionsa kasvattamista 2000-luvulla, ja useat vakiintuneet ja nousevat taiteilijat julkaisivat teoksia, jotka saivat kriittistä suosiota.
Vuonna 2011 yhdysvaltalainen säveltäjä Liz Harris, joka levytti nimellä Grouper, julkaisi albumin AIA: Alien Observer, jonka Pitchfork listasi sijalle 21 ”50 Best Ambient Albums of All Time” -listallaan.
Vuonna 2011 Julianna Barwick julkaisi ensimmäisen kokopitkän albuminsa The Magic Place. Vahvasti lapsuudenkokemustensa kirkkokuorossa vaikuttama Barwick looppaa sanattoman laulunsa eteerisiin äänimaisemiin. Albumi nousi Pitchforkin 50 parhaan ambient-albumin listalla sijalle 30.
Lokakuussa 2014 entinen riot-grrrl-yhtyeen jäsen Jo Johnson julkaisi yllättäen debyyttialbuminsa Weaving. Toistuvia sekvenssejä, arpeggioita ja droneja sisältävä Pitchfork-lehti kuvaili albumia ”huomattavan taitavaksi otteeksi ambient-musiikkiin”.
Monien itse julkaistujen albumien jälkeen Buchla-säveltäjä, -tuottaja ja -esiintyjä Kaitlyn Aurelia Smith sai sopimuksen riippumattoman levy-yhtiön Western Vinylin kanssa vuonna 2015. Vuonna 2016 hän julkaisi toisen virallisen albuminsa EARS. Se yhdisti Buchla-syntetisaattorin perinteisiin soittimiin, ja hänen sävellyksiään verrattiin Laurie Spiegeliin ja Alice Coltraneen. Kaitlyn on tehnyt yhteistyötä myös toisen tunnetun Buchla-esiintyjän, Suzanne Cianin, kanssa.
>
2000-luvun loppupuoliskolla ja 2010-luvuilla ambient-musiikkia tunnettiin YouTubessakin laajalti, ja ladattavat kappalekokonaisuudet, jotka ovat tavallisesti pituudeltaan yhdestä kahdeksaan tuntia pitkä kappaleet, saivat aikaan jopa yli miljoonia katsojaa. Tällaiset videot on yleensä otsikoitu tai tunnetaan yleisesti nimellä ”rentouttava musiikki”, ja niissä voi olla vaikutteita muista musiikkityyleistä. Ambient-videot auttavat nettikuuntelijoita joogassa, opiskelussa, nukkumisessa (ks. musiikki ja uni), hieronnassa, meditaatiossa ja optimismin hankkimisessa, inspiraation saamisessa ja rauhallisen ilmapiirin luomisessa huoneisiin tai muihin ympäristöihin.
>
Ongelmia tämän tiedoston toistamisessa? Katso mediaohjeet.
Monissa ladatuissa ambient-videoissa on yleensä vaikutteita biomusiikista, jossa niissä on luonnon ääniä, vaikka ääniä muokattaisiinkin kaiuttimilla ja viiveyksiköillä, jotta äänistä saataisiin avaruudellisia versioita osana ambientia. Tällaisia luonnonääniä ovat usein muun muassa rannan, sademetsän, ukkosmyrskyn ja sateen äänet sekä eläinten äänet, kuten lintujen laulut. Myös binauraalisia lyöntejä sisältävät kappaleet ovat yleisiä ja suosittuja latauksia, jotka tarjoavat kuulijalle musiikkiterapiaa ja stressinhallintaa.
Varmennetuilla YouTube-kanavilla, kuten osuvasti Ambientiksi nimetyllä, on yli 400 000 tilaajaa. Muita todennettuja kanavia, jotka myös julkaisevat ambient-musiikkia, ovat muun muassa Meditation Relax Music, jolla on yli miljoona tilaajaa, Soothing Relaxation, jolla on kolme miljoonaa tilaajaa, ja Relaxing White Noise, jolla on yli 500 000 tilaajaa. iTunesissa ja Spotifyssa on digitaalisia radioasemia, jotka esittävät ambient-musiikkia, joka on enimmäkseen riippumattomien levy-yhtiöiden tuottamaa.
Tämän aikakauden arvostettuun ambient-musiikkiin (Pitchfork-lehden mukaan) kuuluvat muun muassa seuraavien taiteilijoiden sävellykset: Max Richterin, Julianna Barwickin ja Grouperin teokset, William Basinski ja elektroninen taiteilija Oneohtrix Point Never.