Maailmallisten esineiden, kuten kulhojen, kukkien, elintarvikkeiden ja muiden tavallisesta kotitaloudesta löytyvien asioiden esittäminen oli ja on edelleen asetelmataiteilijoiden tärkein huolenaihe. Keinot, tyylit ja välineet, joilla asetelmataidetta voidaan esittää, vaihtelevat kuitenkin huomattavasti.
1600-luvun alussa asetelmataiteesta tuli itsenäinen taiteenlaji, mutta sitä pidettiin vähemmän tärkeänä kuin aikakauden historiallisia ja allegorisia esityksiä. Itsenäisenä tyylilajina ympäri Eurooppaa samoina vuosina esiintyvää asetelmataidetta on mahdotonta erottaa, kuka kehitti ja harjoitti asetelmataidetta maalaustaiteessa ensimmäisenä. Tyylilajin alkujuuret voidaan jäljittää eri puolilla Eurooppaa olevissa kuvaperinteissä, kuten 1400-luvulla syntyneissä flaamilaisissa Marian-maalauksissa, italialaisissa lihamyymäläkuvissa ja espanjalaisissa bodegoissa. Jean-Baptiste Chardin jatkoi 1700-luvulla asetelmamaalauksen kehittämistä flaamilaisten asetelmataiteilijoiden menestyksen jälkeen. Hän käytti luomuksissaan joko hollantilaistyylistä realismia tai pehmeämpiä harmonioita ja loi joitakin tunnetuimmista asetelmamaalauksista. Kun eri puolilla Eurooppaa kehittyi taideakatemioita, jotka levittivät tyylilajien hierarkiaa, asetelma jäi hitaasti taka-alalle ja sitä harjoitettiin vähemmän kuin muita tyylilajeja. Kun uusklassismi alkoi kuitenkin hiipua romantiikan ja realismin nousun myötä, asetelmamaalauksesta tuli jälleen tärkeä aihe Francisco Goyan, Gustave Courbet’n ja Eugène Delacroix’n kaltaisten taiteilijoiden keskuudessa. Seuraava vaihe asetelman kehityksessä tuli impressionismin ja jälki-impressionismin myötä, jolloin väri ja valo hallitsivat teemaa.
1900-luvulla asetelmaa pidettiin taiteen teemana rinnakkain muiden kanssa. Asetelmataiteen kehitys seurasi tiiviisti aikakauden tyylillisiä muutoksia fauvismista, ekspressionismista, kubismista pop-taiteeseen ja fotorealismiin. Asetelmaesineet jopa ylittivät perinteisen maalausvälineen raamit ja tulivat taiteen kentälle taideobjekteina valmiiden esineiden ja installaatioiden kautta, joissa representaation sijaan niistä tuli itse taideteoksia, kuten Armanin ja Judy Chicagon teoksissa.
Seuraavassa luettelossa on esimerkkejä joistakin 1900-luvun kuuluisista asetelmataiteilijoista maalauksineen yhdessä heidän maalaustensa kanssa
Toimittajan vinkki: Nature Morte: Contemporary Artists Reinvigorate the Still-Life Tradition
Nykyajan johtavat taiteilijat elvyttävät asetelmaa, tyylilajia, joka aikoinaan liitettiin enemmän 1500- ja 1600-luvun vanhoihin mestareihin kuin nykytaiteeseen. Tässä juhlittavat rohkeat asetelmat haastavat tuon historiallisen ylivallan ja määrittelevät uudelleen, mitä tarkoittaa nature morte -teos (kirjaimellisesti käännettynä ranskasta: ”kuollut luonto”). Nykytaiteilijat ovat hyödyntäneet vuosisatoja vanhaa perinnettä maalaamalla, piirtämällä, veistämällä, videolla tai muilla välineillä luodakseen teoksia, joilla on käsitteellistä eloisuutta, kauneutta ja emotionaalista koskettavuutta nykyaikana. Michael Petryn kirjan kukin luku on jäsennelty asetelmaperinteen klassisten luokkien – kasvisto, ruoka, talo ja koti, eläimistö ja kuolema – mukaan, ja siinä tutkitaan, miten memento mori -teoksen ajaton symbolinen resonanssi on löydetty uudelleen uudella vuosituhannella.