OriginsEdit
Compozitor francez de la începutul secolului al XX-lea, Erik Satie a folosit astfel de explorări de inspirație dadaistă pentru a crea o formă timpurie de muzică ambientală/de fundal pe care a etichetat-o drept „muzică de mobilier” (Musique d’ameublement). Acesta a descris-o ca fiind genul de muzică care ar putea fi cântată în timpul unei cine pentru a crea o atmosferă de fundal pentru acea activitate, mai degrabă decât să servească drept centrul atenției.
În propriile sale cuvinte, Satie a căutat să creeze „o muzică… care va face parte din zgomotele din mediul înconjurător, le va lua în considerare. Mă gândesc la ea ca fiind melodioasă, îndulcind zgomotele cuțitelor și furculițelor la cină, fără să le domine, fără să se impună. Ar umple acele tăceri grele care se produc uneori între prietenii care iau masa împreună. I-ar scuti de deranjul de a fi atenți la propriile lor remarci banale. Și, în același timp, ar neutraliza zgomotele străzii, care intră atât de indiscret în jocul conversației. A face o astfel de muzică ar însemna să răspunzi unei nevoi.”
În 1948, compozitorul francez & inginer, Pierre Schaeffer a inventat termenul de musique concrète. Acest stil experimental de muzică folosea înregistrări de sunete naturale care erau apoi modificate, manipulate sau efectate pentru a crea o compoziție. Tehnicile lui Shaeffer de utilizare a buclelor de bandă și a îmbinărilor sunt considerate a fi precursorul eșantionării din zilele noastre.
În 1952, John Cage a lansat celebra sa compoziție în trei mișcări 4’33, care este o performanță de tăcere completă timp de patru minute și treizeci și trei de secunde. Piesa este menită să capteze sunetele ambientale ale locului/locației de desfășurare a spectacolului și să fie aceasta muzica interpretată. Cage a fost citat ca influență de artiști seminificativi precum Brian Eno.
Anii ’60Edit
În anii ’60, multe grupuri muzicale au experimentat cu metode neobișnuite, unele dintre ele creând ceea ce mai târziu va fi numit muzică ambientală.
În vara anului 1962, compozitorii Ramon Sender și Morton Subotnick au fondat The San Francisco Tape Music Center, care a funcționat atât ca studio de muzică electronică, cât și ca loc de concert. Alți compozitori care lucrau cu magnetofoane au devenit membri și colaboratori, printre care Pauline Oliveros, Terry Riley și Steve Reich. Compozițiile lor, printre altele, au contribuit la dezvoltarea muzicii minimaliste (numită și minimalism), care împărtășește multe concepte similare cu muzica ambientală, cum ar fi modelele repetitive sau impulsurile, dronele constante și armonia consonantă.
La sfârșitul anilor ’60, compozitoarea franceză Éliane Radigue a compus mai multe piese prin prelucrarea buclelor de bandă din feedback-ul dintre două magnetofoane și un microfon. În anii ’70, ea a continuat apoi să compună muzică similară aproape exclusiv cu un sintetizator ARP 2500, iar compozițiile sale lungi și lente au fost adesea comparate cu muzica dronă.
În 1969, grupul COUM Transmissions făcea experimente sonice în școlile de artă britanice. Multe piese de muzică ambientală au fost lansate în Anglia și în Statele Unite ale Americii între sfârșitul anilor 1960 și anii 1990. Printre piesele de muzică din anii 1960 cu elemente ambientale se numără Music for Yoga Meditation and Other Joys și Music for Zen Meditation de Tony Scott, precum și Soothing Sounds for Baby de Raymond Scott.
Anii ’70Edit
Dezvoltându-se în anii ’70, muzica ambientală provine din stilurile experimentale și orientate spre sintetizator din acea perioadă.
Între 1974 și 1976, compozitoarea americană Laurie Spiegel a creat lucrarea sa fundamentală The Expanding Universe, creată pe un sistem hibrid computer-analogic numit GROOVE. În 1977, compoziția ei, Music of the Spheres (Muzica sferelor) a fost inclusă pe discul de aur al Voyager 1 și 2.
În aprilie 1975, Suzanne Ciani a susținut două spectacole pe sintetizatorul său Buchla – unul la magazinul de muzică gratuită WBAI și unul la mansarda lui Phil Niblock. Aceste performanțe au fost lansate pe un album de arhivă în 2016, intitulat Buchla Concerts 1975. Potrivit casei de discuri, aceste concerte au fost în parte prezentare live, în parte cerere de subvenție și în parte demonstrație educațională.
Cu toate acestea, abia după ce Brian Eno a inventat termenul, la mijlocul anilor ’70, muzica ambientală a fost definită ca un gen. Eno a continuat să înregistreze Discreet Music din 1975 cu acest lucru în minte, sugerând ca aceasta să fie ascultată la „niveluri relativ scăzute, chiar în măsura în care cade frecvent sub pragul de audibilitate”, făcând referire la citatul lui Satie despre muzica sa d’ameublement.
Alți muzicieni contemporani care au creat muzică în stil ambiental în acea perioadă au inclus muzicieni jamaicani de dub precum King Tubby, compozitori japonezi de muzică electronică precum Isao Tomita și Ryuichi Sakamoto, precum și peisajele sonore psihoacustice din seria Environments a lui Irv Teibel, și trupe germane precum Popol Vuh, Ash Ra Tempel și Tangerine Dream.
Impactul pe care ascensiunea sintetizatorului în muzica modernă l-a avut asupra ambientului ca gen nu poate fi supraestimat; așa cum spunea Ralf Hutter de la Kraftwerk, pionierii electronicii timpurii, într-un interviu din 1977 pentru Billboard: „Electronica este dincolo de națiuni și culori… cu electronica totul este posibil. Singura limită este cea a compozitorului”. Yellow Magic Orchestra a dezvoltat un stil distinct de muzică electronică ambientală care mai târziu va fi dezvoltat în muzica ambient house.
Brian EnoEdit
Producătorul englez Brian Eno este creditat cu inventarea termenului „muzică ambientală” la mijlocul anilor 1970. El a spus că și alți artiști creaseră muzică similară, dar că „eu doar i-am dat un nume. Ceea ce este exact ceea ce avea nevoie … Dând un nume unui lucru, creezi o diferență. Spui că acest lucru este acum real. Numele sunt foarte importante”. El a folosit termenul pentru a descrie muzica care este diferită de formele de muzică conservată, cum ar fi Muzak.
În notele de însoțire pentru albumul său Ambient 1: Music for Airports din 1978, Eno a scris:
În timp ce companiile de muzică conservată existente procedează pornind de la baza regularizării mediilor prin acoperirea idiosincrasiilor lor acustice și atmosferice, Ambient Music este menită să le pună în valoare. În timp ce muzica de fundal convențională este produsă prin eliminarea oricărui sentiment de îndoială și incertitudine (și, prin urmare, a oricărui interes autentic) din muzică, Ambient Music păstrează aceste calități. Și în timp ce intenția lor este de a „înveseli” mediul prin adăugarea de stimuli (astfel, se presupune că ameliorează plictiseala sarcinilor de rutină și nivelează suișurile și coborâșurile naturale ale ritmurilor corpului), muzica ambientală este menită să inducă calmul și un spațiu de gândire. Muzica ambientală trebuie să fie capabilă să acomodeze mai multe niveluri de atenție la ascultare, fără a impune unul anume; trebuie să fie la fel de ignorabilă pe cât este de interesantă.
Eno, care se descrie ca fiind un „non-muzician”, și-a numit experimentele „tratamente” mai degrabă decât spectacole tradiționale.
Anii 1980Edit
La sfârșitul anilor ’70, muzicianul new-age Laraaji a început să facă busking în parcurile și trotuarele din New York, inclusiv în Washington Square Park. Acolo l-a auzit Brian Eno pe Laraaji cântând și l-a întrebat dacă ar vrea să înregistreze un album. Day of Radiance, lansat în 1980, a fost al treilea album din seria Ambient a lui Eno. Deși Laraaji înregistrase deja o serie de albume, acesta i-a adus recunoașterea internațională. Spre deosebire de alte albume din serie, Day of Radiance conținea în principal instrumente acustice în loc de electronice.
La mijlocul anilor 1980, posibilitățile de a crea un peisaj sonor au crescut prin utilizarea eșantionării. La sfârșitul anilor 1980, a existat o creștere abruptă a încorporării computerului în procesul de scriere și înregistrare a discurilor. Platforma Macintosh pe șaisprezece biți cu sunet încorporat și modelele IBM comparabile aveau să se regăsească în studiourile și casele muzicienilor și producătorilor de discuri.
Cu toate acestea, mulți artiști încă lucrau cu sintetizatoare analogice și instrumente acustice pentru a produce lucrări ambientale.
În 1983, Midori Takada a înregistrat primul ei LP solo Through The Looking Glass în două zile. Ea a interpretat toate părțile de pe album, cu o instrumentație diversă, inclusiv percuție, marimba, gong, orgă cu trestie, clopote, ocarină, vibrafon, pian și sticle de sticlă de Coca-Cola.
Între 1988 și 1993 Éliane Radigue a produs trei lucrări de o oră pe ARP 2500, care au fost ulterior publicate împreună sub numele La Trilogie De La Mort.
De asemenea, în 1988, Pauline Oliveros, membru fondator și director al San Francisco Tape Music Centre, a inventat termenul „deep listening” (ascultare profundă) după ce a înregistrat un album în interiorul unei uriașe cisterne subterane din Washington, care are un timp de reverberație de 45 de secunde. Conceptul de Deep Listening a devenit apoi „o estetică bazată pe principii de improvizație, muzică electronică, ritual, învățătură și meditație”.
Anii ’90Edit
Până la începutul anilor ’90, artiști precum The Orb, Aphex Twin, Seefeel, The Irresistible Force, Biosphere și Higher Intelligence Agency au dobândit succes comercial și au fost numiți de către presa muzicală populară ambient house, ambient techno, IDM sau pur și simplu „ambient”. Termenul „chillout” a apărut din cultura britanică a ecstasy-ului, care a fost aplicat inițial în „chillout rooms” relaxate și downtempo, în afara ringului de dans principal, unde se ascultau ritmuri ambientale, dub și downtempo pentru a ușura mintea care se afla în stare de trip.
Artiști londonezi precum Aphex Twin (în special: Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76:14, 1994), The Future Sound of London (Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), The Black Dog (Temple of Transparent Balls, 1993), Autechre (Incunabula, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada și The KLF’s Chill Out, (1990), cu toții au avut un rol în popularizarea și diversificarea muzicii ambientale, unde aceasta a fost folosită ca un răgaz calmant față de intensitatea hardcore-ului și a techno-ului popular la acea vreme.
Alți artiști globali de muzică ambientală din anii 1990 includ compozitorii americani Stars of the Lid (care au lansat 5 albume în acest deceniu) și artistul japonez Susumu Yokota, al cărui album Sakura (1999) a prezentat ceea ce revista Pitchfork a numit „chitara procesată și visătoare ca instrument sonor distinctiv”.
Anii 2000-prezentEdit
Muzica ambientală a continuat să câștige popularitate în anii 2000, o serie de artiști consacrați și emergenți publicând lucrări care au fost aclamate de critici.
În 2011, compozitoarea americană Liz Harris care înregistrează sub numele de Grouper a lansat albumul AIA: Alien Observer, inclus de Pitchfork pe locul 21 în topul „50 Best Ambient Albums of All Time”.
În 2011, Julianna Barwick a lansat primul său album de lungă durată, The Magic Place. Puternic influențată de experiențele sale din copilărie în corul unei biserici, Barwick își înfășoară în buclă vocea fără cuvinte în peisaje sonore eterice. Acesta a fost inclus pe locul 30 în topul Pitchfork al celor mai bune 50 de albume ambientale din toate timpurile.
În octombrie 2014, o fostă membră a trupei riot-grrrl, Jo Johnson, a lansat un album de debut neașteptat, Weaving. Dispunând de secvențe repetitive, arpegii și drone, revista Pitchfork a descris albumul ca fiind „o abordare remarcabil de reușită a muzicii ambientale”.
După mai multe albume lansate de ea însăși, compozitoarea, producătoarea și interpreta Buchla Kaitlyn Aurelia Smith a semnat cu casa de discuri independentă Western Vinyl în 2015. În 2016, ea și-a lansat cel de-al doilea album oficial EARS. Acesta asociază sintetizatorul Buchla cu instrumente tradiționale, iar compozițiile ei au fost comparate cu Laurie Spiegel și Alice Coltrane. Kaitlyn a colaborat, de asemenea, cu o altă interpretă Buchla binecunoscută, Suzanne Ciani.
Până la sfârșitul anilor 2000 și 2010, muzica ambientală a câștigat, de asemenea, o recunoaștere pe scară largă pe YouTube, piesele încărcate, de obicei cu o durată cuprinsă între 1 și 8 ore, obținând peste milioane de vizualizări. Astfel de videoclipuri sunt de obicei intitulate sau sunt în general cunoscute sub numele de „muzică de relaxare” și pot fi influențate de alte genuri muzicale. Videoclipurile ambientale îi ajută pe ascultătorii online la yoga, studiu, somn (vezi muzică și somn), masaj, meditație și obținerea de optimism, inspirație și crearea unei atmosfere pașnice în camerele lor sau în alte medii.
Probleme la redarea acestui fișier? Consultați ajutorul media.
Multe videoclipuri ambientale încărcate tind să fie influențate de biomuzică, în care prezintă sunete din natură, deși sunetele ar fi modificate cu reverberații și unități de întârziere pentru a face versiuni spațiale ale sunetelor ca parte a ambianței. Astfel de sunete naturale le includ adesea pe cele ale unei plaje, ale unei păduri tropicale, ale unei furtuni și ale unei ploi, printre altele, fiind folosite, de asemenea, vocalizări ale animalelor, cum ar fi cântecele păsărilor. Piesele care conțin bătăi binaurale sunt, de asemenea, încărcări comune și populare, care oferă terapie muzicală și gestionare a stresului pentru ascultător.
Canale verificate pe YouTube, cum ar fi cea intitulată în mod corespunzător Ambient are peste 400.000 de abonați. Alte canale verificate care publică, de asemenea, muzică ambientală includ, Meditation Relax Music, care are peste un milion de abonați, Soothing Relaxation cu trei milioane de abonați și Relaxing White Noise cu peste 500.000 de abonați, printre altele. iTunes și Spotify au posturi de radio digitale care prezintă muzică ambientală, care sunt în mare parte produse de etichete independente.
Muzica ambientală aclamată a acestei epoci (conform revistei Pitchfork) include lucrări de Max Richter, Julianna Barwick, Grouper, William Basinski și artistul electronic Oneohtrix Point Never.
.