Janet Rickus traz um olhar e uma sensação altamente contemporânea para um gênero venerável.
Por John A. Parks
Nas mãos de Janet Rickus, a natureza-morta torna-se elegante, contemporânea e eléctrica. Muitos dos objetos e adereços com os quais ela trabalha – frutas, vegetais e cerâmica – têm sido grampos do gênero por séculos. Mas Rickus encontra novas e surpreendentes maneiras de posar e organizar os elementos tradicionais. Ela também acrescenta curiosidades, uma estampa de tecido moderno, ou uma peça incomum de cerâmica que sinaliza algo distintamente presente nos dias de hoje. Este sentido é reforçado pela aparência geral das pinturas; há uma clareza nítida em que cada objeto é totalmente realizado em um cristal, luz do dia fria.
Objetos como Metáforas
Além da elegância de suas composições, as pinturas de Rickus carregam com elas múltiplas camadas de significado; elas muitas vezes têm um significado profundamente sentido para o artista. “As naturezas mortas têm vida”, diz ela, “uma conexão com as pessoas e a natureza que eu amo”. Não é simplesmente pintar objetos para mim. As frutas e legumes, bonitos em seus próprios direitos e muitas vezes com formas evocativas, me permitem trazer observações da vida para as pinturas”. A cerâmica, nova ou antiga, com suas funções decorativas ou utilitárias, traz sua própria história e uma conexão com as vidas por trás dela”
Rickus expressa respeito pelos objetos que ela pinta de uma forma inusitada: ela pinta tudo do seu tamanho real. Cabaças, maçãs, cântaros, taças e tecidos são todos cuidadosamente medidos e desenhados um a um. “Não tenho bem a certeza de como isto surgiu”, diz a artista. “Mas sinto que para representar os objectos, tenho de os mostrar como realmente são. Se fossem mais pequenos, não seriam realmente eles.” A identificação da artista com os seus sujeitos também significa que ela nunca os mutila de forma alguma. “Nunca vou cortar uma peça de fruta ou cortar algo em fatias”, diz ela. “Eu simplesmente não posso fazer isso.”
Composições Relacionais
Este sentido dos objetos em uma natureza morta desempenhando papéis quase humanos afeta a forma como Rickus organiza suas composições. Em Quase (acima), por exemplo, dois melões não se tocam bem, sinalizando algo semelhante a tensão interpessoal. Outro drama muito humano é reencenado em Being Green (abaixo). Um pássaro de cerâmica verde é colocado entre um grupo de frutas naturalmente verdes. “Acho que esta pintura é sobre tentar se encaixar”, diz o artista. “É humorístico, mas é também sobre os tipos de coisas que as pessoas fazem”
Na verdade, Rickus diz que ela frequentemente recebe suas idéias de seus companheiros humanos. “A forma como tenho as coisas tocadas, sobrepostas e inclinadas nos meus quadros é algo que recebo da forma como as pessoas se relacionam”, diz ela. “Eu não sei o que mais eu faria, e eu acho que esta é a maneira como os espectadores se relacionam com as pinturas. Mesmo quando não estou a criar intencionalmente uma situação humana, as pessoas que olham para o quadro tendem a trazer os seus próprios dramas para ele”. Longe de ver a natureza morta como um jogo estéril e formal, Rickus entende o gênero como algo que reflete profundamente sobre sua vida e a vida daqueles ao seu redor.
Um Processo Medido
A gênese de uma pintura de Rickus combina espaço para a invenção com uma metodologia altamente disciplinada. O seu estúdio fica no andar superior de uma casa e está virado para norte. Este local dá-lhe uma luz estável e fresca durante a maior parte do dia. Ela nunca usa fotografia.
Aparar objectos escolhidos para uma nova pintura, ela põe-se a trabalhar organizando-os e rearranjando-os em combinação com toalhas de mesa ou tecidos. Enquanto prossegue, ela pesa as várias considerações de design abstrato, coordenação de cores e iconografia. Uma vez satisfeita com o arranjo, ela estica uma tela do tamanho apropriado. Como ela pinta em tamanho real, os objetos no arranjo e as proporções da composição determinam em grande parte as dimensões da tela. “Eu meço a composição real na mesa, permitindo uma margem igual em cada lado e uma permissão em cima e em baixo”, diz a artista.
Layers Upon Layers
Rickus continua sua preparação aplicando oito camadas finas de gesso acrílico na tela. Ela areja entre a maioria das camadas para obter uma superfície lisa. Depois ela aplica uma camada fina de tinta acrílica para tingir a tela inteira. “Eu uso uma lavagem crua de guarda-chuva, mas podia facilmente me ver usando qualquer cor neutra – preto, cinza-azul ou outros marrons”, diz ela.
Rickus então usa um quadrado em T para desenhar uma linha de lápis em sua tela, indicando o tampo da mesa do seu arranjo. Ela adiciona pequenas marcas de lápis para mostrar onde a composição vai começar e terminar à esquerda e à direita de sua superfície. “Como trabalho em tamanho real, costumo medir, da melhor forma possível, os objetos que vou pintar para obter uma boa aproximação das relações de tamanho”, diz a artista.
“Eu também faço algumas marcas de lápis para estes. Então eu aperto as tintas na minha paleta, sejam quais forem as cores que eu acho que vou precisar para os objetos antes de mim”. Começo do lado esquerdo, desenhando o primeiro objeto com meu pincel e a cor apropriada. A minha esperança é que quando chegar ao outro lado da imagem, não esteja muito longe da minha marca de lápis de margem direita”. Vale a pena notar aqui que Rickus não constrói uma pintura inferior monocromática; ela começa com afirmações diretas da cor na frente dela.
Correções e Cores
Saving sketched in the whole picture, Rickus então faz os ajustes necessários para estabilizar a composição e corrigir o desenho. Ela então inicia o processo de estratificação da pintura lentamente, levando a pintura inteira à conclusão.
Rickus trabalha com pincéis sintéticos de tamanho modesto, construindo a pintura com pequenos traços enquanto ela explora as sutis variações de cor através das superfícies. Ela não usa um pincel de leque ou qualquer outra ferramenta de mistura. Mais tarde no processo, ela adiciona Winsor & Newton Liquin à tinta. Isto cria maior translucidez e profundidade à medida que ela esmalta a cor sobre as camadas mais sólidas abaixo.
“Cada objeto funciona fora do outro”, ela diz, “e à medida que um objeto se aproxima da conclusão, o próximo objeto tem que chegar até o desenvolvimento do anterior”. Uma das questões que Rickus tem de resolver nesta fase é a sua escolha da cor de fundo. “Esta é uma das partes mais difíceis da pintura”, diz ela. “Os fundos são normalmente algum tom de cinza – quente, frio, marrom ou azulado. Mas é sempre difícil obter a cor ou o tom certo que complementa cada objeto da pintura”. Muitas vezes é uma questão de tentativa e erro”
Reflexões
Como ela pinta, Rickus olha para o seu trabalho num espelho de vez em quando. Esta estratégia permite-lhe ver a peça com um olho fresco. Muitas vezes isto revela quaisquer erros no desenho ou fraquezas na renderização. À noite, ela leva a pintura para outra sala para que ela possa olhar para ela com uma luz diferente. Este movimento não só refresca sua visão mas também a ajuda a entender como a pintura pode aparecer em outro contexto.
Eventualmente Rickus deve decidir quando parar. “Não posso dizer como sei quando uma pintura está terminada”, diz ela, “exceto que está uniformemente concluída e nada nela me incomoda”.
Após uma pintura estar concluída, uma tarefa que leva entre duas e quatro semanas, Rickus permite que ela seque algumas semanas adicionais antes de aplicar uma mistura de verniz fosco e brilhante para uniformizar o acabamento da pintura e adicionar uma medida de proteção.
A Stage for Creative Play
As pinturas de Rickus têm um aspecto consistente, algo que emerge da visão da artista mas também do seu compromisso para com uma abordagem uniforme. Todas as pinturas são pintadas à mesma luz com o cavalete à mesma distância dos objectos. O ângulo de visão, um nível logo acima da mesa, nunca muda, e a escolha de uma cor de fundo bastante neutra ocorre em todas as pinturas.
A vantagem de limitar rigorosamente estas variáveis é que a artista define para si mesma o palco em que será criativa. Ao invés de limitar a sua criatividade, estas restrições permitem-lhe concentrar-se enquanto explora uma ampla e fascinante gama de ideias.
The Games She Plays
In A Bird Painting (above), por exemplo, Rickus incorpora múltiplas imagens de pássaros, estabelecendo uma correspondência lúdica entre representações tridimensionais e planas. Um pássaro de cerâmica verde ancora a composição. Mas os pássaros também aparecem em cada um dos objetos: estampados no tecido, pintados no frasco, esculpidos no cabo do vaso e esculpidos no relevo da parede. “Demorou algum tempo para reunir todos os objetos para a pintura”, diz Rickus. “Procurei em antiquários e casas de amigos à procura de coisas com imagens de pássaros.” Ela visitou lojas de tecidos mas não conseguiu encontrar uma estampa de pássaro adequada. “Finalmente encontrei a estampa num avental caseiro numa loja de artesanato local”, recorda-se ela. “Desmontei o avental e fiz com que ficasse na toalha de mesa para o quadro.” Ela encontrou a panela na mesma loja de artesanato e comprou a pomba de cerâmica verde no eBay.
Ela joga um tipo diferente de jogo em Above and Below onde um grande grupo de objetos, incluindo um jarro com um desenho floral colorido, senta-se no topo de uma seleção de tecidos cujas cores refletem as dos objetos. É quase como se a parte inferior da pintura fosse algum tipo de abstração dos objetos acima.
Uma brincadeira mais literal está trabalhando em Em Descanso (abaixo) onde uma cabaça grande descansa um pouco prepostamente sobre uma almofada de tamanho normal, como uma criança dormindo. “Todos os anos no outono eu vou à banca do fazendeiro, e sempre encontro algo que é bonito e maravilhoso”, diz Rickus.
“Este ano eu vi esta cabaça enorme – e era realmente enorme. Era longa, mas também muito gorda. Havia algo nela que me atraía no jeito que um bebê gordo poderia: você só quer abraçá-la, mas você também se sente um pouco mal por ser tão gorda. Mas tem um aspecto tão abraçado! O meu coração foi para ele. Eu trouxe-o para casa. E depois pensei: “É tão especial que tenho de o pôr numa almofada.” A pintura acabada tem uma sensação silenciosamente bizarra, um surrealismo suavemente humorístico.
Sentidos ocultos
Está em curso um jogo quase privado no The Gift (topo da página), onde um grupo de objetos é levemente cercado por uma fita com um laço. “Tenho um grupo de pessoas que têm sido meus melhores amigos desde a adolescência”, diz Rickus. “E decidi que queria fazer um quadro sobre nós, mas tinha de trabalhar dentro das minhas limitações. Disse-lhes a todos para escolherem um vegetal ou uma fruta.”
Rickus diz que a princípio não conseguiu encontrar o objecto certo para a sua própria representação, algo que seria significativo mas que também iria ancorar a composição. “Finalmente eu inventei este jarro, um que a minha avó deu à minha mãe”, diz ela. “É tudo muito pessoal. Coloquei a fita à volta de tudo para amarrar tudo, como na amizade”. Suponho que um espectador nunca conheceria esta interpretação, mas, espero, a energia e o sentimento ainda estão fazendo algo”
Rickus planeja continuar trabalhando desta maneira por um futuro previsível”. “Eu continuo com idéias”, diz ela, observando que ela está feliz trabalhando dentro do seu conjunto de confins. Ela observa que seu trabalho tem se tornado mais aguçado e habilidoso com os anos, uma característica da qual ela está claramente orgulhosa. Com maior controle virá, sem dúvida, ainda mais jogos e estratégias sutis, e novas profundezas de sentimento. A artista está ansiosa por isso.
Materiais
- SUPERFÍCIE: pato de algodão não aparado de textura média em macas para serviço pesado e primed com Gesso Acrílico Profissional Utrecht
- ÓLEOS: Old Holland, Holbein e Winsor & Newton
- MEDIUM: Winsor & Newton Liquin, diluente inodoro
- VARNISH: Verniz Soluvar Liquitex, fosco e brilhante, numa mistura 1-1
- BRUSHES: Loew- Cornell No. 1 nódoa plana de nylon branco; Utrecht No. 8 nódoa redonda de nylon branco; Princeton Nos. 2, 4, 6 e 8 filetes de nylon
- OUTROS: 11×15 por- celaína esmaltada bandeja de talho para uma paleta, cavalete de manivela, bastão de mahl, T quadrado
Sobre o Artista
Durante os últimos dois anos de Janet Rickus na Universidade Central do Estado de Connecticut (Nova Bretanha), onde se graduaria com um bacharelado em educação empresarial, fez alguns cursos de arte sem intenção de seguir uma carreira nessa área. Depois da faculdade, ela continuou a ter aulas ocasionais de arte e começou a exibir-se amplamente e a receber honras. Gallery Henoch (Nova Iorque), Clark Gallery (Lincoln, Mass.) e Quidley & Company (Boston e Nantucket, Mass.) representam o seu trabalho. Veja mais de suas pinturas em artsy.net/artist/janet-rickus. Foto de Dorothy Rickus.
John A. Parks é tanto artista como escritor. Seu último livro é Universal Principles of Art: 100 Key Concepts for Understanding, Analyzing and Practicing Art. Visite o seu site em johnaparks.com.
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