OriginsEdit
Como um compositor francês do início do século XX, Erik Satie usou tais explorações inspiradas em Dadais para criar uma forma precoce de música ambiente/background que ele rotulou de “música de mobiliário” (Musique d’ameublement). Isto ele descreveu como sendo o tipo de música que poderia ser tocada durante um jantar para criar uma atmosfera de fundo para aquela atividade, ao invés de servir como foco de atenção.
Em suas próprias palavras, Satie procurou criar “uma música…que fará parte dos ruídos do ambiente, os levará em consideração”. Penso nela como melodiosa, suavizando os ruídos das facas e garfos ao jantar, não os dominando, não se impondo. Encheria aqueles silêncios pesados que, por vezes, caem entre amigos que jantam juntos. Poupava-lhes o trabalho de prestar atenção aos seus próprios comentários banais. E, ao mesmo tempo, neutralizaria os ruídos de rua que tão indiscretamente entram no jogo da conversa. Fazer tal música seria responder a uma necessidade”
Em 1948, o compositor francês & engenheiro, Pierre Schaeffer cunhou o termo musique concrète. Este estilo experimental de música usava gravações de sons naturais que eram depois modificados, manipulados ou realizados para criar uma composição. As técnicas de Shaeffer de usar loops de fita adesiva e emendas são consideradas como sendo as precursoras da amostragem moderna.
Em 1952 John Cage lançou sua famosa composição de três movimentos 4’33 que é uma performance de completo silêncio por quatro minutos e trinta e três segundos. A peça destina-se a captar os sons do ambiente do local/local da performance e a ter essa música tocada. Cage tem sido citado por artistas seminais como Brian Eno como influência.
1960sEditar
Nos anos 60, muitos grupos musicais experimentaram métodos incomuns, com alguns deles criando o que mais tarde seria chamado de música ambiente.
No verão de 1962, os compositores Ramon Sender e Morton Subotnick fundaram o The San Francisco Tape Music Center que funcionava tanto como um estúdio de música eletrônica quanto como local de concerto. Outros compositores que trabalhavam com gravadores tornaram-se membros e colaboradores, incluindo Pauline Oliveros, Terry Riley e Steve Reich. Suas composições, entre outras, contribuíram para o desenvolvimento da música mínima (também chamada minimalismo), que compartilha muitos conceitos semelhantes à música ambiente, como padrões ou pulsos repetitivos, drones estáveis e harmonia consonante.
No final dos anos 60, a compositora francesa Éliane Radigue compôs várias peças processando loops de fita a partir do feedback entre dois gravadores de fita e um microfone. Nos anos 70, ela então passou a compor música similar quase exclusivamente com um sintetizador ARP 2500, e suas longas e lentas composições têm sido frequentemente comparadas à música drone.
Em 1969, o grupo COUM Transmissions estava realizando experiências sônicas em escolas de arte britânicas. Muitas peças de música ambiente foram lançadas na Inglaterra e nos Estados Unidos da América entre o final dos anos 60 e os anos 90. Algumas músicas dos anos 60 com elementos ambientais incluem Music for Yoga Meditation e Other Joys and Music for Zen Meditation de Tony Scott, e Soothing Sounds for Baby de Raymond Scott.
1970sEditar
Desenvolvendo-se nos anos 70, a música ambiente surgiu dos estilos experimentais e sintetizadores do período.
Entre 1974 e 1976, a compositora americana Laurie Spiegel criou sua obra seminal The Expanding Universe, criada em um sistema híbrido computador-analógico chamado GROOVE. Em 1977, sua composição, Music of the Spheres foi incluída no disco de ouro da Voyager 1 e 2.
Em abril de 1975, Suzanne Ciani deu duas performances em seu sintetizador Buchla – uma na loja de música WBAI Free e outra no sótão do Phil Niblock. Estas actuações foram lançadas num álbum de arquivo em 2016 intitulado Buchla Concerts 1975. De acordo com a gravadora, estes concertos foram parte apresentação ao vivo, parte pedido de subsídio e parte demonstração educacional.
No entanto, não foi até Brian Eno cunhar o termo em meados dos anos 70 que a música ambiente foi definida como um gênero. Eno continuou a gravar a Discreet Music de 1975 com isto em mente, sugerindo que ela fosse ouvida em “níveis relativamente baixos, mesmo na medida em que frequentemente fica abaixo do limiar da audibilidade”, referindo-se à citação de Satie sobre a sua musique d’ameublement.
Outros músicos contemporâneos que criavam música ao estilo ambiente na altura incluíam músicos dub jamaicanos como King Tubby, compositores japoneses de música electrónica como Isao Tomita e Ryuichi Sakamoto, assim como as paisagens sonoras psicoacústicas da série Environments de Irv Teibel, e bandas alemãs como Popol Vuh, Ash Ra Tempel e Tangerine Dream.
O impacto que a ascensão do sintetizador na música moderna teve no ambiente como gênero não pode ser exagerado; como Ralf Hutter dos primeiros pioneiros da eletrônica Kraftwerk disse em uma entrevista à Billboard em 1977: “A electrónica está além das nações e das cores… com a electrónica tudo é possível. O único limite é com o compositor”. A Orquestra Mágica Amarela desenvolveu um estilo distinto de música eletrônica ambiente que mais tarde seria desenvolvido em música doméstica ambiente.
Brian EnoEdit
O produtor inglês Brian Eno é creditado com o cunho do termo “música ambiente” em meados dos anos 70. Ele disse que outros artistas tinham criado música semelhante, mas que “eu só lhe dei um nome”. Que é exatamente o que ele precisava … Ao dar um nome a algo você cria uma diferença. Você diz que isso agora é real. Os nomes são muito importantes.” Ele usou o termo para descrever música que é diferente de formas de música enlatada como Muzak.
Nas notas do seu álbum de 1978 Ambient 1: Music for Airports, Eno escreveu:
Onde as empresas de música enlatada existentes procedem da base da regularização de ambientes, cobrindo as suas idiossincrasias acústicas e atmosféricas, Ambient Music tem como objectivo realçá-las. Enquanto a música de fundo convencional é produzida retirando da música toda a sensação de dúvida e incerteza (e portanto todo o interesse genuíno), a Ambient Music mantém estas qualidades. E enquanto a sua intenção é “alegrar” o ambiente, acrescentando-lhe estímulos (aliviando assim supostamente o tédio das tarefas de rotina e nivelando os altos e baixos naturais dos ritmos do corpo), a Ambient Music destina-se a induzir calma e um espaço para pensar. Ambient Music deve ser capaz de acomodar muitos níveis de atenção auditiva sem impor um em particular; deve ser tão ignorável quanto interessante.
Eno, que se descreve como um “não-músico”, chamou suas experiências de “tratamentos” ao invés de performances tradicionais.
1980sEditar
No final dos anos 70, o músico novato Laraaji começou a andar de ônibus em parques e calçadas de Nova York, incluindo o Washington Square Park. Foi lá que Brian Eno ouviu Laraaji tocar e lhe perguntou se ele gostaria de gravar um álbum. Day of Radiance, lançado em 1980, foi o terceiro álbum da série Ambient do Eno. Embora Laraaji já tivesse gravado uma série de álbuns, este lhe deu reconhecimento internacional. Ao contrário de outros álbuns da série, Day of Radiance apresentava principalmente instrumentos acústicos ao invés de eletrônicos.
Em meados dos anos 80, as possibilidades de criar uma paisagem sonora aumentaram através do uso de sampling. No final dos anos 80, houve um aumento acentuado na incorporação do computador no processo de escrita e gravação de discos. A plataforma Macintosh de 16 bits com som incorporado e modelos IBM comparáveis encontrar-se-ia em estúdios e casas de músicos e gravadores.
No entanto, muitos artistas ainda trabalhavam com sintetizadores analógicos e instrumentos acústicos para produzir trabalhos ambientais.
Em 1983, Midori Takada gravou o seu primeiro LP a solo através do The Looking Glass em dois dias. Ela executou todas as partes do álbum, com diversos instrumentos incluindo percussão, marimba, gong, órgão de palhetas, sinos, ocarina, vibrafone, piano e garrafas de Coca-Cola de vidro.
Entre 1988 e 1993, Éliane Radigue produziu obras de três horas no ARP 2500 que foram posteriormente emitidas em conjunto como La Trilogie De La Mort.
1990sEdit
No início dos anos 90, artistas como o Orb, Aphex Twin, Seefeel, the Irresistible Force, Biosphere, e a Higher Intelligence Agency obtiveram sucesso comercial e estavam sendo referidos pela imprensa musical popular como ambient house, ambient techno, IDM ou simplesmente “ambient”. O termo chillout surgiu da cultura britânica do ecstasy que foi originalmente aplicado em relaxadas “salas de chillout” downtempo fora da pista de dança principal onde batidas ambiente, dublagem e downtempo eram tocadas para aliviar a mente tropeçante.
Artista londrino como Aphex Twin (especificamente: Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76:14, 1994), The Future Sound of London (Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), The Black Dog (Temple of Transparent Balls, 1993), Autechre (Incunabula, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada, e The KLF’s Chill Out, (1990), todos participaram na popularização e diversificação da música ambiente, onde foi usada como uma pausa calmante da intensidade do hardcore e do techno popular naquela época.
Outros artistas ambientais globais dos anos 90 incluem os compositores americanos Stars of the Lid (que lançou 5 álbuns durante esta década), e o artista japonês Susumu Yokota, cujo álbum Sakura (1999) apresentou o que a revista Pitchfork chamou de “dreamy, processou guitarra como uma ferramenta sonora distinta”.
2000-presenteEditar
A música ambiente continuou a ganhar popularidade nos anos 2000 com uma série de artistas estabelecidos e emergentes a publicar obras aclamadas pela crítica.
Em 2011, a compositora americana Liz Harris gravando como Grouper lançou o álbum AIA: Alien Observer, listada pelo Pitchfork no número 21 em seu “50 Best Ambient Albums of All Time”.
Em 2011, Julianna Barwick lançou seu primeiro álbum completo, The Magic Place. Fortemente influenciada por suas experiências de infância em um coral de igreja, Barwick faz loops de seus vocais sem palavras em paisagens sonoras etéreas. Foi listado no número 30 no Pitchfork’s 50 Best Ambient Albums of All Time.
Em outubro de 2014, uma ex-membro da banda Jo Johnson lançou um inesperado álbum de estréia Weaving. Apresentando sequências repetitivas, arpejos e drones, a revista Pitchfork descreveu o álbum como “uma tomada de música ambiente notavelmente realizada”.
Após vários álbuns auto-lançados, a compositora, produtora e intérprete Kaitlyn Aurelia Smith foi contratada pela gravadora independente Western Vinyl em 2015. Em 2016, ela lançou seu segundo álbum oficial, EARS. O sintetizador Buchla foi emparelhado com instrumentos tradicionais e suas composições foram comparadas a Laurie Spiegel e Alice Coltrane. Kaitlyn também colaborou com outra conhecida performer Buchla, Suzanne Ciani.
No final dos anos 2000 e 2010, a música ambiente também ganhou amplo reconhecimento no YouTube, com peças carregadas, geralmente com duração de 1 a 8 horas, superando milhões de hits. Tais vídeos são geralmente intitulados, ou geralmente conhecidos como, “música relaxante”, e podem ser influenciados por outros gêneros musicais. Os vídeos ambientais ajudam os ouvintes online com ioga, estudo, sono (ver música e sono), massagem, meditação e ganhando otimismo, inspiração e criando uma atmosfera pacífica em seus quartos ou outros ambientes.
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Muitos vídeos ambientais carregados tendem a ser influenciados pela biomúsica, onde apresentam sons da natureza, embora os sons sejam modificados com reverberações e unidades de atraso para fazer versões espaciais dos sons como parte do ambiente. Tais sons naturais incluem muitas vezes os de uma praia, floresta tropical, trovoada e chuva, entre outros, com vocalizações de animais como cantos de pássaros sendo usados também. Peças contendo batidas binaurais são também uploads comuns e populares, que proporcionam terapia musical e gerenciamento de estresse para o ouvinte.
Verified YouTube channels, tais como o apropriadamente intitulado Ambient tem mais de 400.000 assinantes. Outros canais verificados que também publicam música ambiente incluem, Meditation Relax Music, que tem mais de 1 milhão de assinantes, Soothing Relaxation com três milhões de assinantes, e Relaxing White Noise com mais de 500.000 assinantes, entre outros. iTunes e Spotify têm estações de rádio digital que apresentam música ambiente, que são em sua maioria produzidas por gravadoras independentes.
Aclamada música ambiente desta época (de acordo com a revista Pitchfork) inclui obras de Max Richter, Julianna Barwick, Grouper, William Basinski e o artista eletrônico Oneohtrix Point Never.