OriginsEdit
Als vroeg 20e-eeuwse Franse componist gebruikte Erik Satie dergelijke door de dadaïsten geïnspireerde verkenningen om een vroege vorm van ambient/achtergrondmuziek te creëren die hij “meubelmuziek” (Musique d’ameublement) noemde. Hij beschreef dit als het soort muziek dat gespeeld kon worden tijdens een diner om een achtergrondatmosfeer te scheppen voor die activiteit, in plaats van als middelpunt van de aandacht te dienen.
In zijn eigen woorden probeerde Satie “een muziek te creëren…die deel zal uitmaken van de geluiden van de omgeving, er rekening mee zal houden. Ik zie het als melodieus, de geluiden van de messen en vorken tijdens het eten verzachtend, ze niet overheersend, zich niet opdringend. Het zou de zware stiltes opvullen die soms vallen tussen vrienden die samen dineren. Het zou hen de moeite besparen om aandacht te schenken aan hun eigen banale opmerkingen. En tegelijkertijd zou het de straatgeluiden neutraliseren die zo indiscreet in het spel van de conversatie binnendringen. Zulke muziek maken zou beantwoorden aan een behoefte.”
In 1948 bedacht de Franse componist & ingenieur, Pierre Schaeffer de term musique concrète. Deze experimentele muziekstijl maakte gebruik van opnamen van natuurlijke geluiden die vervolgens werden gewijzigd, gemanipuleerd of bewerkt om een compositie te creëren. Schaeffer’s technieken van het gebruik van tape loops en splicing worden beschouwd als de voorloper van de moderne sampling.
In 1952 bracht John Cage zijn beroemde driedelige compositie 4’33 uit, een uitvoering van volledige stilte gedurende vier minuten en drieëndertig seconden. Het stuk is bedoeld om de omgevingsgeluiden van de plaats van uitvoering op te vangen en dat als de gespeelde muziek te laten klinken. Cage wordt door kunstenaars als Brian Eno als invloed genoemd.
Jaren ’60Edit
In de jaren ’60 experimenteerden veel muziekgroepen met ongebruikelijke methoden, waarbij sommigen van hen creëerden wat later ambient music zou worden genoemd.
In de zomer van 1962 richtten de componisten Ramon Sender en Morton Subotnick het San Francisco Tape Music Center op, dat zowel als elektronische muziekstudio en als concertpodium fungeerde. Andere componisten die met bandrecorders werkten werden leden en medewerkers, waaronder Pauline Oliveros, Terry Riley en Steve Reich. Hun composities, onder anderen, droegen bij aan de ontwikkeling van minimal music (ook wel minimalisme genoemd), die veel vergelijkbare concepten deelt met ambient music, zoals repetitieve patronen of pulsen, steady drones, en consonante harmonie.
In de late jaren ’60, componeerde de Franse componiste Éliane Radigue verschillende stukken door het verwerken van tape loops van de feedback tussen twee bandrecorders en een microfoon. In de jaren ’70 ging ze vervolgens soortgelijke muziek vrijwel uitsluitend componeren met een ARP 2500 synthesizer, en haar lange, trage composities zijn vaak vergeleken met drone-muziek.
In 1969 voerde de groep COUM Transmissions sonische experimenten uit in Britse kunstscholen. Tussen het eind van de jaren zestig en de jaren negentig werden in Engeland en de Verenigde Staten van Amerika veel stukken ambient muziek uitgebracht. Enkele muziekstukken uit de jaren 1960 met ambient-elementen zijn Music for Yoga Meditation and Other Joys en Music for Zen Meditation van Tony Scott, en Soothing Sounds for Baby van Raymond Scott.
1970sEdit
Ontwikkelend in de jaren 1970, ambient muziek vloeide voort uit de experimentele en synthesizer-georiënteerde stijlen van de periode.
Tussen 1974 en 1976, de Amerikaanse componiste Laurie Spiegel creëerde haar baanbrekende werk The Expanding Universe, gemaakt op een computer-analoog hybride systeem genaamd GROOVE. In 1977 werd haar compositie Music of the Spheres opgenomen op de Golden Record van Voyager 1 en 2.
In april 1975 gaf Suzanne Ciani twee uitvoeringen op haar Buchla synthesizer – een in de WBAI Free music store en een in de loft van Phil Niblock. Deze optredens werden in 2016 uitgebracht op een archiefalbum met de titel Buchla Concerts 1975. Volgens het platenlabel waren deze concerten deels live-presentatie, deels subsidieaanvraag en deels educatieve demonstratie.
Het was echter pas toen Brian Eno halverwege de jaren 70 de term bedacht, dat ambient muziek als een genre werd gedefinieerd. Eno nam in 1975 Discreet Music op met dit doel voor ogen en stelde voor om het te beluisteren op “relatief lage niveaus, zelfs in de mate dat het vaak onder de drempel van hoorbaarheid valt”, verwijzend naar Satie’s uitspraak over zijn musique d’ameublement.
Andere musici die in die tijd ambient-muziek maakten, waren onder meer Jamaicaanse dub-muzikanten als King Tubby, Japanse elektronische muziekcomponisten als Isao Tomita en Ryuichi Sakamoto en de psychoakoestische soundscapes van Irv Teibel’s Environments-serie, en Duitse bands als Popol Vuh, Ash Ra Tempel en Tangerine Dream.
De impact die de opkomst van de synthesizer in de moderne muziek had op ambient als genre kan niet overschat worden; zoals Ralf Hutter van de vroege elektronische pioniers Kraftwerk zei in een Billboard interview uit 1977: “Elektronica is voorbij naties en kleuren…met elektronica is alles mogelijk. De enige grens ligt bij de componist”. The Yellow Magic Orchestra ontwikkelde een aparte stijl van ambient elektronische muziek die later zou worden ontwikkeld tot ambient house muziek.
Brian EnoEdit
De Engelse producer Brian Eno wordt gecrediteerd voor het bedenken van de term “ambient music” in het midden van de jaren zeventig van de vorige eeuw. Hij zei dat andere artiesten al soortgelijke muziek hadden gemaakt, maar dat “ik het gewoon een naam heb gegeven. En dat is precies wat het nodig had … Door iets een naam te geven creëer je een verschil. Je zegt dat dit nu echt is. Namen zijn heel belangrijk.” Hij gebruikte de term om muziek te beschrijven die verschilt van vormen van ingeblikte muziek zoals muzak.
In de begeleidende notities bij zijn album Ambient 1: Music for Airports uit 1978 schreef Eno:
Waar de bestaande ingeblikte muziekbedrijven uitgaan van het regulariseren van omgevingen door hun akoestische en atmosferische eigenaardigheden te verdoezelen, is Ambient Music bedoeld om deze te versterken. Terwijl conventionele achtergrondmuziek wordt geproduceerd door alle gevoel van twijfel en onzekerheid (en dus alle oprechte belangstelling) uit de muziek te verwijderen, behoudt “ambient music” deze kwaliteiten. En terwijl het de bedoeling is de omgeving “op te fleuren” door er stimulansen aan toe te voegen (en zo de verveling van routinetaken te verlichten en de natuurlijke ups en downs van het lichaamsritme af te vlakken), is ambient muziek bedoeld om kalmte teweeg te brengen en ruimte te scheppen om na te denken. Ambient Music moet geschikt zijn voor vele niveaus van luisteraandacht zonder er één in het bijzonder op te leggen; het moet even negeerbaar als interessant zijn.
Eno, die zichzelf omschrijft als een “niet-muzikant”, noemde zijn experimenten eerder “behandelingen” dan traditionele uitvoeringen.
jaren ’80Edit
In de late jaren ’70 begon new-age muzikant Laraaji te “busken” in New Yorkse parken en trottoirs, waaronder Washington Square Park. Het was daar dat Brian Eno Laraaji hoorde spelen en hem vroeg of hij een album wilde opnemen. Day of Radiance, uitgebracht in 1980, was het derde album in Eno’s Ambient serie. Hoewel Laraaji al een aantal albums had opgenomen, kreeg hij met dit album internationale erkenning. In tegenstelling tot andere albums in de serie, bevatte Day of Radiance voornamelijk akoestische instrumenten in plaats van elektronica.
In het midden van de jaren tachtig namen de mogelijkheden om een sonisch landschap te creëren toe door het gebruik van sampling. Tegen het einde van de jaren tachtig was er een sterke toename van de integratie van de computer in het schrijf- en opnameproces van platen. Het zestien-bit Macintosh-platform met ingebouwd geluid en vergelijkbare IBM-modellen vonden hun weg naar studio’s en huizen van muzikanten en platenmakers.
Veel artiesten werkten echter nog steeds met analoge synthesizers en akoestische instrumenten om ambient werken te produceren.
In 1983 nam Midori Takada haar eerste solo LP Through The Looking Glass in twee dagen op. Ze nam alle partijen op het album voor haar rekening, met uiteenlopende instrumentatie waaronder percussie, marimba, gong, rietorgel, bellen, ocarina, vibrafoon, piano en glazen Coca-Colaflesjes.
Tussen 1988 en 1993 produceerde Éliane Radigue drie werken van een uur op de ARP 2500, die vervolgens samen werden uitgegeven als La Trilogie De La Mort.
Ook in 1988 bedacht Pauline Oliveros, stichtend lid en directeur van het San Francisco Tape Music Centre, de term “deep listening” nadat zij een album had opgenomen in een enorme ondergrondse cisterne in Washington met een nagalmtijd van 45 seconden. Het concept van Deep Listening werd vervolgens “een esthetiek gebaseerd op principes van improvisatie, elektronische muziek, ritueel, onderwijs en meditatie”.
Jaren 1990Edit
In het begin van de jaren 1990 kregen artiesten als the Orb, Aphex Twin, Seefeel, the Irresistible Force, Biosphere, en the Higher Intelligence Agency commercieel succes en werden ze door de populaire muziekpers aangeduid als ambient house, ambient techno, IDM of gewoon “ambient”. De term chillout kwam voort uit de Britse ecstasy cultuur die oorspronkelijk werd toegepast in ontspannen downtempo “chillout rooms” buiten de belangrijkste dansvloer waar ambient, dub en downtempo beats werden gedraaid om de trippende geest te kalmeren.
Londense artiesten als Aphex Twin (met name: Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76:14, 1994), The Future Sound of London (Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), The Black Dog (Temple of Transparent Balls, 1993), Autechre (Incunabula, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada, en The KLF’s Chill Out, (1990), hebben allemaal een rol gespeeld in het populariseren en diversifiëren van ambient muziek waar het werd gebruikt als een rustgevende adempauze van de intensiteit van de hardcore en techno populair in die tijd.
Andere wereldwijde ambient artiesten uit de jaren 1990 zijn onder meer de Amerikaanse componisten Stars of the Lid (die in dit decennium 5 albums uitbrachten), en de Japanse artiest Susumu Yokota wiens album Sakura (1999) gekenmerkt werd door wat het tijdschrift Pitchfork noemde “dromerige, bewerkte gitaar als een onderscheidend geluidsinstrument”.
2000s-presentEdit
Ambient muziek bleef aan populariteit winnen in de jaren 2000 met een aantal gevestigde en opkomende kunstenaars gepubliceerd werken om kritisch toejuichen.
In 2011, de Amerikaanse componiste Liz Harris opnemen als Grouper bracht het album AIA: Alien Observer, door Pitchfork op nummer 21 geplaatst van hun “50 Best Ambient Albums of All Time”.
In 2011 bracht Julianna Barwick haar eerste full-length album The Magic Place uit. Zwaar beïnvloed door haar jeugdervaringen in een kerkkoor, laat Barwick haar woordloze vocalen overvloeien in etherische soundscapes. Het stond op nummer 30 van Pitchfork’s 50 Best Ambient Albums of All Time.
In oktober 2014 bracht een ex riot-grrrl bandlid Jo Johnson een onverwacht debuutalbum Weaving uit. Met repetitieve sequenties, arpeggio’s en drones, beschreef het tijdschrift Pitchfork het album als “een opmerkelijk volbrachte kijk op ambient muziek”.
Na verschillende zelf uitgebrachte albums, werd Buchla-componist, producer en performer Kaitlyn Aurelia Smith in 2015 getekend bij het onafhankelijke platenlabel Western Vinyl. In 2016 bracht ze haar tweede officiële album EARS uit. Het paarde de Buchla synthesizer met traditionele instrumenten en haar composities werden vergeleken met Laurie Spiegel en Alice Coltrane. Kaitlyn heeft ook samengewerkt met een andere bekende Buchla-uitvoerder, Suzanne Ciani.
Tegen het einde van de jaren 2000 en 2010 kreeg ambient muziek ook wijdverspreide erkenning op YouTube, met geüploade stukken, meestal variërend van 1 tot 8 uur lang, die meer dan miljoenen hits kregen. Dergelijke video’s zijn meestal getiteld, of zijn algemeen bekend als, “ontspannende muziek”, en kunnen worden beïnvloed door andere muziekgenres. Ambient video’s helpen online luisteraars met yoga, studie, slaap (zie muziek en slaap), massage, meditatie en het verkrijgen van optimisme, inspiratie, en het creëren van een rustige sfeer in hun kamer of andere omgevingen.
Problemen met het afspelen van dit bestand? Raadpleeg de mediahulp.
Veel geüploade ambientvideo’s zijn beïnvloed door biomuziek waarin natuurgeluiden voorkomen, hoewel de geluiden worden aangepast met reverbs en vertragingsunits om ruimtelijke versies van de geluiden te maken als onderdeel van de ambient. Dergelijke natuurlijke geluiden zijn vaak die van een strand, regenwoud, onweer en regenval, onder anderen, met vocalisaties van dieren, zoals vogelgezang wordt ook gebruikt. Stukken met binaural beats zijn veel voorkomende en populaire uploads ook, die muziek therapie en stress management voor de luisteraar te bieden.
Geverifieerde YouTube-kanalen, zoals toepasselijk getiteld Ambient heeft meer dan 400.000 abonnees. Andere geverifieerde kanalen die ook ambient muziek publiceren zijn, Meditation Relax Music, die meer dan 1 miljoen abonnees heeft, Soothing Relaxation met drie miljoen abonnees, en Relaxing White Noise met meer dan 500.000 abonnees, onder anderen. iTunes en Spotify hebben digitale radiostations die ambient muziek bevatten, die meestal worden geproduceerd door onafhankelijke labels.
Acclaimed ambient muziek van dit tijdperk (volgens Pitchfork magazine) omvatten werken van Max Richter, Julianna Barwick, Grouper, William Basinski en elektronische kunstenaar Oneohtrix Point Never.