茶碗や花、食材など、一般家庭にあるありふれたものを表現することは、昔も今も静物画家の主な仕事である。
17世紀初頭、静物画は美術の独立したジャンルとなったが、当時の歴史的、寓意的表現に比べると重要度は低いと考えられていた。 同じ時期にヨーロッパ各地で独立したジャンルとして登場したため、誰が最初に絵画の中で静物画を発展させ、実践したかを判別することは不可能です。 静物画の始まりは、15世紀のフランドル地方のマリア像、イタリアの肉屋像、スペインのボデガなど、ヨーロッパ各地の絵画の伝統に遡ることができる。 18世紀のジャン＝バティスト・シャルダンは、フランドルの静物画家の成功に倣って静物画を発展させた。 オランダ的な写実性、あるいは柔らかな調和を生かした作品を制作し、代表的な静物画を生み出した。 ヨーロッパでは、美術アカデミーの発達により、ジャンルの序列化が進み、静物画は他のジャンルに比べて徐々に遅れ、実践されなくなった。 しかし、新古典主義が衰退し、ロマン主義や写実主義が台頭してくると、フランシスコ・ゴヤ、ギュスターヴ・クールベ、ウジェーヌ・ドラクロワらの間で再び静物が重要なテーマとして扱われるようになった。 20世紀には、静物画は他の画家と肩を並べる芸術のテーマとなり、印象派やポスト印象派の台頭により、色彩や光がテーマより優位に立つようになりました。 フォーヴィスム、表現主義、キュビスム、ポップアート、フォトリアリズムと、静物画の発展は、その時代のスタイルの変化と密接に関連している。
以下は、20世紀を代表する静物画家とその作品の例です
編集後記 ネイチャー・モルト 現代アーティストが静物画の伝統を再活性化する
現代を代表するアーティストたちが、かつて現代美術というよりも16～17世紀のオールドマスターたちと結びついていたジャンルである静物画を復活させています。 ここで紹介する大胆な静物画は、その歴史的優位に挑戦し、nature morte（フランス語で「死んだ自然」の意）の作品であることの意味を再定義しています。 絵画、ドローイング、彫刻、ビデオ、その他のメディアを問わず、現代のアーティストたちは、何世紀にもわたるこの伝統に基づき、現代において概念的な活力、美、そして感情的な痛ましさを備えた作品を生み出しています。 本書は、静物画の伝統的なカテゴリーである「植物」「食べ物」「家」「動物」「死」に沿って構成されており、各章では、メメント・モリの時代を超えた象徴的な響きが、新しいミレニアムにおいていかに再発見されたかを探求しています
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