OrígenesEditar
Como compositor francés de principios del siglo XX, Erik Satie utilizó estas exploraciones de inspiración dadaísta para crear una forma temprana de música ambiental/de fondo que denominó «música de mobiliario» (Musique d’ameublement). La describió como el tipo de música que podía sonar durante una cena para crear una atmósfera de fondo para esa actividad, en lugar de servir como centro de atención.
En sus propias palabras, Satie buscaba crear «una música… que formara parte de los ruidos del entorno, que los tuviera en cuenta. La considero melodiosa, que suavice los ruidos de los cuchillos y tenedores en la cena, que no los domine, que no se imponga. Llenaría esos pesados silencios que a veces se producen entre los amigos que cenan juntos. Les evitaría la molestia de prestar atención a sus propios comentarios banales. Y al mismo tiempo neutralizaría los ruidos de la calle que tan indiscretamente entran en el juego de la conversación. Hacer una música así sería responder a una necesidad»
En 1948, el compositor francés &ingeniero Pierre Schaeffer acuñó el término musique concrète. Este estilo de música experimental utilizaba grabaciones de sonidos naturales que luego se modificaban, manipulaban o afectaban para crear una composición. Las técnicas de Shaeffer, consistentes en utilizar bucles de cinta y empalmes, se consideran las precursoras del sampling actual.
En 1952, John Cage lanzó su famosa composición de tres movimientos 4’33, que consiste en una interpretación en completo silencio durante cuatro minutos y treinta y tres segundos. La pieza pretende capturar los sonidos ambientales del lugar de la actuación y que eso sea la música que se interpreta. Cage ha sido citado como influencia por artistas seminales como Brian Eno.
Década de 1960Editar
En la década de 1960, muchos grupos de música experimentaron con métodos inusuales, y algunos de ellos crearon lo que más tarde se llamaría música ambiental.
En el verano de 1962, los compositores Ramon Sender y Morton Subotnick fundaron el Centro de Música de Cintas de San Francisco, que funcionaba como estudio de música electrónica y lugar de conciertos. Otros compositores que trabajaban con magnetófonos se convirtieron en miembros y colaboradores, como Pauline Oliveros, Terry Riley y Steve Reich. Sus composiciones, entre otras, contribuyeron al desarrollo de la música minimalista (también llamada minimalismo), que comparte muchos conceptos similares a los de la música ambiental, como los patrones o pulsos repetitivos, los drones constantes y la armonía consonante.
A finales de los años 60, la compositora francesa Éliane Radigue compuso varias piezas procesando bucles de cinta a partir de la retroalimentación entre dos grabadoras y un micrófono. En los años 70, pasó a componer música similar casi exclusivamente con un sintetizador ARP 2500, y sus largas y lentas composiciones se han comparado a menudo con la música drone.
En 1969, el grupo COUM Transmissions realizaba experimentos sónicos en escuelas de arte británicas. Entre finales de la década de 1960 y la década de 1990 se publicaron muchas piezas de música ambiental en Inglaterra y los Estados Unidos de América. Algunas músicas de la década de 1960 con elementos ambientales son Music for Yoga Meditation and Other Joys y Music for Zen Meditation de Tony Scott, y Soothing Sounds for Baby de Raymond Scott.
Década de 1970Editar
Desarrollada en la década de 1970, la música ambiental surgió de los estilos experimentales y orientados a los sintetizadores de la época.
Entre 1974 y 1976, la compositora estadounidense Laurie Spiegel creó su obra seminal The Expanding Universe, creada en un sistema híbrido ordenador-analógico llamado GROOVE. En 1977, su composición Music of the Spheres se incluyó en el Disco de Oro de los Voyager 1 y 2.
En abril de 1975, Suzanne Ciani realizó dos actuaciones con su sintetizador Buchla, una en la tienda de música libre WBAI y otra en el loft de Phil Niblock. Estas actuaciones se publicaron en un álbum de archivo en 2016 titulado Buchla Concerts 1975. Según el sello discográfico, estos conciertos eran en parte una presentación en vivo, en parte una solicitud de subvención y en parte una demostración educativa.
Sin embargo, no fue hasta que Brian Eno acuñó el término a mediados de los 70 que la música ambiental se definió como un género. Eno llegó a grabar Discreet Music, de 1975, con esta idea, sugiriendo que se escuchara a «niveles comparativamente bajos, incluso hasta el punto de caer con frecuencia por debajo del umbral de audibilidad», refiriéndose a la cita de Satie sobre su musique d’ameublement.
Otros músicos contemporáneos que creaban música de estilo ambiental en aquella época eran músicos de dub jamaicanos como King Tubby, compositores japoneses de música electrónica como Isao Tomita y Ryuichi Sakamoto, así como los paisajes sonoros psicoacústicos de la serie Environments de Irv Teibel, y grupos alemanes como Popol Vuh, Ash Ra Tempel y Tangerine Dream.
No se puede exagerar el impacto que el auge del sintetizador en la música moderna tuvo en el ambient como género; como dijo Ralf Hutter, de los primeros pioneros de la electrónica, Kraftwerk, en una entrevista con Billboard en 1977: «La electrónica está más allá de las naciones y los colores… con la electrónica todo es posible. El único límite está en el compositor». The Yellow Magic Orchestra desarrolló un estilo distintivo de música electrónica ambiental que más tarde se convertiría en música house ambiental.
Brian EnoEditar
Se atribuye al productor inglés Brian Eno la acuñación del término «música ambiental» a mediados de la década de 1970. Dijo que otros artistas habían creado música similar, pero que «yo sólo le di un nombre. Que es exactamente lo que necesitaba… Al nombrar algo se crea una diferencia. Dices que esto es ahora real. Los nombres son muy importantes». Utilizó el término para describir la música que es diferente de las formas de música enlatada como el Muzak.
En las notas de su álbum de 1978 Ambient 1: Music for Airports, Eno escribió:
Mientras que las empresas de música enlatada existentes parten de la base de regularizar los entornos cubriendo sus idiosincrasias acústicas y atmosféricas, la música ambiental pretende mejorarlas. Mientras que la música de fondo convencional se produce despojando a la música de toda sensación de duda e incertidumbre (y, por tanto, de todo interés genuino), la Música Ambiental conserva estas cualidades. Y mientras que su intención es «alegrar» el ambiente añadiéndole estímulos (aliviando así supuestamente el tedio de las tareas rutinarias y nivelando los altibajos naturales de los ritmos corporales) la Música Ambiental pretende inducir la calma y un espacio para pensar. La Música Ambiental debe ser capaz de acomodar muchos niveles de atención auditiva sin imponer uno en particular; debe ser tan ignorable como interesante.
Eno, que se describe a sí mismo como un «no-músico», calificó sus experimentos como «tratamientos» en lugar de actuaciones tradicionales.
Década de 1980Editar
A finales de los 70, el músico de la nueva era Laraaji comenzó a pasearse por los parques y aceras de Nueva York, incluyendo el parque de Washington Square. Fue allí donde Brian Eno escuchó a Laraaji tocando y le preguntó si le gustaría grabar un álbum. Day of Radiance, publicado en 1980, fue el tercer álbum de la serie Ambient de Eno. Aunque Laraaji ya había grabado varios álbumes, éste le dio reconocimiento internacional. A diferencia de otros álbumes de la serie, Day of Radiance incluía principalmente instrumentos acústicos en lugar de electrónica.
A mediados de la década de 1980, las posibilidades de crear un paisaje sónico aumentaron gracias al uso del sampling. A finales de la década de 1980, se produjo un fuerte aumento de la incorporación del ordenador en el proceso de composición y grabación de discos. La plataforma Macintosh de dieciséis bits con sonido incorporado y los modelos comparables de IBM se encontraban en los estudios y hogares de los músicos y fabricantes de discos.
Sin embargo, muchos artistas seguían trabajando con sintetizadores analógicos e instrumentos acústicos para producir obras ambientales.
En 1983, Midori Takada grabó su primer LP en solitario Through The Looking Glass en dos días. Interpretó todas las partes del álbum, con una instrumentación variada que incluía percusión, marimba, gong, órgano de lengüetas, campanas, ocarina, vibráfono, piano y botellas de vidrio de Coca-Cola.
Entre 1988 y 1993 Éliane Radigue produjo tres obras de una hora de duración en el ARP 2500 que posteriormente se publicaron juntas como La Trilogie De La Mort.
También en 1988, la miembro fundadora y directora del San Francisco Tape Music Centre, Pauline Oliveros, acuñó el término «deep listening» (escucha profunda) después de grabar un disco dentro de una enorme cisterna subterránea en Washington que tiene un tiempo de reverberación de 45 segundos. El concepto de Deep Listening pasó a convertirse en «una estética basada en los principios de la improvisación, la música electrónica, el ritual, la enseñanza y la meditación».
Década de 1990Editar
A principios de la década de 1990, artistas como The Orb, Aphex Twin, Seefeel, The Irresistible Force, Biosphere y Higher Intelligence Agency obtuvieron éxito comercial y la prensa musical popular se refirió a ellos como ambient house, ambient techno, IDM o simplemente «ambient». El término chillout surgió de la cultura británica del éxtasis, que se aplicaba originalmente en las relajadas «salas de chillout» fuera de la pista de baile principal, en las que se pinchaban ritmos ambient, dub y downtempo para aliviar la mente del tripiado.
Artistas londinenses como Aphex Twin (concretamente: Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76:14, 1994), The Future Sound of London (Lifeforms, 1994, ISDN, 1994), The Black Dog (Temple of Transparent Balls, 1993), Autechre (Incunabula, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada, y The KLF’s Chill Out, (1990), tomaron parte en la popularización y diversificación de la música ambient donde se utilizó como un respiro calmante de la intensidad del hardcore y el techno populares en ese momento.
Otros artistas de ambient global de los años 90 son los compositores estadounidenses Stars of the Lid (que publicaron 5 álbumes durante esta década), y el artista japonés Susumu Yokota, cuyo álbum Sakura (1999) presentaba lo que la revista Pitchfork denominó «guitarra onírica y procesada como herramienta sonora distintiva».
Década de 2000-actualidadEditar
La música ambiental continuó ganando popularidad en la década de 2000 con una serie de artistas establecidos y emergentes publicaron obras con éxito de crítica.
En 2011, la compositora estadounidense Liz Harris grabando como Grouper lanzó el álbum AIA: Alien Observer, incluido por Pitchfork en el número 21 de sus «50 mejores álbumes de ambiente de todos los tiempos».
En 2011, Julianna Barwick publicó su primer álbum de larga duración The Magic Place. Muy influenciada por sus experiencias infantiles en un coro de la iglesia, Barwick enlaza sus voces sin palabras en paisajes sonoros etéreos. Fue incluido en el número 30 de los 50 mejores álbumes de ambiente de todos los tiempos de Pitchfork.
En octubre de 2014, un ex miembro de la banda riot-grrrl, Jo Johnson, publicó un inesperado álbum de debut, Weaving. Con secuencias repetitivas, arpegios y drones, la revista Pitchfork describió el álbum como «una visión notablemente lograda de la música ambiental».
Después de varios álbumes autoeditados, la compositora, productora e intérprete de Buchla Kaitlyn Aurelia Smith fue fichada por el sello discográfico independiente Western Vinyl en 2015. En 2016, lanzó su segundo álbum oficial EARS. En él emparejaba el sintetizador Buchla con instrumentos tradicionales y sus composiciones fueron comparadas con las de Laurie Spiegel y Alice Coltrane. Kaitlyn también ha colaborado con otra conocida intérprete de Buchla, Suzanne Ciani.
A finales de la década de 2000 y en 2010, la música ambiental también obtuvo un amplio reconocimiento en YouTube, con piezas subidas, que suelen tener entre 1 y 8 horas de duración, que obtienen más de millones de visitas. Estos vídeos suelen titularse o conocerse como «música relajante», y pueden estar influenciados por otros géneros musicales. Los vídeos de ambiente ayudan a los oyentes en línea con el yoga, el estudio, el sueño (véase la música y el sueño), los masajes, la meditación y la obtención de optimismo, la inspiración y la creación de una atmósfera pacífica en sus habitaciones u otros entornos.
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Muchos de los vídeos de ambiente subidos tienden a estar influenciados por la biomúsica, en la que presentan sonidos de la naturaleza, aunque los sonidos se modifican con reverberaciones y unidades de retardo para hacer versiones espaciales de los sonidos como parte del ambiente. Estos sonidos naturales suelen incluir los de la playa, la selva, la tormenta y la lluvia, entre otros, y también se utilizan vocalizaciones de animales, como el canto de los pájaros. Las piezas que contienen ritmos binaurales son subidas comunes y populares también, que proporcionan terapia musical y gestión del estrés para el oyente.
Canales verificados de YouTube, como el acertadamente titulado Ambient tiene más de 400.000 suscriptores. Otros canales verificados que también publican música ambiental son, Meditation Relax Music, que cuenta con más de un millón de suscriptores, Soothing Relaxation con tres millones de suscriptores, y Relaxing White Noise con más de 500.000 suscriptores, entre otros. iTunes y Spotify tienen emisoras de radio digitales que presentan música ambiental, que en su mayoría son producidas por sellos independientes.
La música ambiental aclamada de esta época (según la revista Pitchfork) incluye obras de Max Richter, Julianna Barwick, Grouper, William Basinski y el artista electrónico Oneohtrix Point Never.