Esta pintora contemporánea de bodegones alcanza profundidades con estilo

Janet Rickus aporta un aspecto y una sensación muy contemporáneos a un género venerable.

Por John A. Parks

En manos de Janet Rickus, los bodegones se vuelven elegantes, contemporáneos y eléctricos. Muchos de los objetos y accesorios con los que trabaja -frutas, verduras y cerámica- han sido elementos básicos del género durante siglos. Pero Rickus encuentra formas nuevas y sorprendentes de posar y disponer los elementos tradicionales. También añade curiosidades, un estampado de tela moderno o una pieza de cerámica inusual que señala algo claramente actual. Esta sensación se ve reforzada por el aspecto general de los cuadros; hay una nítida claridad en la que cada objeto se ve plenamente en una luz diurna cristalina y fría.

Los objetos como metáforas

Más allá de la elegancia de sus composiciones, los cuadros de Rickus llevan consigo múltiples capas de significado; a menudo tienen un significado profundamente sentido para la artista. «Las naturalezas muertas tienen vida», dice, «una conexión con la gente y la naturaleza que me encanta. Para mí no es simplemente pintar objetos. Las frutas y verduras, bellas por sí mismas y a menudo con formas evocadoras, me permiten aportar observaciones de la vida a los cuadros. La cerámica, nueva o antigua, con sus funciones decorativas o utilitarias, aporta su propia historia y una conexión con las vidas que hay detrás de ella»

Rickus expresa su respeto por los objetos que pinta de una forma poco habitual: pinta todo a su tamaño real. Las calabazas, las manzanas, las jarras, los cuencos y las telas están cuidadosamente medidos y dibujados uno a uno. «No sé muy bien cómo surgió esto», dice la artista. «Pero siento que para representar los objetos, tengo que mostrarlos como son realmente. Si fueran más pequeños, no serían realmente ellos». La identificación de la artista con sus objetos también significa que nunca los mutila de ninguna manera. «Nunca cortaré una pieza de fruta o rebanaré algo», dice. «No puedo hacerlo».

Composiciones relacionales

Esta sensación de que los objetos de un bodegón desempeñan papeles casi humanos afecta a la forma en que Rickus organiza sus composiciones. En Almost (arriba), por ejemplo, dos melones no se tocan del todo, lo que indica algo parecido a una tensión interpersonal. Otro drama muy humano se recrea en Being Green (abajo). Un pájaro de cerámica verde está colocado entre un grupo de frutas naturalmente verdes. «Creo que este cuadro trata de intentar encajar», dice el artista. «Es humorístico, pero también trata del tipo de cosas que hace la gente».

De hecho, Rickus dice que a menudo obtiene sus ideas de sus congéneres. «La forma en que las cosas se tocan y se superponen y se inclinan en mis cuadros es algo que obtengo de la forma en que la gente se relaciona», dice. «No sé qué otra cosa haría, y creo que es la forma en que los espectadores se relacionan con los cuadros. Incluso cuando no estoy planteando intencionadamente una situación humana, la gente que mira el cuadro tiende a aportar sus propios dramas». Lejos de ver el bodegón como un juego estéril y formal, Rickus entiende el género como algo que refleja profundamente su vida y la de quienes la rodean.

Un proceso medido

La génesis de un cuadro de Rickus combina el espacio para la invención con una metodología muy disciplinada. Su estudio se encuentra en un piso superior de una casa y está orientado al norte. Este lugar le proporciona una luz estable y fresca durante gran parte del día. Nunca utiliza la fotografía.

Una vez elegidos los objetos para un nuevo cuadro, se pone a trabajar en la organización y reordenación de los mismos en combinación con manteles o telas. A medida que avanza, sopesa las diversas consideraciones del diseño abstracto, la coordinación del color y la iconografía. Cuando está satisfecha con la disposición, extiende un lienzo del tamaño adecuado. Como pinta a tamaño natural, los objetos del montaje y las proporciones de la composición determinan en gran medida las dimensiones del lienzo. «Mido la composición real sobre la mesa, dejando un margen igual en cada lado y un margen en la parte superior e inferior», dice la artista.

Capas sobre capas

Rickus continúa su preparación aplicando ocho capas finas de gesso acrílico al lienzo. Lijó entre la mayoría de las capas para obtener una superficie lisa. A continuación, aplica una fina capa de pintura acrílica para teñir todo el lienzo. «Utilizo un lavado de ámbar crudo, pero podría utilizar fácilmente cualquier color neutro: negro, gris azulado u otros marrones», dice. Añade pequeñas marcas de lápiz para indicar dónde empezará y terminará la composición a la izquierda y a la derecha de su superficie. «Como trabajo a tamaño natural, a menudo mido, lo mejor que puedo, los objetos que voy a pintar para tener una buena aproximación de las relaciones de tamaño», dice la artista.

«También hago algunas marcas con el lápiz. Luego extiendo pinturas en mi paleta, los colores que creo que voy a necesitar para los objetos que tengo delante. Empiezo por el lado izquierdo, esbozando el primer objeto con mi pincel y el color apropiado. Espero que cuando llegue al otro lado del cuadro, no esté muy lejos de mi marca de lápiz del margen derecho». Vale la pena señalar aquí que Rickus no construye una pintura de fondo monocromática; comienza con declaraciones directas del color que tiene delante.

Correcciones y colores

Después de dibujar todo el cuadro, Rickus hace los ajustes necesarios para estabilizar la composición y corregir el dibujo. A continuación, comienza el proceso de estratificación para completar lentamente todo el cuadro.

Rickus trabaja con pinceles sintéticos de tamaño modesto, construyendo la pintura con pequeñas pinceladas mientras explora las sutiles variaciones de color en las superficies. No utiliza un pincel de abanico ni ninguna otra herramienta de mezcla. Más adelante en el proceso, añade liquina Winsor & Newton a la pintura. Esto crea una mayor translucidez y profundidad a medida que va esmaltando el color sobre las capas más sólidas que hay debajo.

«Cada objeto funciona a partir del otro», dice, «y a medida que un objeto se acerca a su finalización, el siguiente tiene que llegar al desarrollo del anterior». Una de las cuestiones que Rickus debe resolver en esta fase es la elección del color de fondo. «Esta es una de las partes más difíciles del cuadro», dice. «Los fondos suelen ser de algún tono de gris, cálido, frío, pardo o azulado. Pero siempre es difícil conseguir el color o el tono adecuado que complemente todos los objetos del cuadro. A menudo es una cuestión de ensayo y error».

Reflejos

Mientras pinta, Rickus mira su obra en un espejo de vez en cuando. Esta estrategia le permite ver la obra con otros ojos. A menudo, esto revela cualquier error en el dibujo o los puntos débiles de la representación. Por la noche, se lleva el cuadro a otra habitación para mirarlo con otra luz. Este movimiento no sólo refresca su visión, sino que también le ayuda a entender cómo podría aparecer el cuadro en otro contexto.

Al final, Rickus debe decidir cuándo parar. «No puedo decir cómo sé cuándo un cuadro está terminado», dice, «salvo que está uniformemente terminado y que no hay nada que me moleste».

Una vez que un cuadro está terminado, una tarea que lleva entre dos y cuatro semanas, Rickus lo deja secar unas semanas más antes de aplicar una mezcla de barniz mate y brillante para igualar el acabado del cuadro y añadir una medida de protección.

Un escenario para el juego creativo

Los cuadros de Rickus tienen un aspecto consistente, algo que surge de la visión de la artista pero también de su compromiso con un enfoque uniforme. Todos los cuadros están pintados con la misma luz y con el caballete a la misma distancia de los objetos. El ángulo de visión, un nivel justo por encima del tablero de la mesa, nunca cambia, y la elección de un color de fondo bastante neutro se da en todos los cuadros.

La ventaja de limitar rigurosamente estas variables es que la artista define por sí misma el escenario en el que será creativa. En lugar de limitar su creatividad, estas restricciones le permiten concentrarse mientras explora una amplia y fascinante gama de ideas.

Los juegos que juega

En Un cuadro de pájaros (arriba), por ejemplo, Rickus incorpora múltiples imágenes de pájaros, estableciendo una lúdica correspondencia entre representaciones tridimensionales y planas. Un pájaro de cerámica verde ancla la composición. Pero los pájaros también aparecen en cada uno de los objetos: impresos en la tela, pintados en el tarro, esculpidos en el mango de la maceta y tallados en el relieve de la pared. «Me llevó bastante tiempo reunir todos los objetos para el cuadro», dice Rickus. «Busqué en tiendas de antigüedades y en casas de amigos cosas con imágenes de pájaros». Visitó tiendas de telas pero no pudo encontrar un estampado de pájaros adecuado. «Finalmente encontré el estampado en un delantal casero en una tienda de artesanía local», recuerda. «Desmonté el delantal y lo convertí en el mantel del cuadro». Encontró la maceta en la misma tienda de artesanía y compró la paloma de cerámica verde en eBay.

En Above and Below juega a otro tipo de juego, en el que un gran grupo de objetos, entre ellos una jarra con un diseño floral pintado a todo color, se asienta sobre una selección de telas cuyos colores reflejan los de los objetos. Es casi como si la parte inferior del cuadro fuera una especie de abstracción de los objetos de arriba.

Un juego más literal está en marcha en At Rest (abajo), donde una gran calabaza descansa de forma algo absurda sobre una almohada de tamaño natural, como un niño dormido. «Todos los años, en otoño, voy al puesto del agricultor y siempre encuentro algo hermoso y maravilloso», dice Rickus. Era larga pero también muy gorda. Había algo en ella que me atraía de la misma manera que un bebé gordo: quieres abrazarla, pero también te sientes un poco mal porque es muy gorda. Pero tiene un aspecto tan abrazable. Se me encogió el corazón. Lo llevé a casa. Y luego pensé: ‘Es tan especial que tengo que ponerlo en una almohada'». El cuadro terminado tiene una sensación tranquilamente extraña, un surrealismo suavemente humorístico.

Significados ocultos

Un juego casi privado está en marcha en El regalo (parte superior de la página), donde un grupo de objetos está ligeramente rodeado por una cinta con un lazo. «Tengo un grupo de personas que han sido mis mejores amigos desde la adolescencia», dice Rickus. «Y decidí que quería hacer un cuadro sobre nosotros, pero tenía que trabajar con mis limitaciones. Les dije a todos que eligieran una verdura o una fruta».

Rickus dice que al principio no podía encontrar el objeto adecuado para su propia representación, algo que fuera significativo pero que también anclara la composición. «Finalmente se me ocurrió esta jarra, una que mi abuela le regaló a mi madre», dice. «Todo es muy personal. Puse la cinta alrededor de todo para unirlo todo, como en la amistad. Supongo que un espectador nunca sabría esta interpretación, pero, espero, la energía y el sentimiento siguen haciendo algo».

Rickus planea seguir trabajando de esta manera en un futuro próximo. «Se me siguen ocurriendo ideas», dice, y señala que es feliz trabajando dentro de sus límites. Observa que su trabajo se ha vuelto más nítido y hábil con los años, algo de lo que está claramente orgullosa. Con un mayor control vendrán, sin duda, juegos y estrategias aún más sutiles, y nuevas profundidades de sentimiento. La artista lo está deseando.

Materiales

• SUPERFICIE: pato de algodón sin imprimación de textura media sobre camillas de alta resistencia e imprimado con Utrecht Professional Acrylic Gesso
• ÓLEOS: Old Holland, Holbein y Winsor & Newton
• MEDIO: Winsor & Newton Liquin, diluyente de pintura inodoro
• BARNIZ: Liquitex Soluvar Varnish, mate y brillante, en una mezcla de 1-1
• PINCELES: Loew- Cornell No. 1 nylon blanco tinte plano; Utrecht No. 8 nylon blanco redondo; Princeton Nos. 2, 4, 6 y 8 nylon filberts
• OTROS: Bandeja de carnicero esmaltada de 11×15 para una paleta, caballete de manivela, palo de mahl, escuadra T

Sobre la artista

Durante los dos últimos años de Janet Rickus en la Central Connecticut State University (New Britain), donde se graduó con una licenciatura en ciencias de la educación empresarial, tomó algunos cursos de arte sin intención de seguir una carrera en ese campo. Después de la universidad, siguió tomando clases de arte ocasionalmente y comenzó a exponer ampliamente y a recibir honores. La Gallery Henoch (Nueva York), la Clark Gallery (Lincoln, Massachusetts) y la Quidley & Company (Boston y Nantucket, Massachusetts) representan su obra. Vea más cuadros suyos en artsy.net/artist/janet-rickus. Foto de Dorothy Rickus.

John A. Parks es artista y escritor. Su último libro es Principios universales del arte: 100 conceptos clave para entender, analizar y practicar el arte. Visite su sitio web en johnaparks.com.

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