Representar objetos mundanos como cuencos, flores, alimentos y otras cosas que se encuentran en un hogar común, era y sigue siendo la principal preocupación de los artistas de bodegones. Sin embargo, los medios, estilos y soportes en los que se puede representar el arte del bodegón varían significativamente.
A principios del siglo XVII el bodegón se convirtió en un género independiente en el arte, pero se consideraba menos importante que las representaciones históricas y alegóricas de la época. Al aparecer como un género independiente en toda Europa en los mismos años, es imposible discernir quién fue el primero en desarrollar y practicar el arte del bodegón en la pintura. Los inicios del género del bodegón pueden rastrearse en tradiciones pictóricas de toda Europa, como las pinturas marianas flamencas creadas en el siglo XV, las imágenes de puestos de carne italianos y las bodegas españolas. En el siglo XVIII, Jean-Baptiste Chardin continuó desarrollando la pintura de bodegones siguiendo el éxito de los artistas flamencos. Utilizó el realismo de estilo holandés o armonías más suaves en sus creaciones y creó algunos de los más famosos bodegones. Con el desarrollo de las academias de arte en toda Europa, que propagaban la jerarquía de los géneros, el bodegón se fue quedando atrás y se practicó menos que otras formas de género. Sin embargo, cuando el neoclasicismo empezó a desvanecerse con el auge del romanticismo y el realismo, la naturaleza muerta volvió a ser un tema importante entre artistas como Francisco Goya, Gustave Courbet y Eugène Delacroix. La siguiente etapa en el desarrollo del bodegón llegó con el Impresionismo y el Postimpresionismo y el dominio del color y la luz sobre el tema.
En el siglo XX el bodegón se consideró un tema en el arte a la par que otros. El desarrollo del arte de la naturaleza muerta siguió de cerca los cambios estilísticos de la época, desde el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, hasta el arte pop y el fotorrealismo. Los objetos de naturaleza muerta incluso transgredieron el marco del medio tradicional de la pintura y entraron en la escena artística como objetos de arte a través de ready-mades e instalaciones en las que, en lugar de ser representados, se convirtieron en obras de arte en sí mismas, como en las obras de Arman y Judy Chicago.
La siguiente lista ejemplifica algunos de los famosos artistas de naturaleza muerta del siglo XX junto con sus pinturas
Consejo de los editores: Nature Morte: Artistas contemporáneos revitalizan la tradición de las naturalezas muertas
Los principales artistas de la época contemporánea están reviviendo las naturalezas muertas, un género que antaño se asociaba más con los antiguos maestros de los siglos XVI y XVII que con el arte contemporáneo. Las audaces naturalezas muertas que se celebran aquí desafían esa supremacía histórica y redefinen lo que significa una obra de nature morte (traducida literalmente del francés: «naturaleza muerta»). Ya sea a través de la pintura, el dibujo, la escultura, el vídeo u otros medios, los artistas contemporáneos se han inspirado en la tradición centenaria para crear obras de vivacidad conceptual, belleza y conmoción emocional en la época actual. Estructurado según las categorías clásicas de la tradición de la naturaleza muerta – Flora, Comida, Casa y Hogar, Fauna y Muerte, cada capítulo del libro de Michael Petry explora cómo la resonancia simbólica intemporal del memento mori, ha sido redescubierta para un nuevo milenio.