Diese zeitgenössische Stillleben-Malerin erreicht stilvolle Tiefen

Janet Rickus verleiht einem altehrwürdigen Genre ein sehr zeitgenössisches Aussehen und Gefühl.

Von John A. Parks

In den Händen von Janet Rickus werden Stillleben stilvoll, zeitgemäß und elektrisch. Viele der Objekte und Requisiten, mit denen sie arbeitet – Obst, Gemüse und Töpferwaren – sind seit Jahrhunderten ein fester Bestandteil des Genres. Doch Rickus findet neue und überraschende Wege, um traditionelle Elemente in Szene zu setzen und zu arrangieren. Sie fügt auch Kuriositäten hinzu, einen modernen Stoffdruck oder ein ungewöhnliches Stück Keramik, das etwas deutlich Gegenwärtiges signalisiert. Dieses Gefühl wird durch das Gesamtbild der Gemälde noch verstärkt; es herrscht eine klare Klarheit, in der jedes Objekt in einem kristallklaren, kühlen Tageslicht voll zur Geltung kommt.

Objekte als Metaphern

Über die Eleganz ihrer Kompositionen hinaus tragen Rickus‘ Gemälde mehrere Bedeutungsebenen in sich; oft haben sie eine tief empfundene Bedeutung für die Künstlerin. „Stillleben haben Leben“, sagt sie, „eine Verbindung zu Menschen und der Natur, die ich liebe. Für mich ist es nicht einfach nur das Malen von Gegenständen. Die Früchte und das Gemüse, die für sich genommen schön sind und oft sehr eindrucksvolle Formen haben, ermöglichen es mir, Beobachtungen des Lebens in die Bilder einzubringen. Die Töpferwaren, neu oder alt, mit ihren dekorativen oder nützlichen Funktionen, bringen ihre eigene Geschichte und eine Verbindung mit dem Leben dahinter mit.“

Rickus drückt ihren Respekt für die Objekte, die sie malt, auf eine ungewöhnliche Weise aus: Sie malt alles in seiner tatsächlichen Größe. Kürbisse, Äpfel, Krüge, Schüsseln und Stoffe werden alle sorgfältig ausgemessen und eins zu eins gezeichnet. „Ich bin mir nicht ganz sicher, wie es dazu kam“, sagt die Künstlerin. „Aber ich habe das Gefühl, dass ich die Objekte so zeigen muss, wie sie wirklich sind, um sie darzustellen. Wenn sie kleiner wären, wären sie es nicht wirklich.“ Die Identifikation der Künstlerin mit ihren Objekten bedeutet auch, dass sie sie niemals in irgendeiner Weise verstümmelt. „Ich werde niemals ein Stück Obst abschneiden oder etwas in Scheiben schneiden“, sagt sie. „Das kann ich einfach nicht.“

Relationale Kompositionen

Dieses Gefühl, dass die Objekte in einem Stillleben fast menschliche Rollen spielen, beeinflusst die Art und Weise, wie Rickus ihre Kompositionen organisiert. In Almost (oben) zum Beispiel berühren sich zwei Melonen nicht ganz, was eine Art zwischenmenschliche Spannung signalisiert. Ein anderes sehr menschliches Drama wird in Being Green (unten) nachgestellt. Ein grüner Keramikvogel befindet sich inmitten einer Gruppe von natürlich grünen Früchten. „Ich glaube, in diesem Bild geht es um den Versuch, sich anzupassen“, sagt die Künstlerin. „Es ist humorvoll, aber es geht auch um die Dinge, die die Menschen tun.“

Tatsächlich sagt Rickus, dass sie ihre Ideen oft von ihren Mitmenschen bekommt. „Die Art und Weise, wie sich die Dinge in meinen Gemälden berühren, überschneiden und anlehnen, habe ich von der Art und Weise, wie Menschen miteinander umgehen“, sagt sie. „Ich wüsste nicht, was ich sonst tun würde, und ich glaube, dass die Betrachter auf diese Weise eine Beziehung zu den Bildern aufbauen. Selbst wenn ich nicht absichtlich eine menschliche Situation inszeniere, bringen die Betrachter ihre eigenen Dramen in das Bild ein.“ Weit davon entfernt, das Stillleben als steriles, formales Spiel zu sehen, versteht Rickus das Genre als etwas, das ihr Leben und das Leben der Menschen um sie herum zutiefst reflektiert.

A Measured Process

Die Entstehung eines Gemäldes von Rickus verbindet Raum für Erfindungen mit einer äußerst disziplinierten Methodik. Ihr Atelier befindet sich im oberen Stockwerk eines Hauses und ist nach Norden ausgerichtet. Dieser Ort bietet ihr ein stabiles, kühles Licht für den größten Teil des Tages. Sie benutzt nie die Fotografie.

Nachdem sie Objekte für ein neues Bild ausgewählt hat, macht sie sich an die Arbeit und arrangiert sie in Kombination mit Tischtüchern oder Stoffen neu. Dabei wägt sie die verschiedenen Aspekte der abstrakten Gestaltung, der Farbabstimmung und der Ikonografie ab. Sobald sie mit dem Arrangement zufrieden ist, spannt sie eine Leinwand in der entsprechenden Größe auf. Da sie in Lebensgröße malt, bestimmen die Objekte in der Einrichtung und die Proportionen der Komposition weitgehend die Abmessungen der Leinwand. „Ich messe die eigentliche Komposition auf dem Tisch aus, wobei ich auf jeder Seite einen gleich großen Rand und oben und unten einen Spielraum lasse“, sagt die Künstlerin.

Schichten über Schichten

Rickus setzt ihre Vorbereitung fort, indem sie acht verdünnte Schichten Acrylgesso auf die Leinwand aufträgt. Zwischen den meisten Schichten schleift sie, um eine glatte Oberfläche zu erhalten. Dann trägt sie eine dünne Schicht Acrylfarbe auf, um die gesamte Leinwand zu tönen. „Ich verwende eine rohe Umbra-Lasur, aber ich könnte mir auch jede andere neutrale Farbe vorstellen – Schwarz, Blaugrau oder andere Brauntöne“, sagt sie.

Rickus verwendet dann ein T-Quadrat, um eine Bleistiftlinie auf die Leinwand zu zeichnen, die die Tischplatte ihrer Einrichtung anzeigt. Sie fügt kleine Bleistiftmarkierungen hinzu, um zu zeigen, wo die Komposition links und rechts von ihrer Oberfläche beginnen und enden wird. „Da ich in Lebensgröße arbeite, messe ich oft die Objekte, die ich malen werde, so gut es geht aus, um eine gute Annäherung an die Größenverhältnisse zu erhalten“, sagt die Künstlerin.

„Ich mache auch einige Bleistiftmarkierungen dafür. Dann drücke ich Farben auf meine Palette, die Farben, die ich für die Objekte vor mir zu brauchen glaube. Ich beginne auf der linken Seite und skizziere das erste Objekt mit meinem Pinsel und der entsprechenden Farbe. Ich hoffe, dass ich, wenn ich auf der anderen Seite des Bildes ankomme, nicht zu weit von meiner Bleistiftmarkierung am rechten Rand entfernt bin.“ Es ist bemerkenswert, dass Rickus keine monochrome Untermalung aufbaut; sie beginnt mit direkten Aussagen über die Farbe, die vor ihr liegt.

Korrekturen und Farben

Nachdem sie das ganze Bild skizziert hat, nimmt Rickus alle notwendigen Anpassungen vor, um die Komposition zu stabilisieren und die Zeichnung zu korrigieren. Dann beginnt sie mit dem Schichtungsprozess, der das gesamte Bild langsam zur Vollendung bringt.

Rickus arbeitet mit bescheidenen synthetischen Pinseln und baut die Farbe mit kleinen Strichen auf, während sie die subtilen Farbvariationen auf den Oberflächen erkundet. Sie verwendet weder einen Fächerpinsel noch ein anderes Mischwerkzeug. Später im Prozess fügt sie der Farbe Winsor & Newton Liquin zu. Dadurch entsteht eine größere Transparenz und Tiefe, wenn sie die Farbe über die festeren Schichten darunter lasiert.

„Jedes Objekt baut auf dem anderen auf“, sagt sie, „und wenn sich ein Objekt der Fertigstellung nähert, muss das nächste Objekt an die Entwicklung des vorherigen anknüpfen.“ Eine der Fragen, die Rickus in dieser Phase lösen muss, ist die Wahl der Hintergrundfarbe. „Dies ist einer der schwierigsten Teile des Gemäldes“, sagt sie. „Die Hintergründe sind normalerweise in irgendeinem Grauton gehalten – warm, kühl, bräunlich oder bläulich. Aber es ist immer schwierig, die richtige Farbe oder den richtigen Ton zu finden, der zu jedem Objekt auf dem Bild passt. Es ist oft eine Frage von Versuch und Irrtum.“

Reflections

Während sie malt, betrachtet Rickus ihr Werk von Zeit zu Zeit in einem Spiegel. Diese Strategie ermöglicht es ihr, das Werk mit anderen Augen zu sehen. Dadurch werden oft Fehler in der Zeichnung oder Schwächen in der Darstellung sichtbar. Abends nimmt sie das Gemälde mit in einen anderen Raum, um es in einem anderen Licht zu betrachten. Das erfrischt nicht nur ihren Blick, sondern hilft ihr auch zu verstehen, wie das Gemälde in einem anderen Kontext wirken könnte.

Schließlich muss Rickus entscheiden, wann sie aufhört. „Ich kann nicht sagen, woran ich erkenne, wann ein Bild fertig ist“, sagt sie, „außer dass es gleichmäßig fertig ist und mich nichts daran stört.“

Wenn ein Bild fertig ist, was zwischen zwei und vier Wochen dauert, lässt Rickus es noch einige Wochen trocknen, bevor sie eine Mischung aus Matt- und Glanzlack aufträgt, um die Oberfläche des Gemäldes zu glätten und einen gewissen Schutz zu bieten.

Eine Bühne für kreatives Spiel

Rickus‘ Gemälde haben ein einheitliches Aussehen, das sich aus der Vision der Künstlerin, aber auch aus ihrem Engagement für eine einheitliche Vorgehensweise ergibt. Alle Bilder sind im gleichen Licht gemalt und die Staffelei steht im gleichen Abstand zu den Objekten. Der Betrachtungswinkel, eine Ebene knapp über der Tischplatte, ändert sich nie, und die Wahl einer ziemlich neutralen Hintergrundfarbe kommt in allen Gemälden vor.

Der Vorteil der strikten Begrenzung dieser Variablen besteht darin, dass die Künstlerin selbst die Bühne definiert, auf der sie kreativ sein wird. Anstatt ihre Kreativität einzuschränken, erlauben ihr diese Beschränkungen, sich zu konzentrieren, während sie eine breite und faszinierende Palette von Ideen erforscht.

The Games She Plays

In A Bird Painting (oben) zum Beispiel integriert Rickus mehrere Bilder von Vögeln und stellt eine spielerische Korrespondenz zwischen dreidimensionalen und flachen Darstellungen her. Ein grüner Keramikvogel bildet den Mittelpunkt der Komposition. Aber Vögel tauchen auch in jedem der Objekte auf: auf den Stoff gedruckt, auf das Glas gemalt, auf den Topfgriff gemeißelt und in das Relief an der Wand geschnitzt. „Es hat eine ganze Weile gedauert, alle Objekte für das Gemälde zusammenzutragen“, sagt Rickus. „Ich durchsuchte Antiquitätenläden und die Häuser von Freunden auf der Suche nach Dingen mit Vogelmotiven. Sie besuchte Stoffläden, konnte aber keinen passenden Vogeldruck finden. „Schließlich fand ich den Aufdruck auf einer selbstgemachten Schürze in einem örtlichen Kunsthandwerksladen“, erinnert sie sich. „Ich nahm die Schürze auseinander und machte daraus die Tischdecke für das Bild.“ Den Topf fand sie in demselben Kunsthandwerksladen und die grüne Keramiktaube kaufte sie bei eBay.

In Above and Below spielt sie eine andere Art von Spiel, bei dem eine große Gruppe von Objekten, darunter ein Krug mit einem bunt gemalten Blumenmuster, auf einer Auswahl von Stoffen sitzt, deren Farben die der Objekte widerspiegeln. Es ist fast so, als ob der untere Teil des Gemäldes eine Art Abstraktion der darüber liegenden Objekte ist.

Eine wörtlichere Verspieltheit ist in At Rest (unten) am Werk, wo ein großer Kürbis etwas absurd auf einem übergroßen Kissen ruht, wie ein schlafendes Kind. „Jedes Jahr im Herbst gehe ich zum Bauernstand, und ich finde immer etwas Schönes und Wunderbares“, sagt Rickus.

„Dieses Jahr sah ich diesen riesigen Kürbis – und er war wirklich riesig. Er war lang, aber auch sehr dick. Er hatte einfach etwas an sich, das mich ansprach, so wie ein dickes Baby: Man möchte ihn einfach umarmen, aber man fühlt sich auch ein bisschen schlecht, weil er so dick ist. Aber es sieht einfach so zum Knuddeln aus! Mein Herz schlug für es. Ich nahm es mit nach Hause. Und dann dachte ich: ‚Es ist so besonders, dass ich es auf ein Kissen legen muss.'“ Das fertige Gemälde hat eine leise bizarre Ausstrahlung, einen sanft humorvollen Surrealismus.

Hidden Meanings

Ein fast privates Spiel ist in The Gift (oben auf der Seite) im Gange, wo eine Gruppe von Gegenständen leicht von einem Band mit einer Schleife umschlossen wird. „Ich habe eine Gruppe von Leuten, die seit meiner Teenagerzeit meine besten Freunde sind“, sagt Rickus. „Und ich beschloss, ein Gemälde über uns zu malen, aber ich musste innerhalb meiner Grenzen arbeiten. Ich sagte allen, sie sollten sich ein Gemüse oder Obst aussuchen.“

Rickus sagt, dass sie zunächst nicht das richtige Objekt für ihre eigene Darstellung finden konnte, etwas, das bedeutungsvoll wäre, aber auch die Komposition verankern würde. „Schließlich kam ich auf diesen Krug, den meine Großmutter meiner Mutter geschenkt hat“, sagt sie. „Es ist alles sehr persönlich. Ich habe das Band um alles gelegt, um alles zusammenzubinden, wie in einer Freundschaft. Ich nehme an, dass ein Betrachter diese Interpretation nicht erkennen würde, aber ich hoffe, dass die Energie und das Gefühl immer noch etwas bewirken.“

Rickus plant, in absehbarer Zukunft weiter auf diese Weise zu arbeiten. „Ich habe einfach immer wieder neue Ideen“, sagt sie und bemerkt, dass sie mit ihrer Arbeit innerhalb der ihr gesetzten Grenzen zufrieden ist. Sie stellt fest, dass ihre Arbeit im Laufe der Jahre schärfer und geschickter geworden ist, worauf sie sehr stolz ist. Mit größerer Kontrolle werden zweifellos noch subtilere Spiele und Strategien sowie neue Gefühlstiefen einhergehen. Die Künstlerin freut sich darauf.

Materialien

• OBERFLÄCHE: mittelstark strukturierte, ungrundierte Baumwollente auf schweren Keilrahmen und grundiert mit Utrecht Professional Acrylic Gesso
• ÖLE: Old Holland, Holbein und Winsor & Newton
• MITTEL: Winsor & Newton Liquin, geruchlose Farbverdünnung
• LACK: Liquitex Soluvar Varnish, matt und glänzend, in einer 1-1-Mischung
• Pinsel: Loew- Cornell No. 1 weißer Nylon-Flachbeize; Utrecht No. 8 weißer Nylon rund; Princeton Nos. 2, 4, 6 und 8 Nylon Filberts
• ANDERE: 11×15 por- zelain emailliertes Tablett für eine Palette, Kurbelstaffelei, Mahlstab, T-Quadrat

Über die Künstlerin

Während Janet Rickus‘ letzten zwei Jahren an der Central Connecticut State University (New Britain), wo sie mit einem Bachelor of Science in Wirtschaftspädagogik abschloss, belegte sie einige Kunstkurse, ohne die Absicht, eine Karriere in diesem Bereich anzustreben. Nach dem College belegte sie weiterhin gelegentlich Kunstkurse und begann, auf breiter Ebene auszustellen und Auszeichnungen zu erhalten. Die Galerie Henoch (New York City), die Clark Gallery (Lincoln, Mass.) und die Quidley & Company (Boston und Nantucket, Mass.) vertreten ihre Werke. Weitere Bilder von ihr finden Sie unter artsy.net/artist/janet-rickus. Foto von Dorothy Rickus.

John A. Parks ist sowohl Künstler als auch Schriftsteller. Sein neuestes Buch ist Universal Principles of Art: 100 Key Concepts for Understanding, Analyzing and Practicing Art. Besuchen Sie seine Website johnaparks.com.

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