In dieser Artikelserie wird das weniger bekannte künstlerische Schaffen von Künstlern untersucht, die durch ein anderes Medium oder ein anderes Kunstgenre bekannt wurden. Oftmals tragen große Künstler viele verschiedene Hüte, schaffen aber den Durchbruch und erlangen Anerkennung aufgrund ihrer Arbeit in einem bestimmten Medium. Wir möchten die Vielseitigkeit ihres Talents hervorheben, indem wir nicht das beleuchten, wofür sie am bekanntesten sind, sondern die weniger bekannte Seite ihres künstlerischen Schaffens. In unserer letzten Ausgabe haben wir den Pionier der psychedelischen Musik, Don Van Vliet, vorgestellt, der auch ein begabter Maler war. Jetzt steht der unnachahmliche David Lynch, Meister des Surrealismus, des Neo-Noir und des amerikanischen Kitsches im zeitgenössischen Kino, im Mittelpunkt, denn wir konzentrieren uns nicht auf seine berühmten Filme, sondern auf seine ebenso seltsamen und wunderbaren Gemälde.
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Der David Lynch, den wir kennen
David Lynch ist bekannt für sein eigenwilliges Kino, mit dem er bizarre, beunruhigende und einzigartige Welten erschafft, die Künstler, Filmemacher und Musiker gleichermaßen dazu inspirieren, zu versuchen, ihre eigenen Lynch’schen Atmosphären zu schaffen. Seit seinem ersten Film Eraserhead, einem großen Kultklassiker aus dem Jahr 1977, hat Lynch Surrealismus, Neo-Noir, amerikanischen Kitsch, Mystery, Horror und nicht-lineare Traumerzählungen zu einer ergreifenden, verstörenden und verführerischen Filmsprache verschmolzen. Seine Filme „Blue Velvet“ (1986), „Wild at Heart“ (1990), „Lost Highway“ (1997), „Mulholland Drive“ (2001) und „Inland Empire“ (2006) wurden von der Kritik gelobt und erreichten ein breites Publikum, obwohl ihr Stil und ihre Geschichten seltsam und manchmal schwer zu verstehen sind. Lynch hat es geschafft, eine interessante Position in der Welt des Kinos einzunehmen: Er ist ein Regisseur, der Filme abseits des Mainstreams gedreht hat, die dennoch in Hollywood große Erfolge an den Kinokassen erzielten. Abgesehen von diesen Filmen ist er vielleicht am bekanntesten für Twin Peaks (1990-1991 und 2017), die gefeierte Krimi-Fernsehserie, die er zusammen mit Mark Frost schuf und in der sich wieder einmal amerikanischer Kitsch nahtlos mit Surrealismus, Horror und Mystery vermischt.
In der Tat trägt jedes kreative Projekt, das Lynch in Angriff nimmt, seine unverwechselbare Handschrift, und er ist zufällig in vielen verschiedenen Dingen gut. Er ist zwar vor allem für seine Filme bekannt, aber er ist auch ein versierter Musiker, der bereits mehrere Alben veröffentlicht hat, ein ausgezeichneter Fotograf und ein erstaunlicher Maler, der häufig ausstellt. Es ist seine Malerei, mit der wir uns hier beschäftigen werden, und um seine Malerei zu verstehen, müssen wir einen Blick auf den jungen David Lynch werfen und darauf, wie er sein Leben in der Kunst begann.
David Lynch wird in ein Leben in der Kunst eingeführt
In seinem Buch „Catching the Big Fish – Meditation, Consciousness, and Creativity“ beschreibt Lynch, wie er zum ersten Mal mit der Kunst in Kontakt kam. Er hat schon immer gerne gemalt und gezeichnet, aber er hatte festgestellt, dass man, sobald man erwachsen ist, mit dem Malen und Zeichnen aufhören und etwas Ernsthafteres machen muss. Eines Tages, als er in der neunten Klasse war, traf er einen Jungen auf dem Rasen vor dem Haus seiner Freundin. Der Vater dieses Jungen war Maler, und als Lynch mehr darüber erfuhr, was das bedeutete, wusste er plötzlich, dass er auch Maler werden wollte, um das zu leben, was er „das Kunstleben“ nannte.
Seiner Meinung nach bedeutete das Kunstleben, sich ganz der Malerei zu widmen und alles andere zweitrangig zu machen. Er besuchte die Pennsylvania Academy of the Fine Arts, um Malerei zu studieren, und ging ganz in ihr auf. In seinen Worten: „Ich hatte kein Interesse am Film. Ich ging zwar manchmal in einen Film, aber eigentlich wollte ich nur malen.“ Der erste Moment, in dem er darüber nachdachte, in die Welt des Films einzutreten, kam eines Tages, als er an der Akademie an einem Gemälde arbeitete. Das Gemälde zeigte einen nächtlichen Garten mit viel Schwarz und grünen Pflanzen, die aus der Dunkelheit hervortraten. Plötzlich begannen sich die Pflanzen zu bewegen, und er hörte ein Geräusch, das der Wind war, der aus den Pflanzen kam. Diese Erfahrung blieb ihm im Gedächtnis und brachte ihn dazu, sich zu fragen, ob Film eine Möglichkeit sein könnte, Bilder in Bewegung zu bringen.
Six Men Getting Sick
Lynchs erster Ausflug ins Kino nach dieser Erfahrung mit seiner Malerei kam am Ende des Schuljahres, als er beschloss, tatsächlich ein „bewegtes Gemälde“ zu machen. Er baute eine skulpturale Leinwand und projizierte darauf einen Stop-Motion-Animationsfilm mit dem Titel Six Men Getting Sick (1966). Der Film zeigt sechs männliche Figuren, denen es schlecht geht und die sich erbrechen müssen, mit einem Countdown als Audiokomponente. Als ein älterer Student das Projekt sah und Lynch beauftragte, ein solches Gerät für sein Haus zu bauen, kam der Stein ins Rollen, und nach und nach verliebte sich Lynch tief in das Medium Film. Doch während seiner überaus erfolgreichen Filmkarriere gab er die Malerei nie ganz auf. Er tat einfach alles.
Der wütendste Hund der Welt
Während der Arbeit an seinem ersten Film, Eraserhead, kam Lynch auf die Idee des Comics The Angriest Dog in the World. Er zeichnete einen kleinen Hund, der wütend aussah, und begann, ihn zu betrachten und sich zu fragen, warum er wütend war. Dann zeichnete er einen vierblättrigen Comicstrip, in dem sich der Hund nie bewegte. Drei Blöcke waren am Tag, einer in der Nacht angesiedelt. Die Zeit vergeht, aber der Hund bewegt sich nicht. Lynch erklärt: „Und mir fiel auf, dass es die Umgebung ist, die die Wut auslöst – es ist das, was in der Umgebung vor sich geht. Er hört Dinge, die aus dem Haus kommen. Oder es passiert etwas auf der anderen Seite des Zauns, oder es gibt irgendwelche Wetterbedingungen. Schließlich beschloss er, dass es interessant wäre, wenn die Sprechblasen aus dem Haus kämen, während der Hund draußen wäre. Der Strip wurde neun Jahre lang einmal pro Woche von der L.A. Weekly und später auch von der Baltimore Sun veröffentlicht.