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40. Dean Berkeley und seine Entourage (auch bekannt als die Bermuda-Gruppe)

Maler: John Smibert ,Jahr: ca.1729-39 – George Berkeley verließ 1729 London, um auf den Bermudas ein College zu gründen; er und sein Gefolge ließen sich zum Gedenken an ihre Überfahrt porträtieren. Das dabei entstandene Gemälde ist eine wahre Augenweide: Berkeley schafft es, gleichzeitig gut in die Gruppe integriert zu sein und sich als Visionär abzusetzen. Er blickt zum Himmel, um eine Botschaft zu empfangen, die er durch das Zickzackmuster des Teppichs an seinen Amanuensis auf der rechten Seite des Betrachters weitergibt. Es ist wie ein göttliches Telefonspiel: Mein Telefon, m-m-mein Telefon.

39. Tod von General Wolfe

Maler: Benjamin West, Jahr: 1770 – Der Tod des britischen Generals James Wolfe während der Schlacht von Quebec im Siebenjährigen Krieg wird von West wie ein Christusbild dargestellt. In dieser Neo-Lamentationsszene ist Wolfe in seinen letzten Momenten umgeben. Die Szene erhält durch die Figur des knienden Indianers, der scheinbar in tiefe Gedanken versunken ist, eine ganz eigene amerikanische Note. Wests unglaubliches Historiengemälde wurde seinerzeit kritisiert, weil es die Personen in zeitgenössischer Kleidung darstellt. Vor Wests Gemälde hielt man klassische Kleidung für die einzig angemessene Art, dem Ereignis zu gedenken.

Watson und der Hai

Maler: John Singleton Copley, Jahr: 1778 – Watson und der Hai wurde durch ein Ereignis inspiriert, das sich im Hafen von Havanna, Kuba, ereignete. Im Jahr 1749 wurde der vierzehnjährige Brook Watson beim Schwimmen im Hafen von einem Hai angegriffen. Seine tapferen Schiffskameraden kamen ihm zu Hilfe. Copley hat alle Elemente der turbulenten Szene meisterhaft in Szene gesetzt, um eine maximale Wirkung zu erzielen. Hätte Copley einen dramatischeren Moment für die Darstellung wählen können?

George Washington (Athenaeum)

Maler: Gilbert Stuart, Jahr: 1796 – Stuarts Gemälde ist das Vorbild für Washingtons Porträt auf dem Dollarschein. Es ist daher wohl das am häufigsten reproduzierte amerikanische Gemälde aller Zeiten. Auch Stuart beschäftigte sich mit dem Dollar. Da er die Anziehungskraft seines Athenaeum-Porträts von Washington erkannte, beschloss er, es nicht fertig zu stellen, sondern widmete seine Zeit stattdessen der Herstellung möglichst vieler Kopien. Dollar, Dollarschein für alle!

Der Künstler in seinem Museum

Maler: Charles Wilson Peale, Jahr: 1822 – Vom sorgfältig wiedergegebenen Truthahn bis zu den präzise geführten Käfigen voller amerikanischer Tiere vertritt Peale die Ansicht, dass Kunst die genaue Wiedergabe beobachtbarer Tatsachen ist. Schade, dass sein erhobener Arm keine Verbindung zu seiner Schulter zu haben scheint.

Friedliches Königreich

Maler: Edward Hicks, Jahr: ca. 1825-30 – Der Quäkerprediger Hicks malte 61 verschiedene Versionen dieser Komposition. Er glaubte, dass seine Bilder wichtige religiöse Lehren vermitteln könnten. Unter der Führung der Quäker ist Amerika ein Garten Eden, in dem sogar Löwe und Ochse friedlich nebeneinander existieren.

Blick vom Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts (The Oxbow)

Maler: Thomas Cole, Jahr: 1836 – Die Bewegung ist der Schlüssel zum Verständnis dieses Gemäldes. Vom Mount Holyoke aus gesehen, entstand der Oxbow, als der Connecticut River über seine Ufer trat und eine geschwungene Form bildete. Liest man das Gemälde von rechts nach links, ist die Stimmung bedrohlich, denn es drohen Stürme. Liest man es von rechts nach links, herrscht Optimismus; der Sturm ist vorbei und hat Sonnenschein hinterlassen.

Reverend John Atwood und seine Familie

Maler: Henry F. Darby, Jahr: 1845 – Das hyperreale Aussehen der Dargestellten in diesem Gemälde könnte ein Hinweis auf den Druck sein, den die frühe Fotografie auf die Malerei ausübte. Darby war erst siebzehn Jahre alt, als er dieses Gemälde von Reverend Atwood und seiner Familie anfertigte. Die fromme Erscheinung der Dargestellten – sie lesen fünf Bibeln – steht im Gegensatz zu den modischen Möbeln und üppigen Textilien, die sie umgeben.

The Jolly Flatboatman

Maler: George Caleb Bingham, Jahr: 1846 – Flussschiffer auf dem Mississippi sind das Thema dieses Gemäldes. Das Boot hat nur wenig Fracht geladen, was darauf hindeutet, dass es den Mississippi flussaufwärts fährt. Die Männer können ihren Freizeitaktivitäten nachgehen, während die zentrale Figur dieser dreieckigen Komposition zu einer Melodie tanzt, die wir nicht hören können.

Kindred Spirits

Maler: Asher Brown Durand, Jahr: 1849 – Spirits war Durands Hommage an seinen lieben und verstorbenen Freund Thomas Cole. Durand schuf die perfekte Kompositansicht von Coles Lieblingsplätzen, den Kaaterskill Falls und der Catskill Cove. Mit seinem Pinsel weist Cole auf das Jenseits, sein letztes Ziel, während sein Freund William Cullen Bryant zuschaut. Dieses Gemälde wurde bekanntlich von der New York Public Library als eine andere Art von Tribut für das Crystal Bridges Museum in Bentonville, Arkansas, erworben.

Washington Crossing the Delaware

Maler: Emanuel Gottlieb Leutze, Jahr: 1851 – Diese Darstellung der gefährlichen Überquerung des Delaware durch George Washington im Revolutionskrieg vor der Schlacht von Trenton ist vielleicht das berühmteste amerikanische Gemälde aller Zeiten. Es ist mit Wagners „Walkürenritt“ im Hintergrund zu sehen.

Der Veteran in einem neuen Feld

Maler: Winslow Homer ,Jahr: 1865 – In einer Anspielung auf den Sensenmann erntet dieser Bürgerkriegsveteran, dessen Jacke und Feldflasche er im Vordergrund abgelegt hat, goldenen Weizen auf einem Feld. Die Sense ist um den Veteranen geschnallt, so wie sein Gewehr in Kriegszeiten umgeschnallt gewesen wäre. Der Betrachter hat nicht die Möglichkeit, das Gesicht des Veteranen zu sehen, während er den Weizen in seiner Blütezeit abschneidet; es verstärkt nur den düsteren Unterton des Gemäldes.

Inmitten der Sierra Nevada Mountains, Kalifornien

Maler: Albert Bierstadt, Jahr: 1868 – Albert Bierstadts wunderschön gestaltete Gemälde fanden in den 1860er Jahren einen reißenden Absatzmarkt für spektakuläre Ansichten von den Grenzen der Nation. Bierstadt war ein Einwanderer und hart arbeitender Unternehmer, der reich geworden war, indem er seine Fähigkeiten als Maler mit einem Talent zur Selbstdarstellung kombinierte. Er präsentierte seine Gemälde als theatralische Ereignisse, verkaufte Eintrittskarten und platzierte Zeitungsberichte – Strategien, die ein Kritiker als „riesige Maschinerie der Werbung und Anpreisung“ bezeichnete. Eine Bierstadt-Leinwand wurde kunstvoll gerahmt, in einem abgedunkelten Raum aufgestellt und hinter luxuriösen Vorhängen versteckt. Zur festgesetzten Zeit wurde das Werk unter tosendem Beifall enthüllt.

27. Ledger-Gemälde (Abbott Ledger Book)

Maler: Cheyenne-Stamm, Jahr: ca. 1870er Jahre – Bis in die zweite Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts hielten die Plains-Indianer ihre mündlichen Überlieferungen oft in Malereien auf Felsen, Höhlenwänden und T-Stücken fest. Als die Entdecker nach Westen vordrangen, wurden Ledger eingeführt und eine neue Form, die Ledger-Malerei, war geboren. Die Künstler hielten wichtige Ereignisse mit Aquarellfarben und Bleistift fest. Auf diesem Gemälde nimmt ein Krieger an einem Überfall teil.

Arrangement in Grau und Schwarz: Porträt der Mutter des Malers

Maler: James Abbott McNeill Whistler, Jahr: 1871 – Dieses Gemälde ist so viel mehr als ein Mr. Bean Plot Point oder ein Arrested Development Episodentitel. Es wird auch als amerikanische Ikone oder „amerikanische Mona Lisa“ bezeichnet und ist ein Sinnbild für Mutterschaft und Familienwerte. In Ermangelung jeglichen sentimentalen Wertes verpfändete Whistler dieses Gemälde kurz nach seiner Entstehung, und es landete schließlich im Musée d’Orsay in Paris.

Die Gross Klinik

Maler: Thomas Eakins, Jahr: 1875 – Dieses „kraftvolle, schreckliche und faszinierende“ Gemälde zeigt ein Selbstporträt von Eakins als sitzende Figur, die mit einem Schreibgerät kritzelt, das ebenso sehr Skalpell wie Stift ist. Es basiert auf einer von Dr. Gross geleiteten Operation am krebsbefallenen Oberschenkel eines jungen Mannes, bei der Eakins Zeuge war. Das Gemälde wurde für die Kunstausstellung der Centennial Exposition von 1876 abgelehnt; es wurde als Ornament im U.S. Army Hospital ausgestellt.

24. Madam Pierre Gautreau (alias Madame X)

Maler: John Singer Sargent, Jahr: 1884 – Skandal! Als dieses Gemälde auf dem Pariser Salon von 1884 ausgestellt wurde, war ein Träger des Kleides der Dargestellten über die Schulter gefallen. Die Betrachter waren gekitzelt und entsetzt. Die Mutter von Madame X verlangte, dass das Gemälde abgehängt wird. Sargent weigerte sich mit der Begründung, er habe sie so gemalt, wie sie gekleidet war. Später übermalte er den Gurt, um ihn sicherer zu machen.

23. The Banjo Lesson

Maler: Henry Ossawa Tanner, Jahr: 1893 – Tanners Gemälde gehört zu den ersten, die eine realistische Darstellung von schwarzen Amerikanern zeigen. Damals wurden Schwarze in der Regel auf eine Art und Weise dargestellt, die man höflich als „stereotypisch“ bezeichnen kann. Dieses großartige kleine Gemälde zeigt sehr sensibel, wie Wissen an jüngere Generationen weitergegeben wird. So wird das Banjo zu einer Metapher für das Wissen und die Weisheit älterer Menschen.

Hirsch bei Sharkeys

Maler: George Bellows, Jahr: 1909 – Bellows war ein meist professioneller Baseballspieler, der zum Künstler wurde. Daher widmet er den Boxern/Hirschen, die sich im Ring bekämpfen, besondere Aufmerksamkeit. Die düstere, schmutzige Vulgarität des Kampfes findet ihren Widerhall im Publikum, insbesondere in der Figur auf der anderen Seite des Rings, die ebenso gewalttätig zu sein scheint wie das Ereignis, das sie beobachtet.

21. Porträt eines deutschen Offiziers

Maler: Marsden Hartley ,Jahr: 1914 – Hartleys Porträt eines gefallenen Freundes, Karl von Freyburg, ist überschwemmt von Symbolen und krawalligen Farben. Die Farbpalette ist fauvistisch, während die zersplitterte Ansicht dem Standardkubismus entspricht. Die Zahl vier könnte auf das Regiment des Freundes verweisen, während die Zahl vierundzwanzig das Alter angibt, in dem der liebe Freund getötet wurde. Viele Gelehrte haben die tiefe Emotionalität des Porträts auf die Tatsache zurückgeführt, dass Freyburg und Hartley möglicherweise ein Liebespaar waren.

Brooklyn Bridge

Maler: Joseph Stella,Jahr: 1919-1920 – Obwohl Stella die Brücke nicht originalgetreu nachgebildet hat, enthält seine geschickte Komposition die markantesten Elemente der Brücke, darunter Fußgängerwege, gotische Bögen und das Dickicht aus Drähten und Kabeln. Das höllische Rot im unteren Teil des Bildes steht im Gegensatz zum himmlischen Blau, das im Mittelpunkt der Komposition steht. Stellas Gemälde ist affektiv und suggestiver als eine wörtliche Wiedergabe der Brücke es wäre.

Das Problem, mit dem wir alle leben

Maler: Norman Rockwell, Jahr: 1964 – Was soll ich sagen? Dies ist ein sehr bewegendes Gemälde, gemalt von einem legendären und großen Amerikaner. Norman Rockwell war berühmt für seine Illustrationen für die Saturday Evening Post. Er war auch ein sehr erfolgreicher Maler. Dieses Werk zeigt seine Sensibilität für die amerikanische Bürgerrechtsbewegung. Die Handlung erzählt die Geschichte von Ruby Bridges. Sie war ein sechsjähriges afroamerikanisches Mädchen, das in einer rein weißen öffentlichen Schule in New Orleans die Farbbarriere durchbrach. Dieses mutige kleine Mädchen wurde von einer Menge wütender Weißer verspottet.

Amerikanische Gotik

Maler: Grant Wood, Jahr: 1930 – Ja, ich weiß, Sie haben dieses Gemälde schon einmal gesehen; aber haben Sie es sich wirklich angesehen? Wenn ja, dann würden Sie sehen, dass das Gemälde streng geordnet ist. Die Mistgabel in der Hand des Mannes spiegelt sich in einem ähnlichen Muster in den Nähten seines Overalls wider. Die Streifen auf seinem Hemd finden sich in den Brettern des Hauses und der Scheune hinter ihm wieder. Die Frau ist durch das Muster der Kreise auf ihrem Hemd in die Komposition eingebunden, die sich auf die Brille im Gesicht des Mannes reimen. Im letzten Reimschema wird das Paar auf eine steife Art und Weise wiedergegeben, die letztlich mit der Oberfläche, auf der es gemalt ist, übereinstimmt: einem Brett.

Jack-in-the-Pulpit

Malerin: Georgia O’Keeffe, Jahr: 1930 – Wolkenkratzer, Totenköpfe oder *ähem* Blumen, O’Keeffe hat sie alle mit der gleichen Technik dargestellt. Sie vergrößert das Motiv bis an den Rand des Bildes, so dass eine frontale, überdimensionale Darstellung entsteht. Alles, was O’Keeffe auf diese Weise einfängt, erhält eine totemistische Qualität: Es soll angebetet werden.

16. The Migration Series, Panel 1

Maler: Jacob Lawrence, Jahr: 1940 – Jacob Lawrence‘ The Migration Series (1940-41), eine Folge von 60 Gemälden, stellt die Massenbewegung von Afroamerikanern aus dem ländlichen Süden in den städtischen Norden zwischen dem Ersten und dem Zweiten Weltkrieg dar – eine Entwicklung, die in der Öffentlichkeit zuvor kaum Beachtung gefunden hatte.

Nighthawks

Maler: Edward Hopper, Jahr: 1942 – Für ein Gemälde, das von Gefühlen der Einsamkeit und Entfremdung trieft, befindet es sich seltsamerweise in ziemlich guter Gesellschaft. Der Look von Blade Runner wurde von diesem Bild inspiriert. Wim Wenders hat diese Szene berühmt gemacht für einen Film im Film in der Geschichte der Gewalt. Bei den Simpsons war sie in einer Folge prominent vertreten. Tom Waits schrieb ein Album mit davon inspirierten Liedern. Gottfried Helnwein ersetzte die Darsteller in Boulevard of Broken Dreams durch Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, James Dean und Elvis. Joyce Carol Oates verfasste einen Roman, der den abgebildeten Figuren ein Innenleben verleiht.

Freedom from Want

Maler: Norman Rockwell, Jahr: 1943 – Rockwell malte ein Quartett von Gemälden für die Four Freedoms Series, inspiriert durch eine Rede von FDR; die Four Freedoms umfassten die Freiheit der Meinungsäußerung, die Freiheit der Religionsausübung, die Freiheit von Angst und die Freiheit von Mangel. Freedom from Want“ wurde in einer Ausgabe der Saturday Evening Post abgedruckt, in der viele Amerikaner Rockwells ikonische Bilder aus dem häuslichen Bereich sahen. Dieses Gemälde ist sinnbildlich für Rockwells verstörende Nostalgie: Alles ist größtenteils in Ordnung, bis auf den seltsam aussehenden Jungen im hinteren Teil der Komposition.

Christina’s World

Maler: Andrew Newell Wyeth, Jahr: 1948 – Vielleicht weil es als Darstellung von Teenagerangst missverstanden wurde, war „Christina’s World“ jahrzehntelang ein beliebtes Poster für Studentenwohnheime. Tatsächlich handelt es sich bei der dargestellten Frau um Christina Olson, die aufgrund einer degenerativen Krankheit von der Hüfte abwärts gelähmt war. Wyeth verleiht der Szene durch die straffe, aber unsichtbare Linie, die sich zwischen ihrem Kopf und der Spitze des Hauses spannt, eine emotionale Note – auch für den Betrachter, der nichts von Olsons Notlage weiß. Christinas Ziel scheint unvorstellbar weit entfernt zu sein.

Eins: Nummer 31

Maler: Jackson Pollock, Jahr: 1950 – Pollock arbeitete bekanntlich mit der Leinwand auf dem Boden und benutzte jedes Mittel, um die Farbe herumzuschleudern. Pollock gab zu, dass diese scheinbar abstrakten „Tropfbilder“ manchmal gegenständlich waren, und fügte hinzu: „Wenn man aus dem Unterbewusstsein heraus arbeitet, tauchen zwangsläufig Figuren auf.“ Lassen Sie mich das für Sie übersetzen: Schauen Sie etwas lange genug an und sehen Sie…

Drei Flaggen

Maler: Jasper Johns, Jahr: 1958 – Hier gelingt es Johns, die Flagge von einem Großteil ihrer symbolischen Bedeutung zu befreien. Stattdessen zwingt er den Betrachter, sich auf die reich bemalten Oberflächen und die Tiefe zu konzentrieren, die durch das Übereinanderstapeln von drei Leinwänden entsteht.

Elegy to the Spanish Republic

Maler: Robert Motherwell, LXX Jahr: ca. 1961 – Motherwell war während des Spanischen Bürgerkriegs nur ein Teenager, aber er war tief betroffen. Er schuf mehr als 200 Gemälde zu diesem Thema. Ich könnte hier ein Argument für Symbole, Formen und Abstraktion anführen, aber nennen wir einfach einen Penis, einen Penis.

9. Marilyn Diptychon

Maler:Andy Warhol, Jahr: 1962 – Sein künstlerischer Schwerpunkt lag auf der Populärkultur, während er gleichzeitig die sozialen und materiellen Werte der Mittelklasse zelebrierte, mit denen er inmitten der Depression aufwuchs. Das industrielle Atelier, das er Factory nannte, veränderte seinen Stil von der Handmalerei zum Fließband-Siebdruck auf Leinwand. Das durchgehende Bild suggeriert das Symbol des bewegten Bildes, das Marilyn Monroe so berühmt gemacht hat. Das Foto zeigt nicht die Person, sondern den Star Monroe. Das Diptychon-Format der byzantinischen Ikonen christlicher Heiliger zeigt Marilyn in biblischen Proportionen. Es fordert den Betrachter auf, über Monroes Leben nachzudenken, um seine eigene Bedeutung des Werks zu finden.

Sugar Shack

Maler: Ernie Barnes,Jahr: ca. 1972 – Ohhh, du dachtest J.J. von Good Times hat das gemalt? Nein. Ernie Barnes, auch bekannt als der 10. Draft Pick der NFL von 1960, hat es gemalt. Er schöpfte aus seiner Kindheit in den Südstaaten und seiner sportlichen Erfahrung, um flüssige Körper in einem Stil darzustellen, der eher manieristisch als „Dy-no-mite!“

Robert Colescott Seite aus einem Lehrbuch der amerikanischen Geschichte

Maler: Robert H. Colescott, Jahr: 1975 – Satire ist das Metier von Colescott. In seinem Werk setzt er sich immer wieder mit Fragen der Rassendarstellung und der Geschichte auseinander, indem er bekannte historische Persönlichkeiten als Afroamerikaner in vertrauten westlichen Gemälden neu darstellt. In diesem Gemälde wird George Washington, General des Revolutionskriegs und erster Präsident der USA, zu George Washington Carver, dem schwarzen Wissenschaftler und Erfinder.

Sleepwalker

Maler: Eric Fischl, Jahr: 1979 – Darf man den schlafwandelnden Jungen, der in einem Kinderbecken steht, anstarren? Uriniert er? masturbiert er? Fischl hat die unheimliche Fähigkeit, den Betrachter zum Voyeur zu machen, aber je mehr wir dieses Bild betrachten, desto weniger verstehen wir es.

5. Scull

Maler: Jean-Michel Basquiat, Jahr: 1981 – Basquiat war ein frühreifes Kind, und im Alter von sieben Jahren schenkte ihm seine Mutter ein Exemplar von Gray’s Anatomy, das er später als Vorlage für seine meisterhaften und dekonstruierten Figuren verwendete. In diesem Gemälde präsentiert uns Basquiat ein Gesicht in Form eines Schädels. Obwohl es mit Augen, Nase und Zähnen versehen ist, erweckt das Bild den Eindruck, dass das Gesicht unvollständig ist und die Knochen unter der Oberfläche ebenso deutlich hervortreten wie die Farben im Hintergrund. Der Kopf ist mit Basquiats illusorischen Graffiti gefüllt, die den Eindruck erwecken, dass es Formen und Figuren im Gesicht gibt, aber bei näherer Betrachtung ist das Gesicht ein Durcheinander von abstrakten Linien und Formen.

Great America

Maler: Kerry James Marshall, Jahr: 1994 – Marshall nimmt unseren amerikanischen Appetit aufs Korn, sei es die Liebe zu Vergnügungsparks, wie Kaliforniens Great America, oder unser (ehemaliger) Appetit auf Sklaverei. In der Ankündigung der National Gallery zum Erwerb des Gemäldes von Marshall wird es folgendermaßen interpretiert: In Great America“ stellt eine Bootsfahrt durch den Geistertunnel eines Vergnügungsparks als die mittlere Passage der Sklaven von Afrika in die Neue Welt dar. Was in anderen Händen ein Werk von schwerer Ironie sein könnte, wird stattdessen zu einer delikaten Verflechtung der Geschichte der Malerei und der Rasse.“

Selbstporträt

Maler: Chuck Close,Jahr: ca. 2000-1 – Close’s große Leinwände sind unglaublich detailliert und zwingen den Betrachter dazu, kleine geometrische Details zu einem zusammenhängenden Bild zu kombinieren. Viele haben sich gefragt, ob er Computer benutzt, um den Pixeleffekt seiner Bilder zu erreichen. Nein. Close fotografiert seine Motive und rastert dann die Fotos und die zu bemalende Leinwand.

Bush in Abu Ghraib

Maler: Peter Saul, Jahr: 2006 – Sauls säurefarbenes Gemälde zeigt einen grinsenden Präsidenten George W. Bush, der einen entstellten, von Kugeln durchlöcherten irakischen Soldaten mit einem Arm umarmt, während er mit dem anderen den Mund des entstellten Soldaten untersucht. Bushs Geste könnte von einer Reihe kunsthistorischer Quellen beeinflusst sein. Man fragt sich, auf welche Geste sich Saul bezieht: Auf den Händler in Geromes Der Sklavenmarkt, der den Mund eines potenziellen Käufers erforscht? Oder ist es Caravaggios Zweifelnder Thomas, der seine Hände in die Wunden Christi steckt. Letztendlich weiß das nur Saul…

Barack Obama/Hope

Maler: Shepard Fairey, Jahr: 2008 – Dieses Bild, das vielen von uns als das Plakat bekannt ist, das überall zur Unterstützung des jetzigen Präsidenten Barack Obama aufgehängt wurde, begann sein Leben als 60″ x 44″ große Collage in Faireys Studio. OBEY.